Câmara de Eco

Cabicera Brothers Band

2011-09-15T22:50:00.004-03:00

Convido os amigos e amigas do Câmara de Eco a acessar o blog do trio Cabicera Brothers Band - www.cabicerabrothersband.blogspot.com - e conhecer um pouco de nosso trabalho totalmente voltado para o rock 'n' roll das décadas de 60 e 70. Acessem também nossa página no Facebook - www.facebook.com/pages/Cabicera-Brothers-Band/202194226507463 - e o canal no YouTube. Contato: cabicera@live.com

Bill Bruford - Rock Goes To College (DVD)

2010-02-21T11:41:00.007-03:00

Após um hiato de seis meses, sinto falta do trabalho aqui no Câmara e, consequentemente, dos amigos e amigas que acompanham o blog, apesar de manter contato com vários deles nesse período.
Deixei um pouco de lado os downloads de discos e concentrei-me em trocar parte de minha coleção de VHS por DVD, e nesse contexto a “mãe internet” associada a uma conexão de banda larga no mínimo mais digna foi fundamental para encontrar os títulos que estava procurando, e também vários outros com qualidade de som e imagem superiores as versões que possuía há anos nas prateleiras da estante.
Nessa busca encontrei esse Bill Bruford, o qual tinha uma versão parcial e com baixa qualidade em VHS bootleg.
Após deixar o seminal U.K., Bruford formou sua própria banda contando com outro ex-U.K., o fantástico guitarrista Allan Holdsworth, o tecladista Dave Stewart e o baixista Jeff Berlin.
Aliás, se quiser ver um pouco mais de Jeff Berlin em ação, assista ao vídeo do Anderson Bruford Wakeman & Howe intitulado An Evening of Yes Music Plus.
Filmado em 1979 na Oxford Polytechnic e transmitido pela BBC na série Rock Goes to College, contou com a participação especial da vocalista e artista de vanguarda Annette Peacock.
Bruford, como sempre inovando e apresentando o mais alto nível musical, ultrapassando as barreiras do rock e obtendo grande êxito no jazz rock.
Impressionante é a quebradeira e empolgação da última música, 5G, onde o desempenho da banda é de deixar qualquer fã de queixo caído.
Muito interessante também é a versão de Sahara of Snow, música que o U.K. chegou a tocar ao vivo em sua formação original.
O DVD possui cerca de 45 minutos de duração e seus direitos foram cedidas pela BBC à Voiceprint, selo responsável por inúmeros lançamentos de valor inquestionável.
Boa diversão!

Parte 1

Parte 2

Sem Atualizações.

2009-10-13T00:14:00.003-03:00

Em vários momentos da vida temos que tomar decisões importantíssimas e fazer escolhas idem.
Quem acompanha o Câmara tem notado a escassez de postagens nos últimos meses, em especial no último trimestre, e, em decorrência dessa grande ausência de minha parte e o respeito e carinho que tenho por todos os amigos que fiz através desse meio virtual, quero comunicar que o Câmara de Eco ficará inoperante por período indeterminado.
Minha indisponibilidade de tempo me impede de prosseguir com as inúmeras postagens e pequenos projetos que estava arquitetando para o blog.
Depois que comecei a cursar a faculdade, o tempo e as prioridades mudaram drasticamente e nesse processo o Câmara acabou ficando em segundo plano.
Aliás, não foi uma decisão fácil de minha parte, por isso escolhi a frase do Spencer Johnson para ilustrar bem a situação: "Quanto mais importante seu queijo é para você, menos você deseja abrir mão dele".
Abrir mão do Câmara de Eco é abrir mão de um canal que me trouxe inúmeras riquezas, sem precisar receber um centavo para tal.
Aqui eu conheci inúmeras pessoas legais e geniais, algumas arrogantes que não merecem nem o meu desprezo e outras tantas que participaram, opinaram e contribuíram para ótimo nível do blog.
Sim, eu posso dizer com muito orgulho que o Câmara de Eco é muito bom, com participações de excelente nível.
Tudo era planejado: desde a escolha da postagem até as imagens mais adequadas, condizentes com o período abordado pelo texto.
Agradeço de coração a todos que colaboraram com o blog nesses quase dois anos de atividade e quero deixar uma mensagem aos leitores: nunca deixe de imprimir sua opinião e dizer o que pensa. Assim como disse Sly Stone em Woodstock, não espere que o sujeito ao seu lado o faça por você.
Saiba que defender seu ponto de vista e colocar isso de forma adequada no papel pode levá-lo a lugares surpreendentes, e não importa se você escreve sobre carros, música ou futebol: sempre deixe bem claro a sua opinião.
Abraços!

War - The World Is A Ghetto

2009-09-13T09:07:00.003-03:00

Tal qual o Funkadelic, Earth Wind & Fire ou o Sly & Family Stone, o War é uma das formações mais envolventes e suntuosas do vasto cenário musical dos anos 70, principalmente aquele composto por super grupos que nasceram nas raízes do blues, funk, soul, música latina e jazz.
O War jogou todos esses elementos dentro do liquidificador e apresentou ao público uma incrível proposta musical, politizada inclusive, em seus primórdios via parceria com Eric Burdon, ex-Animals.
Mesmo com sua saída a banda seguiu em frente com ótimos trabalhos, dessa vez com acento mais funk do que nunca, sem deixar de lado os elementos originais de sua música, capitaneados pelo tecladista e vocalista Lonnie Jordan. The World Is A Ghetto (1972) é seu terceiro trabalho e um dos mais importantes do estilo, item fundamental em qualquer coleção.
Músicas como The Cisco Kid, City,Country,City, Beetles In The Bog e a faixa-título, com seus dez minutos de puro êxtase e prazer, levam qualquer bunda mole rocker, como eu, a abrir a cabeça e ver que música boa não se resume a guitarras distorcidas e solos intermináveis de teclado.
Eu quero que todos os conceitos musicais vão para as cucuias, War é do "baralho"!

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Pedro Jácome e Sua Guitarra Apurada.

2009-09-12T19:25:00.012-03:00

Pedro Jácome é guitarrista de João Pessoa/PB, tocou durante os anos 80 e 90 nas bandas Domber e Ponta de Espinho, além de produzir seus próprios trabalhos solo. Atualmente é integrante da Jazzmine Garden Band e investe em projetos paralelos. Um deles foi editado em CD em 2007 sob o título 80/2.
Com muita personalidade, feeling, técnica e muito bom gosto, Pedro apresenta em 80/2 uma boa série de músicas instrumentais que deixariam muitos guitarristas metidos a besta, com muita inveja.
Além disso, faz uso de diversos timbres – um deles se assemelha aos de uma Gibson semi-acústica – e também toca baixo no disco, que contou com a participação do baterista Dennis “Batera” e os convidados Junior Farias (gaita) e Olivier Barault (piano).
Pedro concedeu uma entrevista ao Câmara, onde fala sobre sua carreira, formação e idéias musicais.

1. Seu trabalho 80/2 é bem regular e apresenta uma ótima mescla de rock, jazz e blues. Qual é seu critério de composição para equilibrar muito bem esses estilos?
Não há planejamento, é uma coisa meio mística e ocorre quando eu pego o violão de aço ou a guitarra, dependendo do espírito do dia, e um riff já sai pronto. Daí para a composição mesmo, é ralação, com a busca das harmonias e arranjos. A parte final é sempre a mais divertida: improvisar sobre essa nova composição. Os solos do 80/2 são em sua maioria improvisos imprevistos, imprecisos.

2. Como é o cenário no NE para músicos instrumentais, como você, e quais são as facilidades e dificuldades em sua região para esse mercado?
Já ouviste aquela frase "é uma música só instrumental"? Essa parte dói um pouco, pois o "só instrumental" descreve muito bem como a música é interpretada normalmente. Música que não é canção, ou seja, a junção de harmonia e voz, é considerada como incompleta, ou "só instrumental". Apesar disso, aqui no NE há alguns espaços bem aproveitados como o Festival de Jazz de Garanhuns, em Pernambuco, o Festival de Inverno em Campina Grande e o Jazz&Blues que ocorre em Guaramiranga, no Ceará.

3. Em que momento você atingiu a maturidade musical para escrever suas composições e como foi seu início de carreira?
Aqui eu copio um pouco a resposta de Chico, o Buarque, para essa mesma pergunta: foi desde que decidi tocar um instrumento. Como não consigo reproduzir bem as músicas das quais gosto, acabo sendo forçado a compor as minhas. Estas eu toco melhor que ninguém, ao menos por enquanto. Comecei com uma turma de amigos, fazendo muito rock´n´roll nas garagens e porões de Campina Grande na década de 80. Ainda hoje fazemos, quando é possível reunir toda a turma.

4. Uma das músicas que mais gostei em 80/2 é o blues O Solzinho e a Luana, lembrando bem o estilo melódico de Gary Moore. Entre o jazz e o blues, qual é o estilo que mais lhe influenciou?
Inicialmente o blues, sem dúvidas porque é mais básico, no sentido de raiz, essência. Depois é que veio o jazz (que conheci a partir da bossa de João Gilberto), pelos horizontes largos que nos dá.

5. Quais são seus projetos para o futuro próximo e qual foi o retorno de 80/2?
Estudar. Sinto que não conseguiria fazer outro disco sem ter revisado suficientemente o material que uso. Mesmo as composições básicas que vêm sem controle, estão sendo registradas minimamente, apenas para que não as esqueça. Tocar. Encontrar companheiros para essa e outras empreitadas. O 80/2 me trouxe grande satisfação pessoal, apesar de todas as suas falhas. Ôpa, com isso vejo que trouxe também experiência.

6. Quero agradecer sua atenção e cordialidade. Esse espaço é para suas considerações finais.
Ricardo, então estamos quites. Eu te agradeço de volta, pelo teu esforço de divulgação de novos e velhos sons. Sei que não é fácil, mas acreditamos e por acreditar realizamos. Não é assim?

Entre em contato com o Pedro através de seu Myspace: http://www.myspace.com/463789272

Lá é possível ouvir algumas músicas de 80/2 ou então bater um papo com ele.

Mirthrandir - For You The Old Women

2009-09-12T18:34:00.004-03:00

O progressivo americano é uma perna do estilo, o qual nunca dei muita bola, erroneamente, é claro. Depois que comecei a procurar por algumas bandas pelas terras dos yankees venho encontrando algumas surpresas mais que agradáveis.
Esse é o caso do surpreendente Mirthrandir, com seu ótimo e único álbum lançado em 1975, intitulado For You The Old Women.
Formado em 1973 em Nova Jersey, a banda contava em sua formação com o baixista James Miller, o tecladista Simon Gannett, os guitarristas John Callahan e Alan Benjamin, o batera Robert Arace e o excelente vocalista John Vislocky III.
Apesar de exagerar um pouco em alguns momentos, Vislocky chama a atenção por seus vocais agudos e possantes, uma ótima marca do som da banda.
Além disso, o Mirthrandir segue à risca a escola inglesa do progressivo e despeja uma boa dose de progressivo ora sinfônico, ora intrincado.
Devido à pouca repercussão, a banda se desfez em 1977 e, curiosamente, após o relançamento em CD em 1992 desse trabalho postado, empolgou-se e voltou à ativa com a formação quase original.

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Ange - Au-Delà Du Délire

2009-09-12T17:37:00.011-03:00

Essa banda francesa, fundada e liderada por Christian Decamps, faz um trabalho teatral, dramático, narrativo, original e inquietante. São longos anos de estrada que começaram em 1970 permanecendo em atividade até 2005, resultando em nada menos que 37 trabalhos editados, entre LPs e CDs de estúdio, apresentações em festivais e gravações ao vivo.
No entanto, como quantidade nunca foi, ou será, sinônimo de qualidade e desconheço a maioria dos trabalhos, posso apenas manifestar minha preferência pelo Au-Delà Du Delire, pelo Emile Jacotey e pelo Le Cimetière des Arlequins, nessa respectiva ordem.
Não existe qualquer outra banda de Progressivo que se possa relacionar, ou comparar, com o som dessa genial banda, talvez o Atoll (outra banda francesa) no LP “L'araigne-mal” e assim mesmo, com muitas reservas. Também não adiantaria eu me utilizar de qualquer rótulo musical na tentativa de definir o som do Ange.
Poderia arriscar, sob risco de severos protestos, que o Ange possui uma leve semelhança musical com algumas bandas italianas, acrescida de uma "pitada" de Gentle Giant e uma leve "untada" de Van der Graaf, mas essa receita, torna-se de pouca valia e não faz justiça a genialidade musical dessa excepcional banda francesa.
Ange não existe para ser apenas escutado, deve ser ouvido! Não existem na obra que aqui divulgo, grandiosos solos, ou evidentes virtuosismos musicais. O que existe, são belíssimos arranjos, uma ampla criatividade e uma evidente predominância do vocal e suas inumeráveis "filigranas" artísticas sobre os demais instrumentos.
Em suma, Ange é uma experiência única que deve ser degustada lentamente, pois a cada nova audição, uma nova realidade se desdobra.

Músicos:
Jean-Michel Brezovar: Guitarra
Christian Decamps: Piano e Vocal
Francis Decamps: Teclados e Vocal
Gérard Jelsch: Bateria e percurssão
Daniel Haas: Baixo
Henry Loustau: Violino
Eric Bibonne: Vocal
Michel Lefloch: Vocal

Músicas:
1. Godevin Le Vilain
2. Les Longues Nuits D'Isaac

3. Si J'étais Le Messie

4. Ballade Pour Un Orgie
5. Exode
6. La Bataille Du Sucre (Inclus La Colere Des Dieux)

7. Fils De Lumière

8. Au-Delà Du Delire

[MP3_320 kbps - CBR - Stereo]

Texto: Mercenário

Download.

Nine Days Wonder – We Never Lost Control

2009-09-12T17:26:00.006-03:00

Consegui essa preciosidade numa viagem que fiz há muitos anos, ao maravilhoso estado do Rio Grande do Sul. Observei a capa e por pouco não ficou na caçamba da loja, mas por sorte resolvi ouví-lo. Em menos de 1 minuto, deu para perceber que estava diante de um som original e genial. Na medida em que passava pelas faixas, percebi que havia sido agraciado com uma banda que tinha pelo menos 4 músicas, que eram com freqüência executadas na saudosa Eldo-Pop (Radio FM no R.J.).
N.D.W. foi uma banda alemã que gravou pela Bellaphon, possuindo uma discografia de quatro discos. Nine Days Wonder (71), We Never Lost Control (73), Only the Dancers (75), Sonnet to Billy Frost (76), dos quais só conheço os dois primeiros, sendo o segundo o meu predileto.
Trata-se de um Progressivo, com forte influência de Fusion, Hard e Psicodelismo. É um trabalho extremamente original e competente em seus arranjos, bem como na evolução melódica, sem perder, no entanto, o enfoque da proposta do Progressivo Alemão.
Esses cinco alemães fazem um som encorpado, maduro e repleto de dissonâncias ao estilo Gentle Giant e Van der Graaf. No entanto, a evidente condução pelos teclados e a (eventual) discordância com os saxofones (genialmente contrapostos por Münster), pode não agradar a todo o ouvinte, por trazer um sentimento de conflito e conturbação, chegando a parecer até excessivamente experimental. Mas felizmente o trabalho no geral acaba ficando muito bem equilibrado, com o auxílio de uma guitarra genial (belíssimos temas e bom gosto no uso dos pedais), de um baixo e uma bateria de respeito e um vocal em inglês muito bem elaborado.
Não vou recomendar nenhuma música para audição em especial, pois estamos falando de um disco perfeito do início ao fim. A única exceção seria quanto a Fisherman’s Dream, na qual peço especial atenção à letra.

Músicos:
Walter Seyffer: Vocal, percussão e efeitos
Michael Bundt: Baixo
Hans Frauenschuh: Guitarra
Hyazintus: Bateria
Freddie Münster: Saxes, Piano, Orgão, Mellotron, Moog e Sintetizadores.

Músicas:
1- Days In Bright Light – 5:32
2- Fisherman’s Dream – 3:49
3- Andromeda Nomads – 5:30
4- The Great Game – 3:27
5- Angels Due To Arrive – 4:30
6- We Grasp The Naked Meat – 9:11
7- Armaranda – 3:22

[@320 kbps – CBR - Stereo]

Texto: Mercenário

Senha/password: camaradeeco.blogspot.com

V.A. - Peter And The Wolf

2009-09-07T22:14:00.009-03:00

Esse trabalho foi baseado na obra Pedro e o Lobo de Sergei Prokofiev (1891 – 1953). Composta em 1936, foi originalmente concebida com intuito pedagógico de familiarizar as crianças aos sons dos instrumentos.
Como se trata de uma estória musical, cada música é dedicada a um personagem ou a uma determinada situação, que são introduzidas por um narrador. A narração na versão em inglês, ficou sob a responsabilidade de Viv Stanshall.
A título apenas de curiosidade, tem gente que confunde “as bolas” e acaba espalhando por aí, que existe uma versão em português narrada por Roberto Carlos, puro engano, nunca existiu uma versão em português desse trabalho. O que existe na verdade, é uma versão clássica, em português, narrada pelo “Rei” Roberto, gravada pela CBS no ano de 1970, executada pela New York Philharmonic e regida por Leonard Bernstein.
Jack Lancaster e Robin Lumley (idealizadores do presente projeto) convidaram um naipe de músicos de respeito e desenvolveram essa adaptação para o Rock dessa magistral e eterna obra infantil.
Muito embora, todos os integrantes do Brand X participem desse trabalho, não existe qualquer semelhança com o som do Brand X. Em razão da diversidade de estilos e técnicas (dos músicos convidados) o resultado é uma fusão perfeita e irretocável entre rock, progressivo e clássico.

Personagens e músicos:
- Narrador / Viv Stanshall
- Peter / Manfred Mann
- Bird / Gary Brooker
- Duck / Chris Spedding
- Duck / Gary Moore
- Cat / Stephane Grappelli
- Wolf / Brian Eno
- Pond / Keith Tippett
- Grandfather / Jack Lancaster
- Hunters / Jon Hiseman, Bill Bruford, Cozy Powell, Phil Collins

Musicos adicionais:
- John Goodsall, Pete Haywood, Alvin Lee / guitarra
- Percy Jones, Andy Pyle, Dave Marquee / baixo
- Robin Lumley / teclados
- Cozy Powell & Phil Collins / bateria
- Bernie Frost, Julie Tippetts, The English Chorale / vocais

Enfim, trata-se de uma verdadeira raridade do Rock Progressivo, que chegou a ser lançada no Brasil em LP em 1976, com um magnífico encarte, muito bem ilustrado por Mike Cosford. Infelizmente, (que eu saiba) até a presente data, não existe qualquer edição em CD, que tenha sido editada com o respectivo encarte.
No entanto, para felicidade geral dos admiradores dessa preciosidade, estamos disponibilizando em primeira mão no formato 12cm x 12cm, o encarte na íntegra, obtido de uma versão em vinil de origem inglesa. (Não tem texto em português).
São doze imagens que podem com alguma habilidade (no Corel Draw) e paciência, serem montadas na forma de livreto.
Espero que apreciem.

Texto: Mercenário

Download Flac* parte 1 / parte 2 / encarte
Senha: camaradeeco.blogspot.com/

*FLAC (Free Lossless Audio Codec).
Trata-se de um compressor de áudio, onde não há perda de informação, além de alcançar uma elevada taxa de compactação. Isso implica em dizer que toda a informação sonora contida na matriz (CD original) foi efetivamente aproveitada, resultando em arquivos do tipo “Wave”, de alta qualidade, prontos para serem transferidos para um CD de áudio. Para baixar o programa gratuito para descompactar ou compactar arquivos em FLAC, visite: http://flac.sourceforge.net/

Deep Purple - The Soundboard Series (6 CD's box set)

2009-09-07T17:10:00.009-03:00

Vou começar a postagem arrumando confusão: não consigo entender como existe tantos comentários na internet descendo a lenha no Steve Morse e ainda assim a banda é um verdadeiro sucesso de público em todo o mundo. Será que todos os fãs que assistem aos shows da banda vão por inércia?
Quero deixar bem claro que respeito a opinião de todos, mas aqui vai a minha: sou fã de Deep Purple desde meus 11 ou 12 anos e claro, Ritchie Blackmore sempre desfilou na minha lista de guitarristas preferidos.
Com o tempo comecei a sacar que além de excelente guitarrista, é também um mala sem alça e uma figura que estava emperrando a evolução da banda, e não é à toa que gosto demais do Purple, pois a considero diferenciada das demais e sua música apresenta sacadas geniais e inteligentes em inúmeros momentos.
Slaves And Masters (1990) é um lixo, uma mancha negra na discografia do grupo. Parece mais um disquinho daquelas bandas de hard americano de péssima categoria, sem brilho, sem punch e pior, totalmente comercial. Em Battle Rages On... (1993) a coisa começa a engrenar, não é excelente, mas é no mínimo honesto e tem bons momentos.
Então vem a história que todos já estão carecas de ler, a traumática saída de Blackmore.
Sinceramente fiquei triste na época em ver meu guitar hero fora da banda, mas quando ouvi as primeiras músicas de Purpencicular (1996) no programa Backstage, do Vitão Bonesso, senti orgulho novamente de minha banda (talvez) preferida.
Steve Morse foi a escolha ideal, tá certo que ele se excede um pouco, mas trouxe nova alma e roupagem para a banda, as músicas ganharam maior complexidade e novo direcionamento sonoro, sem deixar de ser o bom e velho rock and roll.
Além disso, graças à Deus os caras mudaram o repertório, algo impossível nos tempos de Blackmore.
The Soundboard Series (2001) é uma box maravilhosa contendo seis CD’s duplos, gravações completas de shows da perna asiática e oceania da turnê de 2001, sendo que dois deles gravados em Tokyo trás o Concerto For Group And Orchestra com alguns detalhes um tanto diferentes da versão que saiu no CD In Concert With The London Symphony Orchestra.
Afiadíssimo, como sempre, o Purple desfila versões poderosas de Fools, Mary Long, 69’, Hey Cisco, When A Blind Man Cries e outras que nem sonharíamos ouvir um dia se Blackmore estivesse na banda.
Ronnie James Dio participa dos shows no Japão e aí vem algumas pauladas de tirar o fôlego: a belíssima Sitting In A Dream, Love Is All e o hino de muito headbanger, hoje com mais de 40 anos, Rainbow In The Dark.
Aliás, ouvir o Purple como banda de apoio de Dio é uma experiência no mínimo emocionante, tive a oportunidade de presenciar isso em 2000 quando a banda visitou o Brasil e tocou com a Orquestra Jazz Sinfônica de São Paulo.
Essa tour foi uma espécie de despedida de luxo para Jon Lord e digo que foi tão corajosa quanto o lançamento do primeiro “Concerto” em 1969, devido a complexidade das apresentações e também pela ousadia musical, ainda que em pleno anos 2000.

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Jazz Is Dead, Uma Grande Homenagem Ao Grateful Dead.

2009-09-07T15:34:00.011-03:00

O Grateful Dead é, sem dúvida, a mais importante banda da era psicodélica que conseguiu manter-se em atividade por anos a fio, embora tenham lançado alguns trabalhos de qualidade duvidosa nos anos 80, mas que não comprometeram a sua força motriz: as apresentações ao vivo.
Os caras eram incríveis, não se prenderam àquela ladainha hippie e mandavam bala em apresentações recheadas de longos improvisos, embalados por viagens de ácido e simplesmente porque eram músicos excelentes e competentes.
Não é uma crítica ao movimento hippie, pelo contrário, sou fascinado pela arte daquele período. Só acho um tanto ridículo essa história de paz e amor nos dias atuais pelo fato de vivermos em outra época e soar um bom tanto fora de contexto.
Enfim, o Grateful Dead é tão respeitado que chegou ao ponto de uma turma ligada ao jazz criar uma banda tributo, intitulada Jazz Is Dead.
Os caras lançaram três álbuns ao vivo e instrumentais: Blue Light Rain (1998), Laughing Water (1999) e Great Sky River (2001).
A trupe era composta por Jimmy Herring (guitarra, Allman Brothers), T. Lavitz (teclados, Dixie Dregs e Steve Morse Band), Alphonso Johnson (baixo, Weather Report e Santana) e Billy Cobham (bateria, Mahavishnu Orchestra).
Já no segundo álbum, Billy Cobham foi substituído por Rod Morgenstein (Dixie Dregs) e no terceiro outro baterista foi adicionado, Jeff Sipe (Phil Lesh And Friends), além de contar com algumas participações especiais, como a do guitarrista do Allman Brothers, Derek Trucks.
Se você é fã do Dead e também de jazz rock vai se deliciar com esses trabalhos magistrais e vai se ligar que, de fato, tem tudo a ver uma turma do jazz homenagear a obra desse monstro do rock and roll.
Essa postagem é dedicada ao meu amigo Marinho Zamarian, que certa vez disse que se o mundo acabasse queria morrer deitado na grama ouvindo Grateful Dead!

Blue Light Rain
Laughing Water
Great Sky River

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Citizen Cain - Serpents In Camouflage

2009-09-06T17:51:00.004-03:00

Na minha singela opinião, Citizen Cain foi uma das melhores surpresas no que se refere as bandas de Progressivo surgida na década de 90.
Formada inicialmente por cinco músicos escoceses, eles fazem um progressivo de primeira qualidade, ficando evidente ao longo de toda a obra, que são músicos extremamente competentes e criativos. Inclusive o próprio Cyrus (vocalista) incumbiu-se até de executar a arte das capas. A arte do Cyrus, (embora possua uma forte influencia do mestre Salvador Dali), está repleta de bizarros elementos religiosos, místicos e míticos, que chegam a perturbar.
Em Serpents In Camouflage (meu preferido), é impossível não comparar com a obra do Genesis ou do Marillion. No entanto, mesmo existindo uma forte influência dessas bandas na concepção da linha melódica, Citizen Cain, desenvolve um trabalho com personalidade própria, forte, criativa, repleta de exemplares arranjos envolvendo incontáveis momentos e movimentos de grandiosa beleza e técnica.
A semelhança do vocal do Cyrus com Peter Gabriel é evidente, mesmo assim, Citizen Cain impressiona, extrapolando muito os limites daquilo que se poderia rotular como um simples clone.
São belíssimos solos de guitarra, intercalados e entrecortados por muitos solos de teclado, cuidadosamente tecidos em uma trama complexa, onde o vocal interage verdadeiramente como um instrumento, sem se sobrepor aos demais instrumentos.
Desse “caldo” homogêneo, pois todos participam das composições, surge o verdadeiro e bom progressivo, repleto de nuances e variações propícias a uma longa e prazerosa “viagem”.
Infelizmente Citizen Cain, padece do mesmo mal que assombra ou assombraram outras tantas bandas: a inconstância de seus integrantes. Esse fato não contribui favoravelmente ao amadurecimento musical, nem tão pouco, a formação de uma personalidade própria tão necessária a uma banda que pretenda se destacar no universo do Progressivo. Em razão disso, cada um dos trabalhos do C.C. possui características absolutamente distintas e às vezes, não tão geniais.
Citizen Cain, apenas no Serpent In Camouflage é composto por:

Frank Kennedy: guitarra
David Elam: baixo
Stuart Bell: teclados
Chris Colvin: bateria
Cyrus: vocal e letras

Texto: Mercenário

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Casa Das Máquinas – Lar De Maravilhas

2009-09-06T16:42:00.003-03:00

Estávamos em 1975, a repressão política e o subseqüente cerceamento do direito de expressão eram atos rotineiros e considerados legítimos pelos governantes, Médici (1969-1974) e Geisel (1974-1979). Para quem não era nascido ou era muito pequeno, é muito difícil entender o quadro político e social daquela época.
Somente para exemplificar, não se podia ler aquilo que não fosse do interesse do “Poder” constituído. Eu mesmo, nesse período, somente conseguia ler alguns dos exemplares do periódico e alternativo Jornal Pasquim (que contava com uma equipe de respeito, como Paulo Francis, Tarso de Castro, Jaguar, Ziraldo, Millôr Fernandes, Henfil, Ferreira Gullar e muitos outros.), graças à astúcia do jornaleiro da esquina, que às vezes conseguia esconder um único exemplar antes de a edição ser retirada de circulação. Fazia-se fila de espera para termos acesso aos raros exemplares “caçados”, que eram avidamente lidos, escondidos dentro da própria banca.
Cabelos longos eram sinônimos de maconheiro, marginal, bicha ou subversivo, verdadeiros inimigos internos. Uma simples e descuidada opinião em um bar, poderia ser o passaporte para um recolhimento involuntário e por vezes eterno no DOI-CODI (Destacamento de Operações de Informações - Centro de Operações de Defesa Interna).
Bom esse preâmbulo, visa apenas reforçar os comentários do Lucon, na postagem de Casa de Rock. Não era uma época fácil, principalmente para as artes, fossem literárias, gráficas ou musicais.
Mas vamos ao que interessa. O Casa das Máquinas, com o seu 2º LP (Lar de Maravilhas) consolidou o conceito do que deveria ser o verdadeiro progressivo brasileiro. Na minha opinião, foi o melhor trabalho da banda e sem sombra de dúvida alguma, uma das melhores bandas de Rock Progressivo, senão a melhor, que o Brasil já teve.

“Já se pode sentir embora longe, os reflexos de uma revolução biológica, que vai se agigantando a cada momento que passa. A vida esta se modificando. A luz da transformação vem de todos os espaços, vem do infinito, onde máquinas e homens jamais conseguirão registrar ou ver, vem também do interior do próprio homem, onde Raio X de ciência alguma poderá revelar.”
(B.J.Aroldo)

Acredito que o texto acima, retirado da capa interna do LP, seja suficiente para evidenciar o quão estava adiantada a mentalidade dos integrantes dessa fantástica banda. As excelentes letras, os primorosos arranjos e o flagrante virtuosismo dos músicos, são uma constante em todo o LP.
Lamentavelmente, provavelmente por pressão da gravadora (Som Livre) e a nova formação da banda, o Casa das Maquinas não deu continuidade à linha progressiva, dando maior ênfase ao Rock.

Texto: Mercenário

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Kyrie Eleison - Fountain Beyond The Sunrise

2009-09-06T16:08:00.003-03:00

Kyrie Eleison é uma expressão grega que significa “senhor, tende misericórdia de mim”.
Formada em 1974 por três amigos de escola: Gerald Krampl (teclados), Felix Rausch (guitarras) e Karl Novotny (bateria) juntamente com Wolfgang Wessely (vocal) e Gerhard Frank (baixo) iniciaram a estrutura musical do Kyrie Eleison. Somente um ano depois, com a saída do guitarrista, do baixista e do vocalista e o ingresso dos músicos Manfred Drapela, Norbert Morin e Michael Schubert é que começaram a efetivamente excursionar pela Áustria, nascendo em 1976, o projeto de lançar um primeiro LP que somente se concretizaria em janeiro de 1977. Nesse ano abriram muitos concertos com bandas já renomadas como Van der Graaf, Amon Düül, Eela Craig, Colosseum. Mas infelizmente, o álbum não decolou, vendendo pouco mais de mil cópias, resultando em 1978 no abandono da carreira musical por parte de Karl Novotny and Manfred Drapela, não tardando, em que pesasse os esforços de Gerald no definitivo encerramento do Kyrie Eleison.
É uma excelente banda austríaca, onde logo de cara percebe-se uma evidente semelhança estilística com o Genesis. Na verdade, essa obra, em particular, faz lembrar os primeiros trabalhos (Nursey Crime, Foxtrot e até mesmo o Trespass).
Trata-se de Rock progressivo de primeira linha, não cabendo em hipótese alguma, questionar a originalidade e competência da banda em razão da evidente influencia do Genesis.
Kyrie Eleison mescla com maestria suaves e melódicas passagens de piano, órgão e Mellotron com um som mais encorpado e pesado. Muito embora exista uma nítida condução da linha melódica pelos teclados por parte do Gerald Krampl, a maturidade musical da banda torna-se evidente, na exemplar e perfeita harmonia e sincronia entre a condução do teclado, e as performances da guitarra, baixo, batera e vocais.
Os vocais do Michael Schubert (é isso, no plural mesmo), são uma experiência ímpar e digna de nota. Suaves, elegantes e teatrais como Peter Gabriel, mas em algumas passagens visceral e angustiante como Peter Hammil (Van der Graaf).
Enfim, é uma obra que não pode faltar no acervo de quem aprecia um bom Progressivo.

Músicos:
Manfred Drapela - Acoustic & Electric Guitars, Backing Vocals
Gerald Krampl - Keyboards, Synthesizers, Mellotron, Backing Vocals
Norbert Morin - Bass, Bass Pedals, Acoustic Guitar
Karl Novotny - Drums, Percussion, Backing Vocals
Michael Schubert - Lead Vocals, Percussion

Texto: Mercenário

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Novidades no Câmara de Eco.

2009-09-06T14:53:00.008-03:00

Todos os campos de atuação requerem mudanças e melhorias, com o objetivo de alcançarmos e também oferecermos melhores resultados e qualidade.
Isso não é diferente em nossas vidas pessoais ou no trabalho de um simples blog musical: temos sempre que buscar o aperfeiçoamento, ainda que isso exija abdicarmos de algumas coisas para colhermos no futuro melhores resultados.
Você pode observar que as postagens no Câmara estão escassas ultimamente e isso não é sinônimo de relaxo. Pelo contrário, estou com o tempo minimizado para trabalhar no blog, pois me orgulho em dizer que ingressei na Fatec, mesmo depois de quase 15 anos fora de uma sala de aula, e estou me dedicando profundamente aos estudos, pois assim espero poder aperfeiçoar meu intelecto e me tornar um ser humano melhor.
Algumas coisas na vida são muito interessantes: justamente agora, no momento mais difícil do blog, conheci uma pessoa de altíssimo nível musical e intectual que se propôs em colaborar com o Câmara.
Ele prefere permanecer no anonimato, assinando os textos como “Mercenário”, e suas opiniões e características se enquadram perfeitamente no modelo proposto pelo Câmara.
Pois bem, esse é o momento certo para o blog dar um passo à frente e de hoje em diante o Câmara não será mais conhecido por ser o “blog do Lucon” apenas, mas sim do Lucon e Mercenário.
Vamos trabalhar juntos para oferecermos mais música, mais informações e muito mais troca de idéias e opiniões para que você, sempre amiga e amigo do Câmara, possa desfrutar de algum tempo de lazer e diversão frente ao computador.
Mercenário, seja bem vindo ao Câmara de Eco, lugar onde você, acima de tudo, irá conhecer e interagir com pessoas fantásticas e fará grandes amigos!

Eis a biografia do Mercenário:

Nasci no Rio de Janeiro (antiga cidade maravilhosa). Passei parte da minha infância e adolescência, em Ipanema, surfando de Longbord (uma Health Ways - Australiana de 3,5 metros e 20 Kg de peso) e ouvindo Rock.
Interessei-me pelo Hard Rock aos 12 anos atraído pela trilha sonora dos filmes de surf, que geralmente consistia-se em Robin Trower, Hendrix, Cream, Mountain e por aí vai.
Mas foi através da arte gráfica das capas dos LPs, em especial a arte do Roger Deam, que conheci o Progressivo. Ao ver a capa do Tales From Topographic Ocean do Yes, enlouqueci. Juntei grana e comprei minha primeira versão desse clássico do Progressivo. Começava então, minha paixão pelo progressivo. Daí pra frente, não escutei mais nada que não fosse Progressivo, Rock e Blues.
Não demorou muito descobri uma rádio em FM (não existiam muitas estações naquela época), mas essa rádio, só divulgava o tipo de música que eu gostava. Essa rádio chamava-se Eldo-Pop. Dedicava-se exclusivamente a divulgar Progressivo, Eletrônico, Rock e Blues. Essa rádio, cuja produção musical estava sob a responsabilidade do saudoso Big Boy, foi a minha e de toda uma geração, a grande orientadora musical naquela época. Tocava de tudo, mas não se preocupava em divulgar o nome das bandas. Executava músicas do Mike Oldfield, Yes, Banco, PFM, Mahavishnu, Pell Mell, Gentle Giant, Genesis, Focus, dentre muitos outros, que até hoje não sei o nome e a origem. Decorridos mais de 30 anos do término da Eldo-Pop, seus ouvintes ainda buscam e trocam informações sobre aquelas bandas não identificadas.
Em razão da minha profunda admiração pelo pioneirismo da Eldo-Pop, dedico todas as minhas contribuições musicais publicadas nesse Projeto, aos produtores musicais, aos colaboradores e a todos aqueles que colaboraram de alguma forma para a divulgação da boa música no Rio de Janeiro. Sem a iniciativa e o esforço pessoal de cada um daqueles que participaram da Eldo-Pop, toda uma geração contando com mais de 40 anos e seus descendentes, estaria hoje, ouvindo o lixo auditivo, de consumo imediato imposto pelas gravadoras e protegido por leis absurdas e protecionistas a MPB, que em nada contribuem ou favorecem aos verdadeiros e bons músicos brasileiros.
Bom, era isso aí. Sinto-me honrado em poder contribuir com o Projeto do Lucon (que gentilmente aceitou-me como colaborador) e espero que minhas modestas colaborações no Câmara de Eco, sejam do agrado de todos.

Pax, Harmonia et Sapientia.

Um AbraçO!

Mercenário
06/09/2009

Da Capo - Da Capo

2009-08-15T01:10:00.003-03:00

Da Capo é uma banda alemã obscura do começo dos anos 70, com uma trajetória meteórica: gravaram seu único LP homônimo em 1970 em um pequeno estúdio, utilizando apenas dois canais para tal.
Sem recursos para divulgar o trabalho, venderem algumas cópias do LP em seus shows e mais um outro tanto em pequenas feiras de Nürnberg.
Mediante o fracasso comercial e abalados pelo desânimo, jogaram o resto da tiragem dos LP’s em um contêiner e colocaram um ponto final na curta carreira do grupo.
Apesar da época e dos poucos recursos financeiros, até que a qualidade de gravação ficou boa e, musicalmente falando, o disco é bem razoável, não há nenhuma novidade no som do quarteto formado por Peter Stanek (guitarra e vocais), Peter Treiber (guitarra), Peter Weisner (baixo) e Alfred Urban (bateria), mas os rapazes fizeram a lição de casa direitinho, lembrando vagamente em alguns momentos o som do Andromeda.
Destaque para She’s Leaving e A Day In The Rest Of My Life, de longe as melhores do disco.
Texto baseado no blog Orexis Of Death.

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The Greatest Show On Earth - The Going's Easy

2009-08-15T00:01:00.005-03:00

Formado em meados de 1968 na Inglaterra pelo guitarrista Garth Watt-Roy e seu irmão, o baixista Norman Watt-Roy, o Greatest Show On The Earth contou no começo de sua carreira com um vocalista de New Orleans, Ozzie Lane, sendo substituído posteriormente por Colin Horton-Jennings.
A turma era completada por Mike Deacon (teclados), Ron Prudence (bateria) e um duo de sopros e metais, Dick Hanson e Tex Phillpotts.
Apesar do péssimo nome e aparentemente pretensioso, o Greatest Show On The Earth fazia uma excelente mistura de jazz, blues e progressivo, principalmente em seu segundo álbum, The Going's Easy, lançado em 1970.
Quem conhece o som do If vai se deliciar também com o Greatest..., afinal de contas a tônica do álbum se deve aos sopros muito bem encaixados, aos vocais de Colin Horton-Jennings e aos arranjos envolventes e bem elaborados, como na deliciosa Love Magnet, ou em Magic Woman Touch e Borderline.
Infelizmente a banda não vingou e logo em 1972 encerrou as atividades, deixando esse excelente Going's Easy para apreciarmos como se degusta um bom vinho.

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Graphite - Chestnut Loke

2009-08-13T20:48:00.003-03:00

Muito legal esse Chestnut Loke, álbum que trás um apanhado de músicas registradas pelos ingleses do Graphite entre 1970 e 1974, período de atividade do grupo.
Durante esses anos tocaram ao lado do pessoal do Pink Floyd, Roxy Music e Queen, lançando apenas dois singles em sua breve história.
Somente em 1996 o selo Audio Archives colocou no mercado todos os registros da banda em um único CD, fazendo jus a história do grupo e não deixando passar em branco sua existência.
Era formado por Chris Gore (teclados), Dave Hook (guitarra), Keith Allen (vocais), John Jackman (baixo), Peter Dry (bateria), Dave Anderson (baixo) e Billy Rankin (bateria) – esses dois últimos apenas na faixa Freedom.
Melancólico, lisérgico e com algumas passagens de Mellotron, o Graphite tinha em seu som todo o aproach de uma banda do primeiro ou segundo escalão daquela primeira metade dos anos 70, mas que, por algum motivo de força maior o qual desconheço, não conseguiu decolar e até mesmo registrar pelo menos um álbum na íntegra.
Ainda bem que vasculhando os mais longínquos pontos da mãe internet acabamos por encontrar coisas desse nível e/ou raridade.
Aproveite bem esse material e viaje legal com Autumn, A Dragon’s Tale, Tide, She's Gona Way, Out In The Rain e outras mais que mantêm o pique diferentão do play.

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Home - Home

2009-08-13T19:54:00.005-03:00

Home é o segundo álbum da banda americana de mesmo nome, lançado em 1972.
Formado pelo quarteto Mick Cook (bateria), Mick Stubbs (guitarras, teclados e vocais), Cliff Williams (baixo) e Laurie Wisefield (guitarras), que apresenta um belíssimo álbum recheado de canções light e muito agradáveis, longe da pista rock que tanto assolou o começo da década de 70.
Com pitadas de folk, country e alguns arranjos um tanto sofisticados aqui e acolá, Home, o álbum, é uma boa pedida para um jantar entre familiares e amigos, ou mesmo para ser ouvido no momento de descanso e sossego.
A primeira música Dreamer não representa necessariamente o clima do disco, que se desenrola em canções instigantes como Fancy Lady,Hollywood Child, Rise Up e a bela Baby Friend Of Mine, sempre acompanhadas pela guitarra onipresente de Wisefield.
Vale destacar também a última música, My Lady Of The Birds, com seus nove minutos de pura viajem sonora.
Detalhe: o baixista aí, Cliff Williams, integrou posteriormente uma banda chamada AC/DC, alguém conhece?!

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John Paul Jones - Zooma

2009-08-08T12:19:00.003-03:00

O John Paul Jones é aquele tipo de sujeito “come quieto”. Figura relativamente discreta no Led Zeppelin, porém competente e versátil como poucos.
Ouvindo atentamente as músicas da banda é possível observar claramente o quão genial esse cara foi naqueles tempos. E olhe que não era tarefa nada fácil fazer a cama para a guitarra mágica de Jimmy Page e levar a cozinha ao lado de um monstro sagrado da bateria que um dia atendeu pelo nome John Bonham.
Mas, enfim, o Led encerrou as atividades e John Paul Jones foi o integrante que menos “fez barulho” no cenário musical posteriormente, embora tenha colaborado com inúmeras bandas e projetos durante esse tempo.
Em 1999 Jones resolveu lançar seu primeiro trabalho solo, o álbum Zooma, pelo selo de Robert Fripp, o DGM.
Zooma é um trabalho impressionante, detalhista e expressivo. Apresenta toda a versatilidade já conhecida de Jones, e um pouco mais.
Nosso baixista cercou-se de excelentes músicos para confeccionar a bolachinha: Pete Thomas e Denny Fongheiser (bateria), Trey Gunn (guitarra e Warr Guitar) e Paul Leary (guitarra).
Atual, poderoso e melódico, Jones passeia entre o baixo, mandolim, double-neck e teclados em pérolas como Goose, Zooma, Tidal e a excelente Snake Eyes, com seu arranjo de orquestra e belíssimo solo de teclado por conta do anfitrião.

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Frijid Pink - Earth Omen

2009-08-08T11:40:00.005-03:00

Hardão americano vindo de Detroit, Michigan, formado em 1967. No começo de carreira tiveram relativo sucesso com a versão em single para House Of The Rising Sun, do Animals.
Estrearam em LP em 1970 com o álbum homônimo e após algumas mudanças de formação lançaram seu último trabalho em 1975.
Earth Omen é seu terceiro trabalho, lançado em 1972. Em minha opinião, o melhor do grupo.
A formação desse disco foi Jon Wearing (vocais), Richard Stevers (bateria), Tom Harris (baixo) e Craig Webb (guitarra), contando com o músico adicional, o tecladista Larry Zelanka.
O Frijid Pink fazia um rock and roll com certo peso e envolvente, certamente deve agradar aos fãs de rock and roll setentista, como podemos comprovar nas ótimas New Horizon e Rainbow Rider.
Há de se destacar o excelente vocalista Jon Wearing, cujo timbre lembra um pouco o de Bobby Tench, aquele do excelente álbum Jeff Beck Group lançado em 72.
Quer ouvir um bom Hammond? Então aumente o volume nas faixas Mr. Blood e na primeira, Miss Evil. Camarada, que timbre! É de arrepiar!

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V/A - Progfest 1995

2009-08-08T03:52:00.004-03:00

Há quase 15 anos tive uma das experiências musicais mais marcantes de minha vida, decisiva e fundamental para a expansão de minhas idéias e predileção pelo rock progressivo: fui morar em São Paulo para estagiar na White Martins e nesse período não perdia um programa do Sérgio Avellar na Brasil 2000 FM, A Hora Do Dinossauro.
Ouvia bandas até então desconhecidas para mim, gravava o programa em fitas K7 e anotava os nomes na agenda (do jeito que entendia), e na semana seguinte corria até a Galeria do Rock para comprar alguma coisa com a miséria que recebia como estagiário.
Foi uma época legal, vendia aos camelôs da Júlio Prestes o que sobrava do vale transporte para completar a grana que faltava para comprar o CD... ainda sobravam uns trocados para o Marlboro e tomar uma Coca-Cola na Galeria.
O tempo passou e hoje, através do blog, recebo relatos de pessoas com histórias e situações parecidas, e vejo que no fim das contas o que resta de bom são as memórias e experiências engraçadas em torno de nossas buscas por música.
Esse CD aqui postado eu nunca comprei, mas lembro-me de ouvir todas essas bandas no programa do Sérgio e fico pensando como hoje em dia é relativamente fácil ter acesso a esses trabalhos, ainda que no formato MP3.
Como bem diz o título, esse Progfest '95 traz os melhores momentos do Progfest de 1995, com as bandas Solaris, Ars Nova, Spock’s Beard, Landberk, White Willow e meus heróis do Deus Ex Machina.
Boa pedida para ouví-las mandando bala ao vivo em um dos festivais mais importantes do gênero.

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John Wetton - Agenda

2009-08-08T00:08:00.004-03:00

John Wetton é um sujeito mais rodado que pneu de Brasília, tocou baixo e cantou em inúmeras bandas de expressão como Family, King Crimson, Uriah Heep, U.K., Asia, entre inúmeros projetos e participações especiais em trabalhos de outros músicos.
Sua passagem pelo Crimson entre 1972 e 74 talvez seja a mais marcante em sua carreira, em uma época que a banda se destacava no cenário musical por seus improvisos furiosos e por sua sonoridade à frente de seu tempo.
Mas não parou por aí. Em 1978 integrou o U.K., uma das últimas formações de respeito do cenário progressivo da década de 70, e teve ótimo desempenho no pop-rock-bem-feito do Asia, durante a década de 80.
Em 1998 apareceu no excelente disco ao vivo Tokyo Tapes, do guitarrista Steve Hackett e em 2003 lançou Agenda, excelente trabalho gravado ao vivo na Polônia com sua banda solo: Steve Christey (bateria), John Mitchell (guitarra) e Martin Orford (teclados).
Agenda é um excelente compêndio das melhores fases de sua história, em versões emocionantes e competentes de Easy Money, Red e Starless, do Crimson, In The Dead Of Night e Randezvous 6:02, do U.K., entre várias outras tão legais quanto.
Esse cara é mais um de minha lista para quem tiro o chapéu sem pensar duas vezes: há alguns anos passou por sérios problemas causados pelo alcoolismo, conseguiu se reabilitar e está aí vivo e presente, trazendo alegria para seus fãs.

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Air Jazz Quartet - A Jazz Tribute To Deep Purple

2009-08-07T23:00:00.003-03:00

Belíssima e surpreendente releitura jazzística para alguns clássicos do Deep Purple, a cargo dos franceses do Air Jazz Quartet, formado por Philippe Ballot (bateria), François Barisaux (piano), Alain Gaillet (baixo) e Philippe Miraille (sax tenor & soprano).
Lançado em 1995, o material desse álbum se concentra nos grandes clássicos do Purple gravados entre 1968 e 1974, como Hush, Strange Kind Of Woman e Burn, em deliciosas versões na concepção do jazz, portanto não espere versões fiéis às originais.
E está aí o grande barato do disco. Particularmente, aprecio tanto os tributos que trazem versões fiéis, quanto aqueles que saem da partitura.
Os do segundo caso são os mais audaciosos e dinâmicos, pois os músicos que se propõem em fazer sua própria versão são muito machos em dar a cara a tapa, afinal de contas o resultado pode ser brilhante ou desastroso, e esse Jazz Tribute To Deep Purple é cool e genial.

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Medeski Martin & Wood - Radiolarians II

2009-08-01T12:29:00.003-03:00

Definitivamente, a música do MMW está no lado esquerdo de meu peito. É incrível a ascensão sonora desses caras.
No começo primavam pelo groove de suas composições e agora chegam a maturidade com o lançamento da Radiolarians Series, em especial o Radiolarians II, lançado em 30 de setembro do ano passado, mesmo mês em que visitaram nosso país com apresentações impressionantes.
Essa caminhada de mudanças passou por Combustication (1998), Uninvisible (2002) e Out Louder (2006), até chegar à trilogia Radiolarians, expressão máxima, até agora, do trio.
Sua formulação é calcada em improvisos e experimentalismos desenvolvidos ao vivo e registrados em estúdio, ou seja, é a música in natura, na ordem composição, tour, gravação e tour.
Muito mais que jazz avant-garde, o MMW exibe o acúmulo de experiências sonoras em quase vinte anos de carreira, presenteando seus fãs com o máximo de seu empenho e performance para a criação de um novo apontamento musical ainda em desenvolvimento.
O álbum abre com a porrada Flat Tires onde Chris Wood repete sem cansaço um riff de baixo simples, porém poderoso, enquanto a banda improvisa sobre o tema.
Riffin' Ed e Amish Pinxtos relembram o passado recente do grupo, com muito groove e melodia apenas “relativamente” simples, pois nada é simples para esses três super músicos.
Belíssimo trabalho do trio. Música para a mente e para a alma.

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Screaming Lord Sutch And Heavy Friends - Hands Of Jack The Ripper

2009-08-01T11:34:00.004-03:00

Vamos “rockar e rolar” em pleno sabadão, e para isso nada melhor que um dos clássicos dos anos 70 a cargo de Lord Sutch, ou Screaming Lord Sutch.
Já havia postado por aqui outro álbum intitulado Lord Sutch And Heavy Friends, clássico absoluto lançado em 1970 e que contou com uma constelação para seu feitio.
A bola da vez é Hands Of Jack The Ripper (1972), gravado ao vivo no Carshalton Park Rock 'n' Roll Festival e que contou com as participações ilustres de Ritchie Blackmore (guitarra), Nick Simper e Noel Reding (baixo), Keith Moon e Carlo Little (bateria), e Matthew Fisher (teclados).
O disco é recheado de overdubs e colagens como gritos, barulhos de passos e outras coisinhas insanas, mas isso não tira o pique de “disco ao vivo”.
Assim como escrevi em outra postagem, Lord Sutch era mesmo um rico lord britânico e pagava o cachê de seus ilustres amigos que embarcavam em suas loucuras musicais.
Além disso, fundou em 1983 o partido político Official Monster Raving Loony Party e pleiteou por inúmeras vezes a prefeitura de Londres, sem êxito. Enforcou-se em 16 de junho de 1999.
Hands Of Jack The Ripper é um album de rock ‘n’ roll nu e cru, sem frescuras ou viadagens. É fruto da loucura de um sujeito cheio de grana que só queria se divertir com os amigos tocando o rock ‘n’ roll.
A vida de Lord Sutch é uma das páginas mais bizarras da história do rock ‘n’ roll e esse cara tem, no mínimo, meu profundo respeito e admiração.

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Michael Giles - Progress

2009-07-30T20:44:00.005-03:00

O baterista e vocalista Michael Giles foi um dos co-fundadores do King Crimson e com a banda gravou o álbum In The Court Of The Crimson King (1969), além de In The Wake Of Poseidon (1970).
Participou do embrião do Crimson ao lado de seu irmão, o baixista Peter Giles, e do guitarrista Robert Fripp, denominado simplesmente Giles, Giles and Fripp, com quem gravou um álbum em 1968 chamado The Cheerful Insanity Of Giles, Giles And Fripp.
Após sua colaboração com o Crimson, juntou-se a outro ex-companheiro de banda, o tecladista, flautista e vocalista Ian McDonald e a seu irmão, Peter, gravando o excelente álbum McDonald & Giles ainda em 1970.
Durante a década de 70 tocou com inúmeros músicos e em 1978 registrou um novo trabalho solo chamado Progress, que só veio à luz em 2002 graças ao selo Voiceprint.
Não vou dizer que o disco é fundamental ou genial, mas é muito honesto e bem feito.
Além disso, podemos ouvir na faixa título a luz do talento de Michael Giles e mesmo anos depois fora do Crimson observarmos e compreendermos a importância de sua participação na construção da música da banda em seus primeiros passos, principalmente em In The Court..., com certeza um dos trabalhos mais importantes do rock progressivo, disco esse que apresenta por si só alguns dos conceitos fundamentais do estilo.
Michael não ganhou fortunas de dinheiro e tão pouco fama mundial, mas é reconhecido entre os fãs por sua excelência e destreza.
E diga-se de passagem, envelheceu muito bem. Assista ao DVD da 21st Century Schizoid Band e comprove.

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Mr. Sirius - Dirge

2009-07-30T19:43:00.004-03:00

Quem acessa o Câmara pela primeira vez pode até pensar que sou pretensioso demais ou que sou muito “camarada” nas postagens, por quase sempre valorizar demais os álbuns aqui postados.
É de minha natureza não depreciar aquilo que não gosto, pois, o que pode não ser bom para mim poderá ser esplêndido para outro, e isso é gosto pessoal, uma característica das pessoas que respeito muito.
Feita a observação, então posso escrever sem culpa: eis aqui mais uma paulada do Câmara de Eco, dessa vez uma banda japonesa de rock progressivo de arrepiar!
O Mr. Sirius é formado por Chihiro Fujioka (bateria), Shigekazu Kamaki (guitarra), Kazuhiro Miyatake (teclados, violão e flauta), Hidehiko Muraoka (baixo) e Lisa Ohki, dona de um timbre vocal simplesmente belíssimo e poderoso.
Dirge foi lançado em 1990 e contou com a participação da Music Island Orchestra, comandada por Hiroshi Takayama, resultando em um trabalho homogêneo e de beleza singular.
É claro que não é só a presença da orquestra que enaltece as músicas do disco, a banda surpreende com arranjos complexos, intrincados e com várias mudanças de clima ao longo das canções.
Disco bom é assim, já começa mostrando a que veio, como é o caso de música de abertura, a instrumental “pipoqueira” Fanfare - Legal Dance.
Mas é Lisa Ohki quem rouba a cena em meio aos fantásticos músicos do Mr. Sirius, então ouça sua performance brilhante e emocionante em Love Incomplete.
Para não perder a fama de autêntica banda progressiva, não podia faltar uma ótima suite de mais de vinte minutos, que atende pelo título The Nile For A While. Sonzeiraaaaaaaa!!
Meus amigos e amigas, hoje meus olhos estão voltados para a terra do sol nascente e meus ouvidos ligados no som do Mr. Sirius. Vale a pena.

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The Allman Brothers Band - The Fox Box - Instant Live - Atlanta, GA 24,25 & 26-09-2004 (9 CD's Box Set)

2009-07-29T19:39:00.006-03:00

Se é para chutar o pau da barraca, então que seja com uma box caprichadíssima do Allman Brothers, com sua Instant Live - The Fox Box.
Originalmente lançada em 2004, Fox Box apresenta nada mais e nada menos que três shows completíssimos nos dias 24, 25 e 26 de setembro de 2004, no Fox Theater, em Atlanta, distribuídos em 9 CD’s.
Se você adora o som dos caras e não conhecia essa box, então corra e baixe logo pois foi um saco encontrar esse precioso material na net.
Logo de cara, no primeiro disco, os caras mandam bala em Mountain Jam e, em seguida, Trouble No More, além da belíssima Ain't Wastin' Time No More.
O legal desse material é que poucas músicas são repetidas nos shows, ou seja, cada noite teve um set list diferente e olhe, é difícil escolher a melhor apresentação dos Brothers.
Por exemplo: na segunda noite a banda arrebenta em Les Brers in A Minor, Statesboro Blues e Dreams, enquanto na terceira podemos destacar a sempre exuberante In Memory of Elizabeth Reed, Whipping Post, Stormy Monday e Don't Keep Me Wonderin'.
A banda contava com Gregg Allman (vocais e teclados), Warren Haynes (guitarra), Oteil Burbridge (baixo), Marc Quiñones (bateria), Butch Trucks (bateria), Derek Trucks (guitarra) e Jack Pearson (guitarra), além da participação especial de Susan Tedeschi (guitarra e vocais) e Vaylor Trucks (guitarra) em duas músicas do segundo set.

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New Trolls - Atomic System

2009-07-25T20:56:00.005-03:00

Progressivaço italiano de primeiríssima qualidade! Intrincado, complexo e melódico, tudo ao mesmo tempo agora.
Se você faz parte da turma careta que pensa que rock progressivo é coisa de velho, então passe longe dessa postagem.
Aliás, passe longe desse blog pois aqui é a casa de quem curte música por música, e não de gente que segue modismos ou tendências de gosto duvidoso.
A primeira vez que ouvi o som do New Trolls tive que apertar stop no Winamp e voltar a primeira música com o volume do amplificador no talo.
Ponte que partiu, que sonzeira!! Os caras mandam bala logo de cara em La Nuova Predica Di Padre O'Brien numa quebradeira violenta, nem saquei se é em 7/4 ou 9/4, mas isso pouco importa. O que importa mesmo é que há um solo de flauta de arrepiar e a banda vai quebrando junto em uma harmonia de piano, sintetizadores e a batera violenta de Tullio De Piscopo descendo a lenha.
Na verdade, o New Trolls Atomic System é uma vertente do New Trolls, conceituada banda de rock progressivo italiana.
Capitaneada por Vittorio De Scalzi (guitarra, flauta, teclados e vocais) e completada por Giorgio Baiocco (sax e flauta), Renato Rosset (teclados), Giorgio D'Adamo (baixo) e Tullio De Piscopo (bateria), lançaram N.T. Atomic System em 1973 e seguiram seu caminho com vários outros trabalhos até meados de 1976, reunindo-se para uma turnê em 2002 como Il Mito dei New Troll.

Fecho esta ouvindo a excelente Ibernazione e digo: meu Deus, como o mundo progressivo é formidável!

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Carl Palmer Band - Live In Europe

2009-07-25T19:53:00.009-03:00

Carl Palmer é um dos maiores bateras da história do rock and roll, entre inúmeros outros grandes nomes.
Aliás, ao lado de Neil Peart, é um dos maiores expoentes do rock progressivo ainda em (plena) atividade.
Se o Emerson Lake & Palmer aguarda a recuperação de seu tecladista Keith Emerson para uma provável reunião, Carl Palmer vai tocando com sua banda, a Carl Palmer Band, e mantém em evidência o nome e o legado desse grande baterista.
Pautado nas músicas do ELP, esse Live In Europe (2004) foi lançado em DVD e apresenta uma grande novidade: não há a presença de teclados.
Portanto, se você é guitarrista e curte as músicas do ELP prepare-se para ouvir esse play e ter toda a transcrição dos teclados para guitarra, pois o dono das seis cordas, o excelente Paul Bielatowicz, fez todo o trabalho!
Além disso, o trio é completado pelo baixista Dave Marks. Que me perdoe meu sempre querido e ídolo Greg Lake, mas esse tal de Dave Marks o coloca no bolso.
O resultado final é impressionante e audacioso. Não é tarefa das mais fáceis tocar ELP sem a presença marcante dos teclados, suprida pela genialidade e competência desses dois sujeitos responsáveis pelas cordas.
Ouça com muita atenção e viaje nos novos arranjos que antes eram tão familiares aos sons de órgãos, sintetizadores e orquestra.
E Carl Palmer? Caramba, nem é preciso escrever que ele está tocando como nunca, como se tivesse com seus vinte anos.

Obs.: esse arquivo de áudio foi extraído do DVD.

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Cactus - Restrictions

2009-07-25T19:27:00.004-03:00

Não é a primeira vez que escrevo sobre uma das mais importantes cozinhas da história do rock: o baixista Tim Bogert e o batera Carmine Appice.
Desde os tempos de Vanilla Fudge essa dupla destrói nos quesitos competência, entrosamento e feeling, portanto não podemos esquecer que além de Jones & Bonham, Glover & Paice e Butler & Ward também há Bogert & Appice, uma dupla que acumula muito mais anos de rock and roll do que eu e você temos somado nosso tempo de bebedeira.
Aliás, o que esse Restrictions (1971) tem de punch rock and roll não é brincadeira.
Inundado de riffs ganchudos, batera precisa e vocais rasgados por parte de Rusty Day, esse terceiro álbum do grupo é um convite para pouco mais de meia hora de diversão e uma boa meia dúzia de cerva bem gelada.
O guitarrista Jim McCarty segura a onda com seus riffs e solos saídos de uma fornalha, além dos timbres já característicos daquela época, e isso pode ser conferido nas porradas Bag Drag, Sweet Sixteen e Evil.
Mas nem só de porrada vive o mundo rock and roll, então sossegue o facho com Alaska e Token Chokin'.
É meu chapa, segura a onda porque o Cactus não é para amadores e a noite de sábado só está começando, então tome um Engov com Neosaldina para atravessar a madrugada rock and roll.

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Anderson Bruford Wakeman & Howe - Brother Of Mine EP

2009-07-25T18:48:00.003-03:00

Se o ABWH não é lá um dos projetos mais geniais da turma do Yes, pelo menos serviu de base para uma grande tour de 74 shows em cerca de oito meses entre 1989 e 1990.
Como bom fã de Yes que sou, particularmente adoro esse trabalho dos caras, mesmo com alguns escorregões pop e/ou world music, mas até nessa praia a banda se sai bem, a exemplo de algumas músicas de The Ladder, lançado em 1999 e Open Your Eyes, de 1997.
Lembro-me como se fosse hoje quando a rede Bandeirantes de TV apresentou o famoso show do ABWH gravado no Shoreline Amphitheatre em 1989, facilmente encontrado hoje em dia em DVD.
Naquela época eu era adolescente e já curtia a banda, e duas imagens ficaram gravadas em minha memória: o mestre Steve Howe tocando novamente com seus antigos amigos e Jon Anderson, com todo seu carisma e simpatia, entrando no anfiteatro no meio do público, acenando e cumprimentando as pessoas enquanto cantava Time And A Word.
Brother Of Mine foi lançado no formato EP promocional em 1989 contendo cinco músicas, dentre elas uma inédita, Vultures In The City, e duas versões alternativas de algumas músicas do álbum.
Por questões legais o ABWH não pode usar o nome Yes, mas esse fato foi benéfico para o grupo, pois logo depois houve a reunião da banda com base no material lançado no péssimo Union (1991) e assim conseguiram colocar o Yes nos trilhos novamente com os trabalhos posteriores.
O mundo dá voltas e mais voltas e o Yes sempre conseguiu se superar. Sorte nossa.

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Edgar Broughton Band - Edgar Broughton Band

2009-07-25T15:37:00.005-03:00

Simplesmente fantástico! Assim posso definir de maneira clara e objetiva o terceiro trabalho homônimo da Edgar Broughton Band, lançado em 1971.
Em minha opinião, o melhor do grupo britânico formado por Edgar Broughton (vocais e guitarra), Arthur Grant (baixo), Steve Broughton (bateria) e Victor Unitt (guitarra e teclados).
A primeira parte do play tem várias músicas com influências folk e country, como as ótimas Poppy e The Birth, mostrando toda a versatilidade dessa incrível banda, mas a cobra começa a fumar mesmo a partir da quinta música, Don't Even Know What Day It Is.
House Of Turnabout tem um swing delicioso a cargo do baixo de Arthur Grant, e a guitarra de Victor Unitt disparando vários acordes.
Getting Hard into What Is A Woman For? tem em sua segunda parte um belíssimo blues e o álbum fecha com a viajante For Doctor Spock, acompanhada por uma seção de cordas.

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Cravinkel - Garden Of Loneliness

2009-07-24T19:55:00.003-03:00

Quero pedir desculpas a você amiga e amigo, fiéis escudeiros do Câmara de Eco, por minha ausência nas últimas semanas.
Planejei uma série de postagens para esse semestre, mas terei que fazer esse trabalho de maneira bem mais lenta do que havia planejado, pois alguns fatores pessoais me impedirão. Então, não percamos tempo!
O Cravinkel foi um quarteto alemão de rock progressivo dos mais legais, autênticos e crus que já ouvi.
O som dos caras é inovador para os padrões da época, pois, apesar da enxurrada de lançamentos geniais daquele período, a banda conseguiu criar seu próprio estilo, sem seguir fórmulas pré estabelecidas.
É por isso que Garden Of Loneliness, segundo álbum da banda lançado em 1971, não pode passar desapercebido por aqui.
Liderados pelo guitarrista Gerd Krawinkel, o time era completado por Rolf Kaiser (baixo e vocais), George Haupt (bateria) e Klaus Meier (guitarra e vocais).
Garden Of Loneliness apresenta apenas três músicas, mas a última, intitulada Stoned, é uma suite cadenciada de pouco mais de 20 minutos de duração e resume bem a proposta experimentalista e crua do grupo, com incursões acústicas de matar a pau.
Pode não ser o melhor álbum do mundo, mas só pela raridade e empenho dos músicos em imprimir seu próprio estilo já vale uma boa audição.
Dica: procure também por Cravinkel, primeiro e ótimo álbum dos caras lançado em 1970.

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Um Monstro Chamado Gabriel Terra de Araujo.

2009-07-02T00:33:00.007-03:00

Já a algum tempo estou preparando um espaço aqui no Câmara para divulgar Ongs, Blogs ou qualquer meio que esteja relacionado ao trato e cuidado de animais, principalmente cães e gatos abandonados.

Não pretendo transformar o blog, que é musical, em um blog animal, mas me sinto na obrigação de abrir um espaço na coluna ao lado direito com os links dessas associações ou pessoas que dedicam grande parte de suas vidas para cuidar e proteger aqueles que consideramos muitas vezes nossos grandes amigos, e até mesmo membros de nossas famílias.

Posso estar enganado, mas acredito que da mesma forma que o público em geral tem a sensibilidade de apreciar boa música e escolher o que é bom e de qualidade para suas vidas, tem o mesmo sentimento para com os bichos, ou seja, a sensibilidade que nos direcionam para a música é a mesma que temos em amar os bichos, e assim vivermos de bem com a vida e alcançarmos a verdadeira paz de espírito, sem fazermos o mal a ninguém.

Não é papo bicho-grilo, mas é uma postura que adotei em minha vida e até hoje vem dando certo.

Infelizmente acabei de ver uma notícia no IG que mais uma vez me fez sentir vergonha de ser da raça humana, condição que não nos faz diferente de nenhuma outra raça animal a não ser pelo fato de possuirmos inteligência, raciocínio e a inexplicável atitude de matarmos outro ser vivo apenas por "prazer".

Um garoto ou adolescente que atende pelo nome Gabriel Terra de Araujo matou a pauladas um cachorro e colocou o vídeo no YouTube, em uma atitude covarde, desumana e inaceitável, como se isso fosse bem aceito por todos na rede.

Sinceramente, há muito tempo não acredito mais em justiça, pois, se não há justiça e punição para aqueles que matam pessoas, o que diremos daqueles que matam animais indefesos?

Li alguns comentários de internautas desejando os piores tipos de morte para esse sujeito.

Não desejo nada para esse lixo humano, apenas tenho um recado para os pais desse monstro: se fosse meu filho, além de dar uma surra nele que o deixaria sem poder sentar durante uma semana, sentiria vergonha pelo resto da vida de ser pai de um lixo humano como esse.

Tenho 6 gatos e 2 cachorras em casa, todos tirados da rua por circunstâncias diferentes. São bem tratados, castrados, vacinados e muito amados por mim e por minha esposa.

Esse gato aí da foto acima é o Fulgêncio, o mais velho da casa. Está internado, recuperando-se de uma cirurgia complicada na bexiga após grave problema de saúde.

Se houvesse compatibilidade, doaria um rim meu se algum bicho de casa precisasse para se manter vivo, mas não doaria para esse monstro chamado Gabriel Terra de Araujo.

Em breve, voltarei com o Câmara com novas postagens sobre música e assuntos mais alegres e animadores, mas essa notícia não pude deixar passar em branco.

É triste, lamentável e, por mais que tente entender o ocorrido, não vejo um sinal de sanidade e possibilidade de convívio social com esse monstro.

Se ele espancou até a morte um cachorro, o que poderá fazer quando estiver com uma criança de 4 ou 5 anos de idade?

Analogy - Analogy

2009-06-11T19:30:00.005-03:00

Tão pirado quanto a capa do disco ou a foto de divulgação logo acima é o som do Analogy.
Formado pelos peladões Jutta Taylor-Nienhaus (vocais), Martin Thurn-Mithoff (guitarra), Nicola Pankoff (teclados), Wolfgang Schoene (baixo) e Hans Jürgen Nienhaus (bateria), o Analogy era composto por músicos alemães (com exceção do tecladista italiano Nicola Pankoff) estabelecidos no norte da Itália, país onde desenvolveu seus trabalhos.
Lançaram seu único álbum homônimo em 72 e tinham certa popularidade por lá apenas, e também na Suíça.
Depois de mais de 300 apresentações nos dois países, o grupo se separou por volta de 1974.
Sua sonoridade não é exatamente progressiva, mas há uma presença significativa dos teclados e um certo grau de desenvolvimento das canções, algumas delas pautadas até em base blues.
Bem interessante é o timbre e tom de voz da lourinha Jutta Taylor-Nienhaus, fazendo contraponto à sonoridade nada revolucionária (mesmo para a época) do grupo, apresentando mesmo assim momentos muito legais como em Indian Meditation, Weeping May Endure, a ótima Analogy e o blusão Pan-Am Flight.

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Back Against The Wall - A Tribute To Pink Floyd

2009-06-06T18:22:00.006-03:00

Amiga e amigo do Câmara: peço que não ignore essa postagem por se tratar de mais um tributo. Sei perfeitamente que as regravações geralmente não superam as originais, mas vamos observar da seguinte forma: The Wall (1979) não é a obra máxima do Pink Floyd, pelo menos em minha opinião, pois sou louco por Animals (1977), mas acho fascinante ouvir músicos das novas gerações se unirem aqueles da "velha guarda" para homenagearem determinada banda.
Quero deixar bem claro aqui que músico, para mim, é como vinho. Pra ser bem sincero, acredito que as pessoas quanto mais "velhas", mais interessantes são - não é à toa que minha "turma" é basicamente composta por pessoas além de minha idade.
Gente como David Gilmour no alto de seus sessenta e tralalá anos me fascina tanto quanto o Gilmour do vídeo de Pompeii. Espero que um dia tenha a sorte e privilégio de ver meu corpo envelhecer.
Back Against The Wall é um barato! Os músicos aqui reunidos fizeram a lição de casa e a execução é primorosa. É claro que a tecnologia atual substitui os arranjos originais de orquestra e tal, mas ainda assim é emocionante poder ouvir The Wall sob a perspectiva daqueles que tanto amamos: Chris Squire e Alan White em Comfortably Numb, Glenn Hughes em Young Lust, Rick Wakeman em Nobody Home e Steve Howe em Vera simplesmente emocionam!
Olhe só: existe sim respeito e admiração por parte de nossos heróis, apesar da provável grana boa que receberam para tal. Quem sabe, um dia, nosso querido Gilmour não embarque numa dessas, não é mesmo?
Só para constar: Billy Sherwood, ex-Yes ou ex-colaborador do Yes, foi quem arquitetou a coisa toda e contou também com a colaboração de Steve Porcaro, Tony Levin, Adrian Belew, Keith Emerson, entre outros.
Vale a pena conferir.

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Parte 1 / Parte 2

Novidades no Câmara de Eco.

2009-06-04T22:57:00.004-03:00

Chegamos ao meio do ano de 2009 com a crise econômica em nossos quintais, mas com muita esperança de boas mudanças, garra e muito trabalho, características marcantes de nós cidadãos brasileiros.

Mesmo passando por inúmeras dificuldades e contratempos, colocamos a busca pela excelência como principal meta, seja em nossas vidas pessoais, seja no hobby de manter um blog sempre atualizado e trazendo novidades.

É por essa ótica que o Câmara de Eco se prepara para o segundo semestre do ano, com planejamento, improvisos e muita pesquisa sobre música em geral.

Algumas mudanças já começaram, como algumas entrevistas com bandas underground e com pessoas que fazem coisas muito legais em prol da música.

Quero maior interação com outros canais para que você possa acessar aqui melhor conteúdo e informações fundamentais sobre música.

Além disso, nos próximos meses teremos um Câmara mais progressivo, mais hard, mais blues, mais rock 'n' roll, mais jazz e mais folk. E isso não é muita pretensão, pelo contrário, é bem viável mesmo que fazendo todo o trabalho sozinho, como é o meu caso.

Muito trabalho de pesquisa já começou: vamos ampliar os horizontes e apresentar inúmeras bandas de progressivo de várias partes do planeta e de épocas diferentes; teremos mais trabalhos de blues, um estilo importantíssimo que ficou em segundo plano nos últimos meses por aqui e vou corrigir essa ausência significativa. Por fim, o trabalho em busca pelas bandas de hard e rock 'n' roll que se perderam pelo tempo e espaço está mais acirrado e inúmeras sonzeiras já estão no forno.

Quero agradecer imensamente por seu prestígio, participação e confiança no trabalho que faço no Câmara. Os amigos e contatos que fiz através do blog é minha maior recompensa e os números me surpreendem a cada dia, pois em 18 meses de trabalhos foram:

· 281 postagens;

· mais de 13 mil downloads via Rapidshare;

· mais de 24GB disponível para download.

Sem contar que nos últimos 5 meses foram mais de 30 mil acessos por IP, ou seja, um pouco mais de 200 acessos diários.

Conto com sua participação por aqui e se prepare para a nova leva de postagens que virá por aí!

Abraços.

Ricardo Lucon

Ibis - Ibis

2009-05-30T22:12:00.011-03:00

O Ibis é uma boa banda italiana de rock progressivo, com influências do hard britânico e pautado nos teclados de Maurizio Salvi e na voz aguda de Nico Di Palo, que também comandava as seis cordas.

O time que gravou Ibis, terceiro e último álbum do grupo lançado em 1975, era completado por Frank Laugelli (baixo), Renzo Tortora (guitarra) e Pasquale Venditto (bateria).

Apesar de ser considerado seu melhor trabalho, o grupo se desfez ainda em 75 e Nico Di Palo, juntamente com Gianni Belleno, batera da primeira formação do Ibis, retornaram à sua antiga banda, o New Trolls.

Não é um trabalho por excelência, mas ainda assim é bem interessante, tem seus momentos de genialidade como em Strada e Keep On Movin', por exemplo. Na verdade, sou um tanto suspeito para esse tipo de indicação pois não sou lá muito fã da perna italiana do rock progressivo, ainda prefiro as do Reino Unido e algumas da Alemanha, mas isso é apenas gosto pessoal, não é nenhuma crítica que tire o mérito da músicália daquele país.

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Indian Summer - Indian Summer

2009-05-30T21:39:00.003-03:00

Outra pérola perdida no tempo e no espaço: Indian Summer.

Quarteto britânico formado em 1969 por Malcolm Harker (baixo), Paul Hooper (bateria), Bob Jackson (teclados) e Colin Williams (guitarra e vocais).

A referência mais importante da banda é que seu manager, Jim Simpson, também trabalhou com o Black Sabbath no começo de carreira.

O único álbum auto-intitulado do Indian Summer só foi lançado em 1971 e apresenta variações muito interessantes, como a intimista Secrets Reflected e a complexidade legal de From The Film Of The Same Name.

Outras músicas também valem a audição desse prazeroso trabalho, como Emotions Of Men, Glimpse e Half Changed Again.

Essa é mais uma banda com grande potencial que bateu na trave e foi pra escanteio, infelizmente.

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The Way We Live - A Candle For Judith

2009-05-30T20:52:00.005-03:00

Eita mundo velho sem porteira! Quanto mais vasculho as raridades dos anos 60 e 70, mais nojo tenho dessas figurinhas atuais que se denominam "músicos em busca de novas sonoridades" e que, no fim das contas, só fazem mesmo produto para a massa consumir.

Graças à Deus o passado musical do planeta é glorioso e inúmeras bandas registraram seus trabalhos porque realmente estavam descobrindo e explorando as novas possibilidades musicais em prol da própria evolução humana.

Chega de ladainha. O Way We Live é uma banda inglesa formada pelo duo Steve Clayton e o multinstrumentista Jim Milne, cuja sonoridade flerta com o rock progressivo, o folk e a música indiana, resultando no belíssimo A Candle For Judith, único trabalho do grupo lançado em 1971.

Sem sucesso comercial, o grupo mudou o nome para Tractor e se arrastou até 1977, lançando alguns singles sem nenhuma repercussão.

A história da música tem dessas: músicos e bandas que fizeram álbuns geniais e que não tiveram o reconhecimento de público e crítica e acabaram em nada.

Nada entre aspas, deixaram algumas coisas registradas para que fossem apreciadas por nós.

Isso explica um pouco, o porque deixei de ser fã de bandas e passei a me tornar um fã de discos, de trabalhos isolados.

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Satin Whale - Desert Places

2009-05-30T20:05:00.014-03:00

Progressivaço alemão, sem frescuras, nem viadagem. Formado por Thomas Brück (baixo e vocais), Gerard Dellmann (teclados), Dieter Roesberg (guitarra, sax, flauta e vocais) e Horst Schöffgen (bateria), lançou seu debut, Desert Places, em 1974 e se manteve bem ativo, produzindo vários discos e fazendo shows até 1981, ano em que a banda saiu de cena.

Desert Places apresenta a banda com uma sonoridade muito atraente, técnica e emocionante, sem aquelas viajens "cabeça" que não terminam em nada e que nem sabemos dizer a que veio.

Esse quarteto manda bala no progressivo objetivo e cativante, com destaque especial para o muitinstrumentista Dieter Roesberg que rouba a cena com solos e bases de guitarra muito bem feitos e com sacadas geniais, além do belo trabalho de Gerard Dellmann que mata a pau em um duelo entre o Hammond e a guitarra de Roesberg na música I Often Wondered. Imperdível!!

Esse é um dos trabalhos de progressivo alemão mais britânico que já ouvi. A última música, Perception, é uma loucura total!! Roesberg e Dellmann mais uma vez protagonizam um duelo fantástico em uma base jazz/blues. Se visse esses caras fazendo isso em um bar, morreria de coma alcoólico. Ouça logo e com o volume no máximo!

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Objetividade e solidez no som do Panaceah.

2009-05-29T20:20:00.007-03:00

Os cariocas do Panaceah lançaram seu primeiro trabalho demo, Spiral Of Time, em 2005. De fato, o disco ficou tão bacana que é até difícil encará-lo como uma demo, tamanha qualidade das músicas em sua produção e gravação.

A banda apresenta um mix bem equilibrado entre o metal, AOR e o progressivo, mas não se apega a rótulos, afinal de contas o que importa mesmo é ouvir e apreciar o som produzido pelo grupo.

Portanto, deve agradar aos amantes do metal e também do progressivo, por sua técnica, execução e qualidade individual de cada integrante.

Atualmente o Panaceah é formado por Frank Donatto e Julio Cebali (guitarras), Rodrigo Dussak (baixo), Américo Mortágua (bateria), Marcos Larbos (vocais) e Raphael Hefisto (teclados).

Em um bate-papo legal, o excelente baixista Rodrigo Dussak nos conta um pouco sobre as diretrizes da banda, sua formação e os próximos passos do grupo.

Além disso, cedeu Spiral Of Time para que os amigos do Câmara possam curtir o som do grupo.

1. Alguns integrantes do Panaceah tiveram passagens por outras bandas bem conhecidas no urderground. Até que ponto essa experiência influenciou o som do grupo?

Acredito que a mais redundante seja do nosso vocalista Marcus Larbos, tendo gravado um CD com a banda de progressivo Cactus Peyotes, algum tempo atrás. Na verdade esse foi o início do Panaceah pois tanto o Marcus Larbos quanto o Daniel Lamas (guitar do Cactus Peyotes e guitarrista/tecladista no Spiral of Time), tinham vontade de fazer algo um pouco mais comercial, com toques de AOR, sem deixar de lado a origem do progressivo e alguns toques de rock mais pesado. A pouco tempo também tivemos a entrada do nosso novo baterista, Américo Mortágua (Expanse, Purgatory, Mustang, Usina Le Blond, Nemesis e Dorsal Atlantica), e vem tocando em vários projetos de diversos estilos diferentes, o que só tem a agregar qualidade ao som do Panaceah.

2. Como encontrar o equilíbrio desejável entre o peso do metal e a influência do progressivo sem reproduzir a mesma fórmula de muitas outras bandas atuais?

Principamente por não nos enxergarmos como uma banda de prog metal e sim uma banda de progressivo, com várias influências de estilos que podem variar desde rock/pop até clássico, new age, world music, etc. É claro que isso pode e vai variar de trabalho para trabalho. Por exempo: nosso próximo álbum virá com mais influências de música pesada e isso reflete principalmente a formação que estamos no momento e o que acreditamos ser a forma de nos expressarmos através da múscia, mas com toda certeza para um próximo trabalho, vamos trazer algo diferente de Spiral of Time e o segundo que estamos em fase de composição, pois nossa intenção é de sempre fazer um trabalho diferente do outro, mantendo a essência da banda.

3. O Panaceah se destaca entre as bandas do eixo prog metal pois apresenta um belo trabalho de harmonia, principalmente a cargo das guitarras. O público os vê como uma banda de rock progressivo com peso ou uma banda de metal com fortes influências progressivas?

Primeiramente obrigado pelo elogio! Para lhe dizer a verdade, queremos que nossa música seja considerada somente pela sua qualidade, não por algum tipo de análise sobre que tipo de música ela é ou que tipo de rótulo você colocará nela. Gostamos de pensar que o público nos vê como uma banda de Rock e você pode escutar e viajar através de vários estilos como o progressivo, o hard, o metal o pop... Múscia na minha opinião é estado de espírito e queremos passar isso através da nossa música. Se você estiver com raiva, poderá escutar algo como Seven Mirrors ou Tuareg, se você estiver numa linha mais calma, Treasures and Tales, se tiver afim de ouvir algo mais técnico, Fiat Lux, algo mais anos 80, New Messiah e por aí vai...

4. Daniel Lamas faz um trabalho primoroso na banda, usando inúmeros timbres vintage. Aliás, há um solo de teclado incrível em Spiritual Alchemy, lembrando até os bons tempos de Tony Carey no Rainbow. Como você vê e assimila a importância desses teclados no som do grupo?

Mais uma vez obrigado! O trabalho do Daniel é, na minha opinião, espetacular! Ele consegue trazer todo aquele feeling dos 70' e 80', mas com uma técnica absurda e com um bom gosto incrível na timbragem dos seus teclados nas gravações do CD. Estamos muito felizes por ter alguém de tanto talento em um disco nosso. Acredito que a importância dos teclados no Panaceah esteja no mesmo patamar das guitarras, vocais, e etc, pois essa é uma parte do estilo da banda e também o que nos diferencia das demais do estilo, pois, como dito anterirmente, nosso teclado está muito calçado nos anos 70' e 80' e isso faz com que seu som seja tão peculiar e percebido no disco.

5. O que o público pode esperar do próximo trabalho? Você poderia nos dar alguma prévia do direcionamento musical?

Já temos 8 músicas prontas: Ride Serpent Rise, Sortilege, Mantis Prayer, Siberian Train, Anathema, Invisible Chains, Caterpillar In Transe e Dead Woman Dance. Estamos em um direcionamento mais pesado, mais dark, principalmente pela formação de hoje. Estamos com duas guitarras e isso colabora para uma temática mais pesada e uma harmonia mais densa, porém sem deixar de lado os teclados que tanto caracterizam nosso som. Outra grande mudança foi de como estamos compondo: no primeiro CD todas as múscias eram do Marcus e do Daniel. Para esse trabalho, o processo ficou mais centralizado entre o Marcus e eu devido a constante mudança dos integrantes, o que fez com que a nova formação implementasse várias boas idéias nas músicas já prontas. Para o próximo trabalho, com certeza a formação de hoje fará a composição de uma forma mais homogênea, mas sempre quando existe mudança no processo de composição, o som tende a mudar um pouco. É natural.

6. Quero agradecer imensamente sua atenção e dizer, sem exageros, que é uma honra e gratificante ver uma banda como Panaceah com um trabalho muito bem calcado e desenvolvido aqui no Brasil. Esse espaço é para suas considerações finais.
Obrigado a você pelo espaço e espero que todos que acessem ao site gostem de nossa música!

Para obter maiores informações sobre o Panaceah, acessem o My Space da banda ou o Orkut: Comunidade panaceah.

Links: Panaceah ao vivo no Fullmetal

Download Spiral Of Time

Magna Carta, a mãe do progressivo na América e seus tributos.

2009-05-25T18:37:00.008-03:00

Vimos na década de 90 uma espécie de renascimento do rock progressivo e também do rock em geral. Depois de uma década horrorosa que foi os anos 80, houve então o ressurgimento de muitas vertentes musicais até então em hibernação.
De fato, muitos músicos e bandas não deixaram de existir naquele período dos 80’s mas o mercado estava em baixa e faltava espaço e interesse da media por eles.
Era mais lucrativo e rentável divulgar o novo trabalho do B52’s do que mostrar o que Greg Lake & cia. andavam fazendo, por exemplo.
Foi no começo dos anos 90 que o rock progressivo tomou novo fôlego, com uma explosão de novas bandas e a reunião daquelas que andavam sumidas, claro que sem o mesmo mainstream dos 70’s, mas com muita propriedade e muitas vezes, honestidade.
Foi nesse contexto que surgiu o selo independente Magna Carta em 1989, criado por Peter Morticelli e Mike Varney.
Ainda na primeira metade dos anos 90 o cast da gravadora era de fazer inveja a qualquer major. Gente como Simon Phillips, James La Brie, Terry Bozzio, Robert Berry e Tony Levin estavam lado a lado com bandas emergentes como Magellan, Shadow Gallery, Enchant, Tempest e Royal Hunt.
Atualmente parece-me que o selo já não conta com o mesmo peso do passado recente, mas mantém disponível para venda todos os trabalhos por ela lançados.
Além de lançar os álbuns periódicos de seu cast também foi responsável por uma idéia no mínimo interessante: uma série de tributos às bandas de rock progressivo.
Muitos detestam os tributos, outros adoram. Particularmente eu adoro. É claro que muitos deles tem seus altos e baixos e sabemos que dificilmente os covers serão tão legais quanto as versões originais, mas vejo nos tributos uma espécie de portal para novas bandas e, no mais, é muito interessante ouvir alguns de nossos ídolos regravando músicas de outras bandas afinal de contas esses tributos também contam com músicos de peso.
Por exemplo, Steve Morse (Deep Purple) faz uma fiel e belíssima versão de Mood For A Day, do Yes. Glenn Hughes, Mick Abrahams, Clive Bunker e Glenn Cornick arrebentam em To Cry You A Song, do Jethro Tull e Annie Haslam emociona em Ripples, do Genesis.
Cada tributo tem uma peculiaridade, um detalhe que chama a atenção do ouvinte. O do Pink Floyd, por exemplo, é o único que apresenta um disco na íntegra, obviamente The Dark Side Of The Moon, tocado de forma bem fiel, com poucas mudanças em relação ao original.
Interessante é que o King Crimson e Gentle Giant não foram homenageados, infelizmente.
Esses trabalhos fazem parte de meu acervo pessoal e como contém muitas informações, fiz questão de scanear todos os encartes, as contra-capas das bandejas e até os discos, coisa que dificilmente faço aqui no blog devido a falta de tempo e também o fato de muitos arquivos eu só possuir em mptréco mesmo.
Espero que você curta esses tributos e, quem sabe, descubra através deles uma ou outra banda bem interessante. Foi assim que em 1995 me tornei fã incondicional do Cairo, depois de ouví-los no tributo ao Yes.

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Tales From Yesterday - Yes Tribute

Working Man - Rush Tribute

Encores, Legends & Paradox - ELP Tribute

To Cry You A Song - Jethro Tull Tribute

The Moon Revisited - Pink Floyd Tribute

Supper's Ready - Genesis Tribute

Diagonal - Diagonal

2009-05-24T18:42:00.008-03:00

Sinceramente, desde que comecei a ouvir e entender música aos 13 anos, em 1989, não via uma banda inglesa de rock progressivo que me chamasse tanta atenção e, acima de tudo, que estimulasse meus sentidos e tocasse profundamente meu coração.
Teclando no MSN com meu amigo Rodrigo Ferreira, disse-me que viu um clip desses caras na horrenda MTV, em um programa noturno, e me indicou a audição do grupo.
Por incrível que pareça, encontrei no eMule o único álbum dos caras, homônimo, lançado ano passado.
O complexo septeto é formado pelos multinstrumentistas David Wileman (guitarra, percussão e teclados), Nicholas Whittaker (saxofone, flauta e teclados), Alex Crispin (teclados e vocais), Daniel Pomlett (baixo, guitarra), Nicholas Richards (guitarra), Ross Hossack (teclados e percussão) e Luke Foster (bateria e teclados).
Arranjos intrincados, forte influência do jazz e uma massa de teclados, sintetizadores, metais e sopros que levam a seguinte pergunta: será mesmo uma banda atual?
Progressivo latente até a última instância, sem precedentes. Até parece que a ilha da rainha parou no tempo e de lá saiu uma banda que até então só competia com Gentle Giant, King Crimson e If.
Só a primeira faixa (sim, faixa, porque o Diagonal também prensou esse trabalho em LP) ouvi umas seis vezes seguidas. Anote aí o título da pérola: Semi-Permeble Men-Brain.
O álbum se desenvolve e passamos por outras maravilhas como Child Of The Thundercloth, com seus acordes dissonantes de guitarra, até chegarmos a última música, Pact, uma pequena suite de 14 minutos com um belo trabalho de bateria a cargo de Luke Foster.
O Reino Unido, berço do rock progressivo, nos devia há muito tempo um trabalho digno de respeito.
Baixe agora o Diagonal e jogue na cara dos idiotas que ainda insistem em dizer que "rock progressivo é música jurássica".
Sim, somos jurássicos, gostamos de música feita e tocada por seres humanos e não a apreciamos por modismos ou tendências, mas sim pelo valor que possui.
E valores não se perdem com o tempo.

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A revista Guitar Lick para os amantes de bons equipamentos e instrumentos musicais.

2009-05-24T17:06:00.006-03:00

Levar a cabo um blog não é simplesmente postar um disco e ver o que acontece. Na verdade, um blog é uma excelente ferramenta para levarmos informação adiante e divulgar aquilo que muitas pessoas fazem de legal e interessante dentro da música.
Mas, de nada adiantaria ter esse endereço na internet se elas não produzissem seus trabalhos, ou seja, o Câmara de Eco não seria absolutamente nada se não tivesse algo interessante para divulgar, correto?
Um dos sujeitos mais batalhadores, prestativos e profundo conhecedor de música que conheço é meu grande amigo e padrinho de casamento Rodrigo Ferreira.
Rodrigo é guitarrista, compositor e designer, mora em Mococa/SP e recentemente colocou em prática um de seus projetos mais complexo e audaz: uma revista impressa sobre instrumentos e equipamentos feitos à mão, como também os lançamentos das grandes marcas nacionais.
A revista Guitar Lick apresenta um caminhão de informações para aqueles que tocam algum instrumento e coloca na prateleira a produção de muita gente que fabrica e desenvolve pedais de efeito, instrumentos e amplificadores.
Muito mais que uma revista impressa, a Guitar Lick fecha o cerco em torno das novidades do mercado e se apresenta como opção de leitura e conhecimento para aqueles que gostam de ficar por dentro da produção nacional.
Para comprar a revista, envie e-mail para guitarlick@guitarlick.com.br ou acesse o blog da revista, o Guitar Log, e veja uma prévia da abordagem e conteúdo da revista impressa.
Parabéns ao Rodrigo, por sua iniciativa e compreensão de que, mesmo em tempos de crise econômica, é importante que criemos canais para que os fabricantes de instrumentos e músicos possam divulgar suas marcas e trabalhos, fazendo com que o mercado musical em nosso país não perca fôlego e os leitores encontrem inúmeras opções antes de finalizar a compra de um novo equipo.

Release por Rodrigo Ferreira:
"A GUITAR LICK tem por objetivo informar e educar, sendo destinado aos que compõe esta classe que cresce a cada dia que como a exemplo dos editores desta publicação, foram contaminados pelo vírus GUITARRICUS FATALICS. A GL tem como foco apresentar ao leitor um universo paralelo dos equipamentos hand made bem como o que as grandes marcas nacionais tem trazido de novidade ao mercado, contará também com seções didáticas, com dicas e truques para os amantes das 6 cordas".

Meu Mundo Progressivo...

2009-05-24T16:13:00.006-03:00

Essa é uma postagem para descontrairmos.

Indique, de acordo com sua opinião e gosto pessoal, quais são os três melhores ou mais importantes discos de rock progressivo de todos os tempos.

Explique brevemente o porque cada um deles merece sua atenção e carinho especial.

Os três discos mais votados terão uma postagem especial aqui no Câmara no dia 26 de julho e será acompanhada pela análise e opinião de pelo menos três pessoas que fizeram as indicações, por isso, é importante que o texto seja assinado.

Faça seu comentário em "Comentários" até o dia 23 de julho.

Vamos eleger os três grandes clássicos do progressivo, de acordo com a opinião daqueles que acompanham o Câmara de Eco.

Jimi Hendrix - Maui, Hawaii 30-07-1970

2009-05-20T18:49:00.008-03:00

Tudo novo: banda nova, nome novo e músicas novas. Foi assim que Hendrix adentrou 1970, com muito gás e vontade de tocar.
Ele tinha muitas idéias e inúmeros projetos para o futuro próximo, como dizem relatos de pessoas muito próximas a ele. Reza a lenda até que estaria planejando algumas jams e possivelmente um álbum em parceria com Miles Davis (o que não seria algo impossível).
Sua nova banda era a Band Of Gypsys, ou “Gypsys”, como gostava de chamá-la às vezes. Foi a primeira vez que Hendrix teve uma formação totalmente afro descendente. E que formação! Billy Cox no baixo e Buddy Miles na batera, que ainda fazia alguns vocais de arrepiar.
Confesso que sou fã de tudo do Hendrix, mas tenho um carinho especial pela Band Of Gypsys. Para mim não é melhor e nem pior que o Experience, mas ela tem um acento funky do qual gosto muito e isso não fez com que ele perdesse sua fúria e selvageria ao tocar guitarra, era apenas mais um elemento em sua música.
Em Maui poderemos curtir suas novas músicas, como as matadoras Ezy Rider, Dolly Dagger, Straight Ahead, Beginnings e uma de minhas preferidas, Freedom.
Pronto, as pedras foram lançadas e Hendrix preparava seu próximo álbum, possivelmente um LP duplo.
Material muito bom não faltava, como podemos ouvir no bootleg Maui e também em discos oficiais como Band of Gypsys (1970) e Live At The Fillmore East (1999).

Esse álbum inacabado veio à luz com o lançamento de The First Rays Of The New Rising Sun, em 1997.
Tudo apontava para um novo direcionamento musical, mas Hendrix sempre foi muito imprevisível e surpreendia os fãs com um lançamento melhor que o outro.
Infelizmente não houve tempo para concluir o quarto trabalho, pois faleceu ainda em 70, em 18 de setembro, deixando uma eterna lacuna no mundo da música e uma pergunta que muitos ainda fazem: o que teria feito nos anos seguintes se estivesse vivo?
Uma coisa é fato: o que fez musicalmente e artisticamente em quatro anos foi o suficiente para mudar drasticamente o conceito musical dos anos seguintes e sua obra, técnica, visão e atitude influenciou e ainda influencia os milhares de músicos espalhados pelo mundo, ainda hoje.
Termina aqui essa pequena série de postagens dedicadas àquele que fez a coisa acontecer quase sem querer.
Valeu Jimi, você é nosso legítimo guitar hero e sua música permanecerá para sempre no lado esquerdo do peito.

Tracklist:

01 Spanish Castle Magic

02 Dolly Dagger

03 Villanova Junction Blues

04 Ezy Rider

05 Freedom

06 Beginnings

07 Straight Ahead

08 Hey Baby ~ Midnight Lightning

09 Race With The Devil ~ Drum Solo

10 Stone Free

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Jimi Hendrix - The Last Experience - Royal Albert Hall, London 24-02-1969

2009-05-19T18:44:00.009-03:00

Agora Hendrix desfrutava do sucesso de seus três LP's e sua música alcançava os quatro cantos do planeta, angariando milhares de fãs em uma época em que a informação custava para chegar aos mais longínquos lugares. Diferentemente de muitos outros músicos que faleceram na mesma época, Hendrix ganhou status de super músico e deus da guitarra ainda em vida.

E não foi por acaso, sua música e método nada ortodoxo de se apresentar foi o estopim de uma geração que dia após dia derrubava os muros pré-conceituais da cultura, moral e político daqueles tempos. O mundo estava em constante transformação e Hendrix fez parte dessas mudanças globais com a música que unia num mesmo lugar brancos, negros, pobres e ricos. Todos queriam vê-lo tocar, todos queriam estar próximos da lenda e sentir o poder de sua música.

Estranhamente, sua apresentação no Royal Albert Hall em Londres, em 24 de fevereiro de 69 quase nada apresentou do material contido em Electric Ladyland, lançado em setembro de 68 nos EUA. Pode ser que não o tenha feito pelo fato do concerto ter sido filmado e não quis se arriscar em um material novo para o público. Ainda assim, não sei precisar o motivo.

O fato é que esse foi outro show explosivo do trio, que ainda contava com Noel Reding (baixo) e Mitch Mitchell (bateria). A banda estava afiadíssima e esse registro apresenta uma das versões mais furiosas (talvez a melhor) de Purple Haze.

Existem várias versões em bootleg desse show, alguns simples, outros duplos, porém, é o triplo The Last Experience que trás o show completíssimo, inclusive com a gravação da passagem de som, algo um tanto raro para os bootlegs em geral.

Aqui estão versões incríveis para Stone Free, Room Full Of Mirrors (música gravada em estúdio em novembro de 69 e que só saiu oficialmente em First Rays Of The New Rising Sun, em 1997) e I Don't Live Today, uma música de Are You Experienced (1967) pouco encontrada nos bootlegs. Matadora!

Tracklist:
CD 1
01 Introduction / Tune-up
02 Lover Man
03 Stone Free
04 Getting My Heart Back Together
05 I Don't Live Today
06 Red House
07 Foxy Lady
08 Sunshine Of Your Love
09 Bleeding Heart

CD 2

01 Fire

02 Little Wing

03 Voodoo Child (Slight Return)

04 Room Full Of Mirrors

05 Annoncement / Tune-up

06 Purple Haze

07 Wild Thing

08 Star Spangled Banner / Purple Haze

09 Bleeding Heart (Editado)

10 Room Full Of Mirrors (Editado)

11 Hey Joe

12 Hound Dog #1 (Instrumental)

13 Hound Dog #2

14 Hound Dog #3 (Instrumental)

15 Voodoo Chile (Slight Return)

16 Getting My Heart Back Together

CD 3

01 Tax Free
02 Fire
03 Getting My Heart Back Together
04 Foxy Lady
05 Red House
06 Sunshine Of Your Love
07 Spanish Castle Magic
08 Star Spangeld Banner / Purple Haze
09 Voodoo Child (Slight Return)

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Jimi Hendrix - The Complete Winterland Reels 1968 (6 CD's Box Set)

2009-05-17T11:24:00.011-03:00

Aqui começa uma nova fase para Hendrix, tanto no direcionamento musical como também de muitas mudanças.
Em Winterland a banda ainda é o Experience, mas ao logo do ano de 1968 muita coisa aconteceu na carreira do guitarrista, como a gravação turbulenta de Electric Ladyland que culminou na saída temporária do baixista Noel Reding, o abuso de álcool e drogas e a quantidade excessiva de shows, um dos fatores que, acredito eu, possa ter debilitado sua saúde mental.
Ou seja, Hendrix e a banda ficariam cansados devido à loucura da agenda de shows, com viagens de norte a sul sem planejamento adequado.
Um bom exemplo dessa maratona mal planejada por seus managers está justamente em The Complete Winterland Reels 1968. O Experience fez seis apresentações em apenas três dias!
É claro que isso no começo não desgasta o músico, mas imagine você viajando a trabalho para todos os lados do país e sem férias, durante quatro anos, e ainda por cima enchendo a cara nas horas vagas? Uma hora o corpo não aguenta, não é mesmo? Foi mais ou menos isso o que aconteceu com ele.
Bem, Winterland era uma antiga pista da patinação no gelo situada em São Francisco, Califórnia, e foi adaptada para realização de shows. O trio fez três dias de shows simplesmente infernais e apresentando muitas novidades ao público.
Algumas músicas que foram tocadas nessas apresentações foram gravadas em estúdio e só foram lançadas oficialmente na década de 90. Por exemplo, Lover Man era o título provisório de Here He Comes (Lover Man), gravada em outubro, e a jam Tax Free foi gravada em janeiro. Ambas as versões saíram em South Saturn Delta (1997).
Voodoo Child (Slight Return) saiu em Electric Ladyland, mas já era tocada ao vivo há um bom tempo.
Além dessas novidades no setlist, Hendrix contou com algumas participações muito especiais: em um dos shows Virgil Gonsales tocou flauta em Are You Experienced?, Jack Casady, baixista do Jefferson Airplane, tocou duas músicas em outro e num terceiro contou com o tecladista Herbie Rich em cinco músicas.
Aqui você poderá também conferir versões arrasadoras de Like A Rolling Stone, Sunshine Of Your Love, Manic Depression, Hey Joe e Spanish Castle Magic.
A gravação desse bootleg é perfeita porém, a gravação do primeiro show do dia 11 foi interrompida e completada com algumas músicas registradas na platéia. Fora isso, essa box é completíssima e capta nosso guitarrista inspiradíssimo.

Tracklist:

10/10/1968 - 1º Show

01. Intro

02. Are You Experienced?

03. Voodoo Child (Slight Return)

04. Red House

05. Foxy Lady

06. Like A Rolling Stone

07. Star Spangled Banner

08. Purple Haze / Outside Woman Blues

10/10/1968 - 2º Show

01. Intro

02. Tax Free

03. Lover Man

04. Sunshine Of Your Love

05. Hear My Train A Comin'

06. Killing Floor (com Jack Casady no baixo)

07. Hey Joe (com Jack Casady no baixo)

08. Star Spangled Banner

09. Purple Haze

11/10/198 1º Show

01. Intro

02. Are You Experienced? (com Virgil Gonsales na flauta)

03. Voodoo Child (Slight Return)

04. Red House

05. Foxy Lady

06. Star Spangled Banner

07. Purple Haze

11/10/1968 2º Show

01. Intro

02. Tax Free

03. Spanish Castle Magic

04. Like A Rolling Stone (com Herbie Rich no teclado)

05. Lover Man (com Herbie Rich no teclado)

06. Hey Joe (com Herbie Rich no teclado)

07. Fire (com Herbie Rich no teclado)

08. Foxy Lady (com Herbie Rich no teclado)

09. Purple Haze

12/10/1968 1º Show

01. Intro

02. Fire

03. Lover Man

04. Like A Rolling Stone

05. Foxy Lady

06. Blown Amp Blues (Noel Redding & Mitch Mitchell Jam)

07. Tax Free

08. Hey Joe

09. Purple Haze

10. Wild Thing

12/10/1968 2º Show

01. Intro

02. Foxy Lady

03. Manic Depression

04. Sunshine Of Your Love

05. Little Wing

06. Spanish Castle Magic

07. Red House

08. Voodoo Child (Slight Return)

09. Star Spangled Banner

10. Purple Haze

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Jimi Hendrix - Olympia, Paris, France 29-01-1968

2009-05-16T17:13:00.006-03:00

O ano era 1968, final de janeiro, mais precisamente dia 29 e o Jimi Hendrix Experience se apresentava no Olympia em Paris (uma antiga sala de concertos onde dezenas de bandas legais tocaram), quase dois meses depois de lançar seu segundo álbum, Axis: Bold As Love.

Apesar do recente lançamento, o repertório da noite foi baseado nas músicas do primeiro álbum e algumas outras até então só tocadas ao vivo como Killing Floor (cover de Howlin' Wolf), Catfish Blues (um mix de duas músicas de Muddy Waters, Rollin’ Stone e Still A Fool) e Drivin' Soul, de Curtis Knight, cujo título correto é Driving South.

Pra quem não se lembra, Hendrix foi guitarrista na banda de Knight antes de formar o Experience e ser descoberto por Chas Chandler.

De Axis: Bold As Love a única presente é Little Wing. Uma pena, pois o álbum é formidável, mas veremos mais músicas desse disco nos próximos bootlegs.

Em Olympia, Hendrix se mostra muito descontraído, interagindo com o público e como sempre, arrebentando com sua banda nesse show formidável.

Interessante é a reação do público que aplaude bastante em The Wind Cries Mary, levando-se em consideração que ela só saiu na Inglaterra como single. Somente a versão americana e canadense de Axis: Bold As Love continha essa faixa e mesmo assim foi um dos primeiros sucessos de Hendrix na Inglaterra.

Em Little Wing, uma das mais belas canções de Hendrix ao lado de Have You Ever Been (To Electric Ladyland), nosso herói esbanja feeling e técnica, tirando mais aplausos da platéia.

E a qualidade de gravação desse boot? Impecável.

Tracklist:

1. Killing Floor

2. Catfish Blues

3. Foxy Lady

4. Red House

5. Drivin Soul (correto: Driving South)

6. The Wind Cries Mary

7. Fire

8. Little Wing

9. Purple Haze

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Jimi Hendrix - The Legendary Star-Club Tapes - Funkhaus, Germany 18-03-1967

2009-05-15T20:41:00.008-03:00

Os únicos pesares desse registro são a duração curta (cerca de 19 minutos) e o fato da qualidade de gravação ser apenas boa. Levando-se em consideração de que se trata de um registro de 1967 proveniente de transmissão de rádio, essa perda sonora acaba sendo irrelevante e nada atrapalha a apreciação da apresentação.

O Star-Club existiu em um antigo cinema em Hamburgo, na Alemanha, entre os anos de 1962 e 1969, onde apresentaram inúmeras bandas e músicos, principalmente os ingleses (era uma espécie de obrigação naquela época as bandas inglesas adentrarem o território alemão).

Os shows eram transmitidos pela rádio britânica BFBS, situada ao norte da Irlanda, e tinham como apresentador Chris Howland em seu programa Saturday Club. Em algumas ocasiões, até oito bandas se apresentaram em uma única noite, inclusive os Beatles passou por lá, no início de sua carreira.

Jimi Hendrix Experience se apresentou no dia 18 de março de 67, quase dois meses antes do lançamento de seu primeiro álbum Are You Experienced, portanto o repertório é pautado nas canções desse álbum.

O registro capta fielmente a fúria e poder de fogo do maior power trio da história do rock, em uma apresentação quase selvagem onde o baterista Mitch Mitchell toca tudo e mais um pouco, Noel Reding se vira para fazer a cama para Hendrix desfilar seus riffs e solos envenenados.

Quem não curte Hendrix talvez nem perceba a importância desses primeiros registros, mas volte no tempo e tente imaginar o impacto que a música do trio deve ter causado nas pessoas quando ouviram no começo do ano de 67 essa nova modalidade de rock 'n' roll.

Parece pouco, mas foi por aí que a história da música começou a tomar novos rumos.

Tracklist:

1. Intro

2. Foxy Lady

3. Hey Joe

4. Stone Free

5. Fire

6. Purple Haze

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Jimi Hendrix Em Cinco Bootlegs De Tirar O Fôlego!

2009-05-15T19:11:00.006-03:00

Escrever sobre Jimi Hendrix é um ato prazeroso e muito especial para mim. É como se falasse de um irmão ou um grande amigo tamanho fascínio e admiração que tenho por esse músico, por sua trajetória meteórica e realizações como artista.

Sim, artista. Muito mais que músico, um sujeito que fez música como forma de arte, antecipou tendências, inovou, transformou a maneira de tocar guitarra e sempre procurou por algo que nunca esteve próximo de suas mãos: imaginava timbres e sonoridades que não podiam ser reproduzidas naquela época devido às limitações tecnológicas daqueles tempos.

E isso não impediu Hendrix de buscar alguma forma de criar aquilo que estava em seu imaginário, criando efeitos de estúdio até então inéditos, alterando o pitch e usando efeito reverse na gravação, modificando e criando pedais de efeito e sendo simplista quando assim necessário.

É assim que vejo Hendrix, um cara muito simpático, divertido e que fez tanto pela música contemporânea em tão pouco tempo. De fato, uma figura iluminada e pessoas iluminadas não ficam mesmo por aqui por muito tempo.

Esperei um bom tempo para fazer essa postagem até juntar material suficiente para uma boa análise - cerca de 30 bootlegs - até escolher aqueles que, em primeiro lugar, tem gravação muito boa ou excelente, em segundo lugar, registros de shows explosivos e empolgantes e, em terceiro lugar, praticamente um bootleg de cada ano desde que lançou Are You Experienced em maio de 67.

Dessa forma, poderemos acompanhar sua evolução nos palcos, curtir grandes performances e verificarmos as mudanças nos setlists ao longo de três anos, aliás, muito significativas, pois até sua banda mudou de nome e formação ao longo desse curto período.

Em ordem cronológica de show, essa nova série especial de postagens irá apresentar os seguintes bootlegs:

· The Legendary Starclub Tapes - Funkhaus, Alemanha 18-03-1967

· Olympia - Paris, França 29-01-1968

· The Complete Winterland Reels 10,11 e 12-10-1968

· The Last Experience - Royal Albert Hall, Londres 24-02-1969

· Maui, Hawaii 30-07-1970

Essa será uma singela homenagem ao maior guitarrista de todos os tempos e um dos músicos mais importantes do século passado.

Acompanhe as postagens e se emocione com a magia da guitarra de Jimi Hendrix!

Kris Kringle - Sodom

2009-05-13T19:06:00.008-03:00

Quem podia imaginar que o Brasil teve um autêntico representante do rock 'n' roll um pouco mais pesado para os padrões nacionais, logo no início dos anos 70? E essa verdadeira maravilha e achado arqueológico atende pelo nome Kris Kringle (Papai Noel, em alemão).

Até onde sei, essa raridade veio à luz graças ao jornalista Silvio Atanes que certa vez adquiriu o LP original e fez um belíssimo e profissional trabalho de extração das faixas, em formato wave e mp3.

Não é exclusividade do Câmara a disponibilidade desse álbum, mas o contato do Silvio com toda sua cordialidade e diposição em apresentar Sodom, lançado em 1971, foi fundamental e única para a realização dessa postagem.

O sexteto Kris Kringle foi uma variante do Memphis, banda paulistana muito conhecida na virada dos 60's para os 70's, e era formado por Joe Bridges, o Dudu França (vocais), Marco Antônio Fernandes Rodrigues, o Nescau (baixo), Marcos Maynard e Xilo (guitarras), Cláudio Callia (teclados) e Niccoli (bateria).

Sodom apresenta os dois lados da moeda do rock brazuca: genial e confuso. Genial porque é ótimo, empolgante, muito bem gravado e extremamente bem tocado.

Confuso porque uma ou duas músicas ainda carregam um pouco aquela ingenuidade do rock nacional da velha guarda, mas isso não tira nem um pouco o brilho do álbum, pois é história.

Agora, o regaço vem com as ótimas Louisiana, The Resurrection Shuffle e What You Want. E para finalizar, algumas músicas que até lembram o Warhorse de Ashley Holt e são pura bateção de cabeça: That's My Love For You, Sarabande e Mr. Universe.

Yes, nós tivemos nossa banda hard em pleno 71!

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A Guitarra Furiosa de Nobu Albatross no Ghost Towne.

2009-05-12T21:50:00.001-03:00

Nobu Albatross é guitarrista e vocalista do trio californiano Ghost Towne. O conheci através do YouTube depois de ver alguns vídeos de sua banda e fiquei impressionado com a qualidade e fúria com que toca guitarra.

O Ghost Towne faz uma mescla muito legal de rock 'n' roll, blues, hard e qualquer outra coisa que o valha, apresentando muita energia e podendo certamente agradar àqueles que gostam de bandas "guitarrísticas", a la Double Trouble.

Convidei Nobu para estrear a seção "Novas Bandas" aqui no Câmara e gentilmente ele nos concedeu uma breve entrevista onde fala como surgiu o Ghost Towne, a criação de seu projeto Blumenco (obviamente, uma fusão de blues com flamenco) e sobre suas influências musicais.

1. Como e quando foi formado o Ghost Towne?

Eu vim para os EUA em 2006 e em seguida fui à procura de integrantes para iniciar uma banda. Houve mudanças constantes de baixista e baterista por suas ocupações e por diferenças de direcionamento musical, mas agora isso é mais uma parte do projeto Nobu Albatross...

2. O Ghost Towne faz uma mistura bem equalizada de vários estilos. Como vocês desenvolveram isso?

Estou apenas tentando, eu acho... (risos) Sempre quis ser diferente de outras pessoas, e estranho... (risos) Então, sempre vou tentar descobrir coisas novas.

3. O Blumenco é um projeto paralelo seu ou uma nova criação do Ghost Towne?

Ele é meu projeto mais querido.

4. Como músico, quais são suas principais influências?

Rock ‘n’ roll, blues, flamenco, world music, um pouco de jazz, funk, soul, R&B, folk, surf, country… estou interessado em qualquer tipo de música.

5. Vocês tem planos para uma nova demo ou o debut da banda?

Ainda não, mas espero que algum dia alguém me encontre!

6. Agradeço sua atenção e gentileza e esse espaço é seu.

Obrigado por entrevistar-me. Eu só quero dizer: "eu nunca vou desistir, acho que a crença e a dedicação são as chaves...”

Quem quiser conhecer um pouco mais os trabalhos de Nobu Albatross e do Ghost Towne, acessem a página no YouTube, ou Myspace do Nobu e do Ghost Towne.

Além disso, Nobu cedeu três músicas do Ghost Towne para download:

1 - Lizard's Tail

2 - Rock 'n' Roll Philosophy

3 - Shadow In The Diamond

A Tree Full Of Secrets, A Coleção Definitiva Do Pink Floyd.

2009-05-09T14:55:00.015-03:00

Existem pelo menos outras duas box não-oficiais de respeito do Pink Floyd, Total Eclipse - A Retrospective 1967-1993 (4 CD's, 1993) e a alemã Early Flights (10 CD's, data desconhecida), porém é A Tree Full Of Secrets (data desconhecida) com seus inacreditáveis 18 CD's que apresenta tudo o que se pode imaginar que não está na discografia regular da banda e de seus integrantes.

Ou seja, outtakes, promos, singles, trilas sonoras, versões raríssimas... enfim, um apanhado geral, completo e definitivo da obra do grupo.

O mais interessante é que essa box não existe fisicamente. O bom filho de Deus que teve a incrível idéia e material para criá-la elaborou de tal forma que esse material rodasse a internet, inclusive no último volume há os arquivos para impressão das capas e encartes.

A arte gráfica é pobre mas o conteúdo da box é de arrepiar. Pirei quando ouvi as mensagens até então "escondidas" de Atom Heart Mother, as chamadas de rádio para o lançamento do filme Live At Pompeii e do álbum Animals, a música de brincadeira Merry Xmas Song ou a versão "obscura" de Not Now John (não é aquela que saiu no bootleg The Final Cutting - The Final Cut Demos).

Precisaria de mil linhas para descrever seu conteúdo completo, mas não é preciso pois os encartes trazem todas as informações necessárias a respeito de cada faixa.

Os fãs de Pink Floyd mereciam há muito tempo uma box como essa pois o material digamos "irregular" do grupo está espalhado em dezenas de bootlegs e A Tree Full Of Secrets reúne tudo isso e muito mais.

Você poderá também desvendar todos os mistérios e segredos das trilhas sonoras dos quais os integrantes da banda participaram e também de suas primeiras bandas e projetos, como David Gilmour com o Jokers Wild ou Rick Wright com o Zee.

Não se trata exatamente de uma compilação dos melhores momentos da banda, mas sim de um estudo completo da obra do grupo progressivo, distribuído em dezenas de horas de gravação.

Reserve algumas horas na semana e vá ouvindo em doses homeopáticas tudo o que A Tree Full Of Secrets oferece. Embarque já nessa verdadeira maratona arqueológica.

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Ragnarok - Nooks

2009-05-08T22:13:00.006-03:00

Sonzeira! Simplesmente legal demais esse álbum dos neozelandeses do Ragnarok.

Esses feiosos lançaram Nooks em 1976, segundo e último trabalho da banda progressiva formada em 1974 em Auckland e dissolvida em 1977. Carreira muito curta para uma banda com idéias bem desenvolvidas.

O som do grupo é bem melódico e em várias passagens lembra um pouco a sonoridade do Pink Floyd e Genesis era-Peter Gabriel. Mas isso não tira o brilho de Nooks, afinal de contas muita gente foi influenciada pelos primeiros progressivos da década de 70.

O Ragnarok era formado por Ramon York (guitarra e vocais), Ross Muir (baixo e teclados), Mark Jayet (bateria, baixo e guitarra) e André Jayet (teclados e bateria).

Ouvindo a belíssima canção Paths Of Reminiscence e sabendo que são originários da Nova Zelândia, logo me veio à cabeça algumas cenas da trilogia O Senhor Dos Anéis. Pura viagem, claro!

Progressivão gostoso e extremamente prazeroso, cheio de colagens sonoras a la Pink Floyd, como na formidável The Voisung, uma pequena obra de arte que me faz sentir muito orgulho dessas bandas perdidas no passado, com seus sons e timbres analógicos.

Quer viajar legal? Ouça a instrumental Nooks no volume máximo e delire com os synths invadindo os cômodos da casa.

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Family - Bandstand

2009-05-08T21:38:00.003-03:00

O Family volta pela segunda vez ao Câmara com o ótimo Bandstand, sexto álbum do grupo britânico, lançado em 1972.
Roger Chapman (vocais e percussão), John Whitney (guitarra), Rob Townsend (bateria), Jon John Weider (baixo, guitarra e violino) e John Palmer (teclados) foram os músicos que fizeram Bandstand e ajudaram a colocar o Family entre as bandas de rock progressivo mais criativa, genial e inovadora do gênero, apresentando ao mundo Roger Chapman, um bandleader carismático e performático - basta assistir a apresentação do grupo no festival da Ilha de Wight em 70 e conferir sua vibrante apresentação.
Bandstand não tem suites de vinte minutos e solos intermináveis de sintetizadores, mas sua sutileza e falsa simplicidade cativam e impressionam na primeira audição, a começar pelas belas My Friend The Sun, Top Of The Hill, Glove e Bolero Babe.
Agora, se você quer ouvir uma verdadeira paulada no escutador e se emocionar imediatamente com a massa sonora da banda, vá direto a Broken Nose.
Que todos os conceitos musicais vão pra cucuia, Family é demais!

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Clearlight - Forever Blowing Bubbles (com David Cross)

2009-05-08T20:35:00.007-03:00

David Cross foi integrante do King Crimson entre os anos de 1972-74, a fase mais poderosa e visceral do velho "Crimso".

Logo após a dissolução da banda, David participou de inúmeros projetos em parceria com outros músicos e também como músico convidado, como foi o caso da banda francesa Clearlight.

Em 1975 o grupo lançou seu segundo trabalho, esse aqui postado, com a participação especial de David Cross (violino) e outros.

Saudosismo de minha parte? Claro que sim, adoro gente como Cross, Jean-Luc Ponty e Eddie Jobson, com seus violinos mágicos e inspirados.

Mas o fato é que o disco é excelente e Cross destrói no álbum. Em alguns momentos seu violino soa como uma guitarra envenenada, tamanha energia e fúria de nosso amigo.

O Clearlight contava em sua formação com o mentor Cyrille Verdeaux (teclados), Bob Boisadan (teclados), Joel Dugrenot (baixo/vocais), Christos Stapiponopulos (bateria), Jean-Claude D'Agostini (guitarra) e Francois Jeanneau (sopros).

Cross estava cercado de excelentes músicos, nada de barulhinhos e sonzinhos típicos de "músico cabeça" que só olha para o próprio umbigo. O que se ouve em Forever Blowing Bubbles é rock progressivo objetivo, consistente e muito bem arranjado, pautado em sintetizadores e solos de violinos e instrumentos de sopro, alternando momentos tranquilos e ataques sonoros intricados.

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Emerson Lake & Powell - Live In Concert - An Official Bootleg

2009-05-08T19:17:00.014-03:00

O ELP hibernou entre os anos de 1978 e 1986 quando voltaram à ativa com o batera Cozy Powell no lugar de Carl Palmer, que integrava o Asia naquele momento, não alterando assim a sigla do trio.

Lançaram um bom álbum em 1986, intitulado somente Emerson, Lake & Powell e saíram em turnê logo em seguida. Não chegaram a gravar um segundo trabalho, encerrando as atividades precocemente após desacordos com seu manager.

Não era nenhuma maravilha, mas como a década de 80 foi talvez a pior fase para a produção musical geral, até que o ELPowell honrou seu nome e satisfez com fartura a sede dos fãs, por isso considero o álbum uma grande obra tendo em vista o (baixo) padrão da época.

Live In Concert - An Official Bootleg (2003) é o único registro oficial ao vivo dessa encarnação do trio. Era um bootleg fruto de transmissão de rádio de um show realizado em Lakeland, Florida, em novembro de 1986. O áudio foi tratado e masterizado, por isso a qualidade aqui é praticamente perfeita.

O disco alterna clássicos absolutos do trio como From The Beginning, Pirates e Fanfare For The Common Man, com músicas do novo trabalho, como as ótimas Touch And Go e The Score.

Cozy Powell no ELP? Poxa, sem comentários, substituiu Palmer à altura, sem comprometer de forma alguma os geniais arranjos percussivos originais. Greg Lake continuava com sua voz macia, mas observa-se que naquela época começava a ficar mais grave, característica comum entre os vocalistas masculinos com o passar dos anos.

E Keith Emerson... bem, esse é um show à parte, como sempre roubando a cena e direcionando o som da banda com seus poderosos instrumentos de teclas.

Agradeço ao novo amigo Carlos (um fã profundo conhecedor da obra do trio e de seus integrantes) que disponibilizou essa obra incrível, haja vista que se trata de um item difícil de encontrar na internet.

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U.K. - Live In Boston

2009-05-06T20:52:00.006-03:00

O U.K. é uma de minhas formações preferidas e tenho grande admiração por esses caras por terem surgido numa época em que o rock progressivo estava em franco declínio, apesar de seus integrantes já terem um background violento. Além disso, lançaram seu primeiro álbum homônimo em 1978 tendo Allan Holdsworth como guitarrista. Esse, para mim, foi o ponto crucial desse maravilhoso álbum, talvez o melhor exemplo da junção rock progressivo + fusion.

Inicialmente um bootleg, Live In Boston (também conhecido como Concert Classics Vol. 4) foi lançado oficialmente em 2007 com qualidade sonora perfeita e apresenta nos palcos o poder de fogo de John Wetton (baixo/vocais), Bill Bruford (bateria) e Eddie Jobson (teclados/violino), além do guitarrista citado.

Apesar do setlist baseado no disco de estréia, já tocavam três músicas que só sairiam no álbum posterior (Danger Money, de 1979) e são elas The Only Thing She Needs, Carrying No Cross e Caesar's Palace Blues.

Só o fato de podermos ouvir Holdsworth e Bruford tocando juntos ao vivo, em plenos anos 70 e em uma banda progressiva de respeito, já vale a audição.

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Gypsy - In The Garden

2009-05-03T15:25:00.008-03:00

Essa foi uma das grandes surpresas que tive ultimamente, quando um dia ouvia a rádio Rock Puro e, de repente, "que som legal é esse?!"

Eram os americanos do Gypsy, de Minneapolis: progressivão gostoso, com belas estruturas melódicas, harmonias vocais bacanas e um guitarrista muito competente.

In The Garden (1971) é o segundo álbum da banda que contava com o trio principal, os vocalistas/guitarristas Enrico Rosenbaum e James C. Johnson, e o excelente tecladista Jame Walsh, acompanhados do batera William Lordan, do baixista Willie Weeks e do percusionsta Joe Lala, o mesmo que tocou com Stephen Stills e Joe Walsh.

Pode não ser um espetáculo de trabalho mas In The Garden empolga e emociona do começo ao fim com suas belíssimas canções e o sempre bem vindo timbre do bom e velho Hammond B3.

As Far As You Can See (As Much As You Can Feel) é um pequeno épico de quase 12 minutos de duração com solos e harmonias arrepiantes. Here In The Garden II é outro petardo do álbum, com seu refrão forte, o guitarrista James C. Johnson fazendo bases e solos inspiradíssimos e Joe Lala "entortando" as congas.

Rosenbaum faleceu ainda nos 70's e o Gypsy foi reorganizado nos anos 90 e está na ativa até hoje.

É meu amigo e amiga, o mundo já não é mais progressivo há muitos anos mas minha casa é!

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Mike Bloomfield e Al Kooper em dois álbuns ao vivo históricos!

2009-05-03T13:10:00.007-03:00

Esses são dois discos ao vivo da dupla Mike Bloomfield (guitarra/vocais) e Al Kooper (teclados/vocais) fundamentais na coleção de qualquer bom amante de blues rock.

Em primeiro lugar porque são trabalhos incríveis, muito bem registrados e, acima de tudo, retratam fielmente a pureza e honestidade daqueles tempos.

E, em segundo lugar, por serem registros históricos desses dois músicos tocando juntos logo após o lançamento do álbum Super Session, que contou com a participação de Stephen Stills.

The Live Adventures Of Mike Bloomfield & Al Kooper foi gravado entre os dias 26 e 28 de setembro de 1968 no Fillmore East e lançado em 1969 como LP duplo.

Contém várias releituras de clássicos do rock e do blues, entre algumas músicas de autoria da dupla. Uma das canções mais belas e emocionantes é um cover do Traffic, Dear Mr. Fantasy. Sinceramente, é de tocar a alma e o coração. Uma pena que houve problemas com o microfone, mas que eventualmente podem acontecer em qualquer show.

Se fosse nos dias de hoje, qualquer bandeca por aí faria um overdub para que o disco saísse "perfeito". Esse é um dos grandes problemas dos discos ao vivo atuais: não existe mais honestidade nos registros.

Vale lembrar que Carlos Santana acompanhou a turma nesse belíssimo disco.

Já Fillmore East: The Lost Concert Tapes 13-12-68 só foi lançado em 2003 e contou com a participação especial de Johnny Winter em It's My Own Fault.

Também gravado no Fillmore East, mantém o mesmo brilho e energia de Live Adventures...

Quer saber? Talvez Fillmore seja tão louco quanto Live Adventures, mas seria muito chato de minha parte se não colocasse os dois discos em uma única postagem, pois um complementa muito bem o outro.

E quem ganha com essas aventuras ao vivo de Mike Bloomfield e Al Kooper somos nós, eternos amantes da boa música!

The Live Adventures Of Mike Bloomfield & Al Kooper Parte 1 / Parte 2

Fillmore East: The Lost Concert Tapes 13-12-68 Parte 1 / Parte 2

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The Allman Brothers Band - Cow Palace, San Francisco, 31 december 1973

2009-05-02T17:45:00.010-03:00

Mais um bootleg muito bem registrado e dessa vez é o Allman Brothers que comparece por aqui.

Gravado no Cow Palace, San Francisco, em 31 de dezembro de 1973, apresenta um show completo da banda, com inacreditáveis 210 minutos de duração!

Turnê do álbum Brothers And Sisters, o Allman apresenta todo o requinte e improvisos kilométricos característicos de sua música, para deleite e loucura dos fãs.

Músicas maravilhosas de Brothers And Sisters foram apresentadas nesse show histórico, como Come And Go Blues, Southbound e Wasted Words, além das clássicas Les Brers In A Minor, In Memory Of Elizabeth Reed, Whipping Post e Mountain Jam.

Detalhe: Jerry Garcia, Bill Kreutzman e Boz Scaggs participaram do show à partir de Whipping Post.

A formação na época era Gregg Allman (vocais, teclados e guitarra), Dickey Betts (guitarra e vocais), Butch Trucks e Jaimoe (baterias), Chuck Leavell (teclados) e Lamar Williams (baixo).

Tracklist:

Disco 1

1. Wasted Words

2. Done Somebody Wrong

3. One Way Out

4. Stormy Monday

5. Midnight Rider

6. Blue Sky

7. In Memory Of Elizabeth Reed

8. Statesboro Blues

Disco 2

1. Southbound

2. Come And Go Blues

3. Ramblin' Man

4. Trouble No More

5. Jessica

6. Les Brers In A Minor

7. Drums

8. Les Brers In A Minor

Disco 3

1. Whipping Post

2. Linda Lou/Mary Lou

3. Hideaway/You Upset Me

4. Bo Didley/Mountain Jam/Bo Didley

Disco 4

1. Save My Life

2. Blues Jam

3. You Don't Love Me

4. Will The Circle Be Unbroken

5. Mountain Jam

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Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

Steppenwolf - 7

2009-05-02T16:58:00.006-03:00

Se você pensa que o Steppenwolf só fez Born To Be Wild de legal, está tão enganado quanto um dia eu também estive!

Bandaça, sem precedentes, o mais puro rock 'n' roll ganchudo, energético e empolgante.

Apesar do título, 7 é o quinto álbum da banda e foi lançado em 1970. Em minha opinião é um dos melhores trabalhos do grupo - e olhe que a discografia dos caras entre os 60's e 70's é incrível.

Mas 7 trás um Steppenwolf mais maduro, apurado e mais objetivo. Difícil destacar algumas músicas pois esse trabalho é extremamente regular mas, teimoso como sou, digo aqui então que Renegade, Fat Jack, Hippo Stomp e Ball Crusher são daqueles tipos de músicas que me dão vontade de pular no açude seco!

A formação do disco era John Kay (vocais, guitarra e hamônica), Larry Byrom (guitarra), George Biondo (baixo), Goldy McJohn (teclados) e Jerry Edmonton (bateria).

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Tommy Bolin - Teaser

2009-05-02T15:38:00.010-03:00

Ele não quebrava guitarras e não tinha ataques de xilique. Aparecia ora com mechas vermelhas no cabelo, ora azuis, funky demais para tocar em uma banda hard nos anos 70.

Assim era Tommy Bolin, um dos guitarristas mais legais e brilhantes daqueles tempos. Integrou bandas incríveis como Zephyr, Energy, James Gang e Deep Purple, até sair de cena em 4 de dezembro de 1976, vítima de overdose de heroína.

Tocou de tudo: jazz-rock, blues, hard e rock 'n' roll com muita desenvoltura e competência. Assim como David Gilmour, era um craque no pedal delay, um Echoplex que controlava com as mãos, criando efeitos e sons arrepiantes. Além disso, extraia diversos timbres especiais de sua guitarra e era também um bom vocalista.

Teaser é seu primeiro e único álbum solo lançado quando ainda estava vivo, em outubro de 75. Durante as gravações do disco foi convidado a substituir Ritchie Blackmore no Deep Purple, mas essa é outra história...

O álbum é uma bela coleção de canções onde Bolin apresenta sofisticação e sacadas geniais, típicas de um músico com muita bagagem.

Grind, Lotus, Marching Powder, Wild Dogs, a belíssima Dreamer (com participação de Glenn Hughes) e a quase bossa nova Savannah Woman - sim, Bolin era fã de música brasileira - são canções marcantes desse guitarrista fantástico que morreu precocemente.

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Atenção bandas de rock progressivo, blues, hard e rock and roll.

2009-04-25T23:07:00.007-03:00

Se você integra alguma banda de rock progressivo, blues, hard setentisa ou rock and roll e gostaria de divulgar a mesma, entre em contato conosco pelo e-mail ricalucon@ig.com.br.

O Câmara de Eco é um blog muito pequeno mas tem o maior interesse em apresentar novas bandas que se enquadram em nossa ideologia, SEM FINS LUCRATIVOS.

- envie um release da banda com três fotos (mínimo de 300 pixels X 300 pixels);

- se quiser disponibilizar algum álbum, gravação de ensaio ou registro de show no formato mp3, faça o mesmo acompanhado de autorização via e-mail (as leis brasileiras e americanas não permitem a troca de arquivos em mp3 na internet);

- a postagem compreenderá uma pequena entrevista com 5 ou 7 questões, mas é importante que algum material de áudio de BOA QUALIDADE seja enviado para audição, mesmo que não seja para divulgação.

O Câmara NÃO DISPONIBILIZARÁ seus arquivos em mp3 sem sua autorização.

Vamos unir forças para divulgar a boa música entre as pessoas. Esse é mais um esforço do Câmara de Eco para ouvirmos novos sons.

Não quero apenas compartilhar mp3. Quero participar de algo maior que ainda está por vir.

Ricardo Lucon - Câmara de Eco

The Doors - Full Circle / Other Voices

2009-04-25T20:35:00.018-03:00

Me perdoem os fãs de Doors e espero não ser linchado por isso, mas colocaria Doors, Kiss e Queen (com exceção dos dois A Day.. e A Night...) na Challenger tranquilamente e isso é gosto pessoal, portanto não reproduz exatamente a qualidade e a importância de cada banda mencionada.

Opinião pessoal, agora: o Doors era péssimo ao vivo, centralizava suas forças erroneamente na figura de Jim Morrison, um vocalista que mal conseguia parar em pé nos shows, cantava bem mas não tinha controle sobre absolutamente nada, nem em seu cachorro, o Duke. Ou seja, a banda vivia em função dele.

Alguém se importava com Ray Manzarek (teclados), John Densmore (bateria) e Robby Krieger (guitarra)? Claro que não. Todas as lentes estavam voltadas para o mimado Jim Morrison.

O cara era bom? Lógico que era, desde que sóbrio, mas essa era uma condição menos provável do que eu ou você ganharmos sozinhos na Mega Sena na próxima quarta-feira.

O pior de tudo é que ninguém pode falar mal dele em qualquer tipo de media. Parece até uma espécie de censura, "o cara é um deus e ponto final, não se fala mais nisso".

E a coisa piorou nos anos 90 quando o excelente Oliver Stone resolveu trazer para as telas do cinema a biografia da banda. Aí a coisa desandou de vez, o sujeito virou mártir.

Serei muito sincero: prefiro fumar um cigarro do capeta e ouvir Snegs, do Som Nosso de Cada Dia, do que qualquer registro do Doors.

Essa postagem mostra que houve sim, vida após Jim Morrison. O trio remanescente lançou o ótimo Other Voices em 1971 e o confuso Full Circle em 1972, aí a banda quase encerrou as atividades eternamente, a não ser por seu retorno há alguns anos atrás com o vocalista do Cult, que já deixou a banda.

Aí você me pergunta: "você não gosta de Jim Morrison, correto?" E eu respondo: "não gosto, mas prefiro ver a banda tocando num palco com um 'jumbotrom" exibindo as imagens de Jim Morrison cantando, assim como fez Natalie Cole & Nat King Cole há alguns anos, do que pagar 200 paus pelo show do 'The Doors atual' em Ribeirão Preto".

Ouvir The Mosquito e The Piano Bird em CD já satisfaz bastante, mesmo sem o "mago" Jim Morrison.

Full Circle

Other Voices

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Jack Bruce - BBC Big Band Birmingham Town Hall UK, Friday 14 November 2008

2009-04-25T19:31:00.007-03:00

Essa é uma tendência natural do Câmara de Eco, resolvi disparar uma série de bootlegs bacanas para que você possa se divertir sozinho, com os amigos ou com o companheiro ou companheira.

No meio desse punhado de registros maravilhosos encontrei um do Jack Bruce com uma big band de muito respeito, nomeada simplesmente Big Band Special.

Gravado em 14 de novembro de 2008 e transmitido pela BBC Radio 2 em 1 de dezembro, apresenta uma qualidade sonora simplesmente perfeita e um Jack Bruce com seu baixo e voz sempre emocionantes, com seu novo fígado que, graças à Deus, lhe proporcionou nova possibilidade de vida para presentear seus eternos fãs.

Acredito que Jack Bruce nunca esteve tão presente na media como nos últimos quatro ou cinco anos e vou além: está tocando e cantando como nunca, basta ouví-lo em Smiles And Grins, por exemplo.

A presença da orquestra deu um charme todo especial à sua sonoridade e fazendo uma comparação rápida entre os registros originais e essas gravações ao vivo, daria mesmo para dizer que Bruce compôs as canções originais com uma complexidade hamônica inigualável, pensando no acompanhamento de cordas e metais, explícitas agora com o auxílio de uma big band.

Bruce presenteia seu público com clássicos absolutos e singelos como Deserted Cities Of The Heart, Theme From A Imaginary Western, Born Under A Bad Sign e White Room, com um arranjo caribenho delicioso e diferente.

E olhe só, Jack Bruce não está nadando na grana. Reza a lenda que os concertos do Cream em 2005 serviram para levantar fundos para seu transplante de fígado.

Pra finalizar, um tal de Mitch Mitchell é o batera em Sunshine Of Your Love...

Como diz o querido Raul Gil, eu tiro o chapéu fácil para esse eterno herói das quatro cordas e vocais, sempre. Vida longa, Jack Bruce!

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Armaggedon - Armaggedon (Alemanha)

2009-04-24T21:48:00.006-03:00

Essa eu fiz de "sacanagem" mas não querendo sacanear ninguém, pelo contrário, a proximidade com a postagem anterior foi mesmo para diferenciar o Armageddon britânico do Armaggedon alemão, progressivo, com alguma influência de hard incipiente, viajandão, com músicas cantadas em inglês e com dois "g's" em seu nome.

Pra falar a verdade, é difícil definir a banda como progressiva pois se trata de mais um exemplo de sonoridade que varia entre o progressivo e o hard.

Composto por apenas seis faixas, o auto-intitulado trabalho do grupo é seu único registro e foi lançado em 1970 trazendo dois covers incríveis, o primeiro, Rice Pudding do Jeff Beck Group, com seus quase dez minutos de duração e o segundo, Better By You, Better Than Me, do Spooky Tooth.

Entre as músicas compostas pela banda há Oh Man, com seu riff ganchudo e o engraçado e carregado sotaque alemão dos vocais, além da timbragem quente da guitarra.

A banda era formada pelo guitarrista e vocalista Frank Diez, os multi-instrumentistas Manfred Galatik (teclados, baixo e vocais) e Michael Nürnberg (baixo e guitarra), e o baterista Jürgen Lorenzen.

Após a dissolução da banda, o guitarrista Frank Diez partiu para o jazz-rock com a banda Emergency e o Armaggedon caiu no esquecimento... mas não aqui no Câmara!

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Armageddon - Armageddon (Inglaterra/EUA)

2009-04-24T20:39:00.006-03:00

Faz tempo que estou devendo a vocês um álbum de hardão setentista, daqueles de chutar o pau da barraca.

O Armageddon (com dois "d's") foi a última cartada do vocalista Keith Relf, que anos antes havia participado do Yardbirds e da primeira formação do Renaissance.

Desiludido e insatisfeito com o showbusiness, Relf e dois companheiros de Steamhammer (uma banda sem expressão do qual participou) foram para Los Angeles e convidaram o ex-batera do Captain Beyond, Bobby Caldwell, para formarem o Armageddon, pautado nas bases hard que surgira na primeira metade dos anos 70.

Se você é fã de Captain Beyond, principalmente do primeiro álbum, verá uma luz no fim do túnel com esse Armageddon (1975), único trabalho dos caras.

Hard intrincado, inteligente e porque não, genial. Keith Relf abandona as raízes bluseiras que o projetou com o Yardbirds e cai de cabeça no hardão vigoroso e sem teclados. O guitarrista Martin Pugh detona em bases e solos muito eficientes e com timbragens alucinantes enquanto Louis Cennamo segura a onda com seu baixão gordo, formando a cozinha ao lado de Bobby Caldwell, um monstro da batera setentista e muito pouco citado nos dias atuais.

Apesar da boa recepção ao álbum, a banda fez poucos shows e consequentemente a grana acabou e a banda também. Keith Relf voltou doente para a Inglaterra e ainda tendo problemas com as drogas. Faleceu em 14 de maio de 76 vítima de uma descarga elétrica da guitarra enquanto ensaiava para uma reunião dos integrantes originais do Renaissance, que chamaria Illusion.

O disco é perfeito, nota 10, mas devo destacar a pequena suite Basking In The White Of The Midnight Sun, dividida em três partes. Pura bateção de cabeça!

Ecos de um passado ousado e muito criativo, dos tempos que não bastava ser bom músico, o sujeito tinha que ser também um visionário.

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Heaven & Hell - The Devil You Know

2009-04-24T19:10:00.009-03:00

Aproveitando a vinda do Black Sabbath... ops! Heaven & Hell... ao Brasil, agora em maio, decidi postar o lançamento dessa formação que desde Dehumanizer (1992) não apresentava algo novo aos seus fãs e, se não falhe minha lesada memória, nem haviam se reunido nos palcos desde aqueles tempos.

De princípio o batera original do Sabbath, Bill Ward, até participaria dessa reunião, mas saiu antes da turnê, que começou em 11 de março de 2007 em Vancouver, Canadá.

Para não confundir os fãs, já que oficialmente o Black Sabbath ainda existe, resolveram nomear essa banda de Heaven & Hell, título do álbum de 1980 que contou com Ward na batera e substituído na turnê por Vinny Appice, mais ou menos o que aconteceu atualmente, mas nesse caso, Ward só gravou três novas músicas e não sei dizer se seus takes foram aproveitados em The Devil You Know (2009).

Não quero entrar naquela velha questão "se Sabbath é melhor com Dio ou com Ozzy" mesmo porque essa ladainha é um pé no saco. O fato é que Devil You Know é uma verdadeira aula de som pesado e sem exageros, depois de tanta porcaria de metal melódico, coloca novamente o heavy metal sobre os trilhos.

Impossível não se emocionar com a velha dupla Dio e Tony Iommi juntos novamente, sem contar o baixão preciso e poderoso do sempre mestre Geezer Butler.

Destaque imediato para Fear, Neverwhere, Follow The Tears, The Turn Of The Screw, Rock And Roll Angel (que porrada!), e a melhor do disco, Bible Black.

Camarada, foi preciso o vovô Iommi & cia. voltar à cena mais uma vez para aumentar a conta bancária, claro, mas também ensinar a molecada de hoje como fazer o mais puro e fiel metal, sem frescuras e viadagens, assim como já fizeram em 92.

Boa sorte ao Heaven & Hell e muitos aplausos por sua fidelidade sonora. Ouvir The Devil You Know é uma ótima viajem ao passado, sem tirar os olhos do presente.

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Keith Emerson, Glenn Hughes & Marc Bonilla - Boys Club Live From California 1998

2009-04-24T18:29:00.005-03:00

Esse é um encontro sensacional e improvável de Keith Emerson (ELP) e Glenn Hughes (ex-Deep Purple) no ano de 1998.

Glenn Hughes, como sempre, esbanja técnica e talento com sua voz marcante (aqui ele não toca baixo, que ficou a cargo de Bob Birch e Mick Mahan). O guitarrista Marc Bonilla, que acompanhou Hughes em seu álbum Addiction de 1996, se apresenta muito bem, mesmo tendo ao seu lado nas harmonias e solos um tecladista mais que genial, o célebre Keith Emerson, que dispensa comentários.

Acompanhados pelo guitarrista Mike Wallace, pelo tecladista Ed Roth e pelo batera Joe Travers, o trio mencionado desfila um apanhadão legal e bem interessante de músicas tanto quanto: Hoedown, Nutrocker e Tarkus (completa!) do ELP, A Whiter Shade Of Pale (Procol Harum) e Dreams (muito louca!), do Allman Brothers, entre outras legais de Marc Bonilla.

Pode não ser um espetáculo de disco ao vivo, mas só o fato de unir duas figuras marcantes do rock and roll tocando músicas bem prováveis e outras muito improváveis, já vale a pena.

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Três ótimos bootlegs do ELP pra fazer a cabeça!

2009-04-22T19:44:00.014-03:00

Aproveitando o gancho da postagem anterior, eis aqui três dos melhores bootlegs que conheço até o presente momento, do incrível trio Emerson Lake & Palmer. Certa vez escrevi por aqui que não tenho saco para bootleg mal gravado, mas quem gosta de desenterrar esses ossos sabe melhor que eu que até encontrarmos um bootleg bem gravado, é preciso comprar ou baixar muitos de péssima qualidade.
Então, para não perder seu tempo (e tempo é dinheiro), aqui estão três bootlegs realmente gravados da mesa de som (soundboard).
O primeiro é o Works On The Road, registrado em 20 de novembro de 1977 no Mid-South Coliseum, em Memphis, EUA, e capta o trio dez dias depois do lançamento de Works Volume 2, sem o acompanhamento de orquestra.
Gravação perfeita e cristalina, com baixíssimo ruído da platéia. O repertório é bem parecido com o de In Concert (1979), mas esse Works On The Road apresenta algumas surpresas muito legais como os 17 minutos de Tarkus, Hoedown, Take A Pebble, Lucky Man, Nutrocker e Pirates, ou seja, músicas que não estão no disco oficial citado.
Temos também dois boots da turnê de 1993 que visitou a América do Sul: Estadio Chile, gravado em Santiago, Chile, em 01 de abril e Historical At An Exhibition, em Buenos Aires, Argentina, no dia 05 do mesmo mês.
Com muito boa qualidade, o repertório dos dois shows é parecido com o de Live At Royal Albert Hall (1993) a não ser pela inclusão de From The Beginning, C'est La Vie, Honky Tonk Train Blues, Touch And Go, Hoedown e Pictures At An Exhibition.
Você deve se perguntar o porque insisto em procurar bons bootlegs? Porque nada supera a emoção em ouvir a explosão da platéia chilena assim que o trio inicia Tarkus.

Works On The Road (1977) Parte 1 / Parte 2 / Parte 3
Estadio Chile (1993) Link.
Historical At An Exhibition (1993) Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

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O Elo Perdido do ELP: The Original Bootleg Series From The Manticore Vaults Vol 1, 2 & 3

2009-04-19T21:26:00.013-03:00

Até que a discografia oficial do ELP oferece uma boa cobertura quando falamos dos discos ao vivo da banda, principalmente das turnês da década de 90. Mas do período mais criativo do grupo, compreendido entre os anos de 1971 e 1973, não há absolutamente nenhum registro oficial.
Com exceção de Pictures At An Exhibition (1971), o primeiro trabalho ao vivo do grupo só surgiu em 1974 com o lançamento de Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends..., registro da turnê de Brain Salad Surgery (1973).
Por conta dessa ausência, surgiram nos anos 70 vários bootlegs de praticamente todas as tours do trio e conforme os anos se passaram foram desaparecendo do mapa.
Em 2001 e 2002 a Sanctuary, subsidiária da Castle, teve uma iniciativa muito interessante: oficializou, por assim dizer, cerca de onze desses bootlegs, incluindo aí registros de 1992 e 1993, e os “emboxetou” em três caixas intituladas The Original Bootleg Series From The Manticore Vaults.
Qualidade de gravação não é o maior atrativo dessa coleção pois quase todos esses registros foram feitos na platéia, portanto recomendado apenas aos fãs fervorosos do trio, mas sua importância é inquestionável pois trouxe a tona algumas gravações que só poderiam ser encontradas (e com muita sorte), nos bootlegs originais perdidos em algum sebo por aí.
Além disso, a gravadora reproduziu as capas originais com algumas pequenas adaptações para o formato CD. Pelas novas capas, é bem provável que os boots originais tenham sido lançados por aquele tal de TAKRL, um sujeito ou grupo de pessoas que pirateou um monte de bandas nos anos 70 e faziam os famosos LP’s de capa branca com um papel colado na mesma, contendo a arte e informações do disco.
Entre esse vasto material, você poderá ouvir o trio mandando bala em versões raríssimas de Tarkus ainda em 71, The Endless Enigma (impagável), Pictures At An Exhibition, Benny The Bouncer, Tarkus novamente, quase completa em 77, e várias outras.
Em 2006 foi lançada a quarta box dessa série contendo outros shows raríssimos, como por exemplo um da turnê de Love Beach, em 1978, mas não consegui esse material nem com muita reza. Aliás, se alguém souber onde encontrá-la, agradecerei de prontidão.
Mesmo esquema do Collectors’ Club, do Crimson: preparei um arquivo de texto com todos os links. Corra pois não são links do Câmara de Eco.

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Blog Yes Shows: A Casa do Yes.

2009-04-17T19:27:00.013-03:00

Entre as centenas de blogs musicais encontrados na rede, posso tranquilamente destacar o Yes Shows, com seu trabalho de resgate e perpetuação da obra do Yes, focando somente registros raríssimos não-oficiais do grupo progressivo, como também de seus integrantes e ex-integrantes.
Seu mentor e idealizador, Martini, tem muito cuidado com o que é postado no blog e desde 2007 apresenta informações de extrema importância sobre cada registro ali divulgado.
Em um bate-papo bacana, ele nos fala sobre a importância do Yes Shows, suas impressões sobre a música do grupo e a forma como conduz sozinho o blog.

1. Como surgiu a idéia em fazer um blog dedicado ao Yes especializado em gravações não-oficiais?
Eu já tinha visto pela internet blogs dedicados a bandas como Beatles, Deep Purple e Pink Floyd, mas sempre tive uma dificuldade maior para achar bootlegs (gravações não lançadas oficialmente, de shows, ensaios, etc) do Yes, que eu encontrava de vez em quando, espalhados por vários sites e blogs. Achei que a banda merecia um blog que reunisse em um só lugar materiais diversos dos seus 40 anos de vida.

2. Você faz algum processo de seleção ou escolha ao postar algum material da banda? Se sim, o que é levado em consideração na escolha de determinada gravação?
Tem dois fatores que fazem um bootleg ser bom: a qualidade do som (geralmente os melhores foram gravados pela própria banda, ou transmitidos por rádio, enquanto os piores foram gravados na platéia por fãs em fitas que se deterioraram com o tempo) e a raridade da performance. Por exemplo, se um bootleg tem uma música raramente tocada, ou em um arranjo muito diferente, eu faço questão de compartilhá-lo no blog, mesmo quando a qualidade de som não é das melhores.

3. Fãs de rock progressivo sempre buscaram por gravações não-oficiais de suas bandas favoritas. Em sua opinião, qual o motivo dessa cultura?
No rock progressivo, assim como no jazz e no blues, o palco é o lugar onde a banda cria arranjos novos, improvisa, coloca mais peso na música, etc, ao invés de copiar ao vivo o que se ouve no CD. O Zeca Camargo uma vez disse "Não sei por que gostam tanto de show, se dá pra ouvir o CD no conforto da poltrona da sala". Está aí alguém que não entende nada de música.

4. O Yes Shows é publicado em inglês. Isso pode atrapalhar um pouco os fãs brasileiros ou a língua não apresenta obstáculos?
Minha intenção era fazer um site pra ser acessado por fãs no mundo todo, e o resultado tem sido exatamente esse. Algumas pessoas devem ter dificuldade pra entender tudo, mas o fato é que o inglês é o esperanto dos nossos dias, o que tem vantagens e desvantagens...

5. Quais são suas impressões sobre os mais de 40 anos de carreira do Yes e qual sua opinião sobre o legado musical da banda nos dias atuais?
É inegável que o auge da banda foi nos anos 70, mas muita gente se surpreende com a qualidade dos shows deles até hoje, mesmo em turnês de discos medianos ou ruins. Na minha opinião o legado do Yes hoje em dia não é tão grande quanto poderia, porque, a partir dos anos 80, a MTV e outros meios de comunicação fizeram uma certa "revisão do passado", e hoje muita gente pensa que o Pink Floyd foi o auge do experimentalismo e virtuosismo no rock, quando grupos como o Yes e o Gentle Giant fizeram música da mesma qualidade que o Floyd e com muito mais criatividade e quebrando todos os padrões..

6. Qual é o feedback de seu trabalho desenvolvido no Yes Shows e a importância de seus leitores?
O blog tem leitores bem fiéis. Não vou dizer que são milhões, nem que todos os fãs de Yes o conhecem. Mas fico feliz ao ver que compartilhei música com internautas da Escócia, da Argentina, do Canadá... e do Brasil, claro!

7. Agradeço imensamente a sua atenção e este espaço é para suas considerações finais.
Obrigado pelo espaço dado. O bacana da internet é ver vários blogs sem fins lucrativos, como o Câmara de Eco e o Yes Shows, que divulgam o trabalho de várias bandas cujos discos não seriam nem um pouco fáceis de achar no Brasil, e ver o show, então, nem sonhando... Um grande abraço

www.yesshows.blogspot.com

Narada Michael Walden - Garden Of Love Light

2009-04-17T18:27:00.009-03:00

Narada Michael Walden é baterista, vocalista e produtor. Nasceu em 1952, em Michigan, EUA, e integrou a Mahavishnu Orchestra entre 1974 e 1976, substituindo Billy Cobham.

Gravou com o grupo os álbuns Apocalypse (1974), Visions Of The Emerald Beyond (1975) e Inner Worlds (1976), e logo depois houve a dissolução da banda.

Como músico solo colaborou com inúmeros outros músicos, desde gente ligada a pop music como também músicos de jazz rock e rock, além de participar de diversas trilhas sonoras para o cinema.

Seu primeiro disco solo, Garden Of Love Light, foi lançado em 1976 e contou com participações muito legais de Carlos Santana e Jeff Beck, além de outros.

Na verdade, é um disco bem light e muito gostoso de ouvir. Nem é preciso dizer que Jeff Beck rouba a cena em Saint And The Rascal, mas também devo destacar as ótimas The Sun Is Dancing e Garden Of Love Light.

A música Delightful foi o carro-chefe do disco, alcançando razoável colocação nos charts do ano seguinte.

Vide comentários.

Led Zeppelin - The Song Remains The Same

2009-04-13T21:53:00.012-03:00

A história de Song Remains The Same é um tanto curiosa pois trás um mix de registros de três noites no Madison Square Garden, Nova York, entre 27 e 29 de julho de 1973, durante a tour americana daquele ano.
Porém, o LP duplo só foi lançado em 28 de setembro de 1976 como trilha sonora do filme de mesmo nome, que chegou aos cinemas apenas algumas semanas depois, em 20 de outubro.
Utilizando um estúdio móvel, Eddie Kramer gravou os concertos e mixou o material nos estúdios Electric Lady em Nova York e Trident Studios em Londres.
A crítica na época considerou sua gravação um tanto pobre para os padrões do Led Zeppelin e até mesmo o guitarrista Jimmy Page adimitou que aqueles takes não eram as melhores amostras do Led ao vivo.
E foi além: talvez para amenizar um pouco o impacto nem tão positivo do lançamento do álbum, chegou a declarar que não o olhava exatamente como um “disco ao vivo” mas sim como uma trilha sonora.
O fato mais interessante e importante dessa história toda é que os fãs estavam sedentos por um disco oficial ao vivo do grupo e ninguém deu bola para esses detalhes. The Song Remais The Same chegou ao primeiro posto dos charts britânicos e no segundo dos americanos, mais precisamente da Billboard, ainda em 1976.
O Led foi muito pirateado nos anos 70 e é provável que encontremos nos dias de hoje, apresentações melhores e mais furiosas que a de Song Remains The Same, mas esse foi o único material que a banda pôde disponibilizar naqueles anos e com certeza ficou marcado no coração daqueles que hoje tem mais de 45 anos de idade, com suas versões históricas de Moby Dick, No Quarter, Stairway To Heaven, Dazed And Confused e The Song Remains The Same.
A capa foi muito bem elaborada pela empresa Hipgnosis e não trazia uma foto sequer do grupo.
O relançamento em CD em 2007 trouxe várias outras músicas que não estavam na edição original, com cerca de 30 minutos a mais de gravações.
Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham fizeram história com um álbum maravilhoso e muito bem planejado.
Aliás, planejamento era algo que o Zeppelin tinha de sobra, a cargo de seu sempre competente manager Peter Grant.
Termina aqui uma pequena série de postagens que, espero, tenha divertido todos vocês como foi divertido e gratificante para mim.
Abraços!

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Yes - Yessongs

2009-04-13T21:47:00.011-03:00

Levando-se em consideração que Pictures At An Exhibition (1971) do ELP é um álbum ao vivo com material inédito e que Ummagumma (1969) do Pink Floyd é “meio ao vivo”, pois não passou de uma boa farsa da banda, podemos dizer que entre os grupos de rock progressivo considerados “grandes”, o Yes foi o primeiro a lançar seu álbum ao vivo, em 18 de maio de 1973.
Gravado durante a turnê de 1972 do álbum Close To The Edge (1972, um de seus maiores sucessos), apresenta uma coleção de músicas pautadas nos três últimos lançamentos da banda e o mais legal, foi lançado em LP triplo na época, dando a noção exata de como era uma apresentação completa da banda, apesar de ter sido gravado em datas e localidades diferentes e até por conter bateristas diferentes, pois foi nessa turnê que o baterista original, Bill Bruford, deixou o grupo para integrar a nova formação do King Crimson, sendo substituído pelo ex-Plastic Ono Band, Alan White.
Apesar da pompa e alguns exageros característicos da banda, Yessongs é uma verdadeira viagem musical e astral, e retrata muito bem a exuberância, harmonia e complexidade de suas músicas, como também a extrema técnica de seus integrantes.
O guitarrista Steve Howe com suas incursões acústicas e improvisos, e o megalomaníaco tecladista Rick Wakeman, conviviam muito bem no disputado universo musical do Yes. Yessongs retrata muito bem essa fase de equilíbrio e o que se viu depois foram altos e baixos pelos quais o grupo passou nos anos seguintes.
Wakeman entrou no grupo com fama de superstar e ainda não sofria de ataques rococós, tinha um espaço só para ele onde fazia um medley de seu primeiro álbum solo, The Six Wives Of Henry VIII (1973), enquanto o baixista Chris Squire roubava a cena com seu magistral solo em The Fish (Schindleria Præmaturus).
Jon Anderson com sua voz celestial completava perfeitamente os devaneios e loucuras musicais (no bom sentido) do grupo.
Não posso deixar de citar o belíssimo trabalho gráfico do artista plástico Roger Dean que ilustrou vários trabalhos do grupo e em Yessongs cedeu várias pinturas para o encarte, além do excelente trabalho do engenheiro e produtor Eddie Offord, que soube registrar e produzir o Yes em seus primeiros anos de atividade.
Yessongs também foi parar nas telas dos cinemas ainda em 1973 e o Yes fez história com projetos tão ousados, envolvendo música, imagens e vídeo. Pura arte.

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Deep Purple - Made In Japan

2009-04-13T21:41:00.014-03:00

Made In Japan (1972) não foi o primeiro disco ao vivo do Deep Purple pois já haviam lançado Concerto For Group And Orchestra em 1969, com a Royal Philharmonic Orchestra de Londres, executando um concerto inédito escrito pelo tecladista Jon Lord.
A popularidade do Purple em 1972 era tão grande ao ponto de fazerem mais de 220 apresentações naquele ano, alavancados pelo sucesso de Machine Head (1972).
Em agosto a banda partiu para uma turnê japonesa onde havia uma grande expectativa por suas três apresentações, e por conta disso a gravadora de lá decidiu lançar um álbum ao vivo exclusivo para o mercado japonês, contendo os melhores takes dessas apresentações.
Sem grandes pretensões, o produtor Martin Birch (aquele mesmo que anos mais tarde trabalhou com o Iron Maiden) registrou os três shows em um gravador simples: dias 15 e 16 em Osaka e 17 em Tokyo.
Apesar do aparente descompromisso, o baixista Roger Glover declarou certa vez que a banda estava tensa na primeira noite sabendo que estavam sendo gravados e não poderiam cometer erros.
Ao voltarem para Inglaterra, Birch, Glover e o batera Ian Paice ficaram surpresos com a qualidade dos tapes e trabalharam na mixagem desse material.
O álbum foi inicialmente lançado no Japão sob o título Live In Japan e na capa trazia uma foto feita nessas apresentações japonesas. No restante do mundo, foi lançado como Made In Japan e trazia uma foto feita em julho, no Rainbow Theatre em Londres.
Clássico absoluto, Made In Japan capta fielmente o poder de fogo do Purple nos palcos com seus improvisos e a espontaneidade de uma banda tipicamente on stage.
Child In Time, Highway Star, Strange Kind Of Woman e Smoke On The Water ganharam fama talvez maior que suas versões originais por apresentarem grande energia e explosão em suas versões ao vivo.
Ritchie Blackmore estava infernal, detonando riffs e solos simplesmente mágicos. Ian Gillan desfrutava de sua juventude e do poder de suas cordas vocais – quem não gritou com ele em Child In Time na versão de Made In Japan?
Jon Lord, Roger Glover e Ian Paice eram o sonho de qualquer banda da época, com sua técnica, improvisos, precisão e punch rock ‘n’ roll.
Em 1993 foi lançado o CD triplo Live In Japan, contendo as três apresentações na íntegra e alguns anos depois surgiram outras edições de Made In Japan com faixas adicionais.
Dificilmente veremos nos dias atuais um álbum ao vivo tão honesto, espontâneo e empolgante como Made In Japan o é.

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The Allman Brothers Band - At Fillmore East

2009-04-13T21:35:00.017-03:00

Cada álbum dessas cinco postagens tem peculiaridades muito distintas, mas também alguma relação entre si por alguns fatores.
O fator que distingue Fillmore East dos outros quatro discos postados é que ele foi lançado de maneira muito rápida se levarmos em consideração que o Allman Brothers surgiu em 1969.
Gravado no Fillmore East, Nova York, em 12 e 13 de março de 1971 e lançado em julho do mesmo ano, esse álbum tem um significado muito forte e não poderia mesmo ter sido lançado em ocasião posterior.
Naquele momento mais do que nunca, o Allman desfrutava de grande sucesso por suas apresentações incríveis e muito longas, e pela excelente técnica e feeling de seus integrantes.
Podemos dizer, sem dúvida, que o Allman é possivelmente a melhor banda ao vivo dos anos 70 pois esbanjavam elegância, técnica e muita precisão em improvisos antológicos pautados no rock, blues e jazz, como na gigante Mountain Jam, fazendo a cabeça de muitos daqueles que conheceram a banda ainda nos anos 70 e também daqueles que os conheceu décadas depois, como é o meu caso.
Não se trata exatamente de uma banda que faz música para músicos mas sim de um grupo que elaborou seus trabalhos com muita inspiração e provavelmente, muito ácido.
Fillmore East coloca em cheque todos seus integrantes e todos eles, sem exceção, executam seu trabalho de forma magistral.
A começar pela dupla percussiva, os bateristas Jai Johanny Johanson e Butch Trucks, desempenhando um dificílimo e sincronizado trabalho de tocar suas baterias ao mesmo tempo.
Os excelentes guitarristas Duane Allman e Dickey Betts transportavam para as cordas de suas guitarras toda influência e punch do rock sulista, enquanto o super baixista Berry Oakley segurava a onda no meio da artilharia pesada de duas baterias e ainda encontrava espaço para seus improvisos.
Por fim, Gregg Allman comandava essa turma da pesada com sua voz rasgada e as teclas de seu incrível órgão Hammond.
O disco foi lançado no formato de LP duplo contendo sete músicas e relançado em CD na década de 90 e em 2003 sob os títulos The Fillmore Concerts e At Fillmore East (Deluxe Edition), contendo 12 e 13 faixas respectivamente.
Não perca tanto tempo como eu perdi e desfrute de mais um clássico gravado ao vivo.

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The Who - Live At Leeds

2009-04-13T21:25:00.011-03:00

Das cinco bandas apresentadas nessa postagem, o Who foi a que mais demorou em lançar um álbum ao vivo, cerca de seis anos desde seu surgimento em 1964. Além disso, Live At Leeds é o único disco ao vivo em todo o período em que a banda esteve regularmente ativa.
Já haviam alcançado grande sucesso pelo mundo, consolidado em sua apresentação no festival de Woodstock em 1969, na madrugada de sábado para domingo, 17 de agosto.
Naquela época o Who divulgava seu novo álbum, o conceitual Tommy (1969), e o tocaram praticamente na íntegra em diversas ocasiões.
No final de 1969 a banda decidiu lançar um álbum ao vivo, aproveitando o enorme sucesso que desfrutavam com a repercussão de Tommy. O guitarrista Pete Townshend passou a ouvir inúmeras gravações para escolha do material adequado, mas não ficou satisfeito e então queimou os tapes para evitar a pirataria do material.
Com isso, agendaram duas datas com o propósito de gravar os shows para o lançamento do disco ao vivo: dia 14 de janeiro de 1970 na Universidade de Leeds e dia 15 na cidade de Hull.
Problemas técnicos em Hull impediram que o baixo fosse gravado e apesar da banda considerar esse material excelente por causa da acústica do local e de seu grande espaço, o que restou mesmo foram os tapes de Leeds para serem trabalhados.
Não é sabido ao certo se foi pressão da gravadora ou ansiedade da banda, mas o fato é que o material gravado em Leeds é o que acabou saindo no LP, lançado em 23 de maio na Inglaterra.
A prensagem original era a de um LP simples, contendo seis músicas, mas durante os anos 90 foi lançada a edição em CD contendo algumas músicas adicionais e finalmente, em 2001, foi lançada outra versão em CD, dessa vez duplo e contendo o show na íntegra, porém trazendo a ordem alterada de algumas músicas.
Para isolarem a versão ao vivo de Tommy no CD 2, trouxeram algumas músicas da sequência final do show para o fim do CD 1.
O grande barato de Live At Leeds é poder curtir a espontaneidade e a eficiência de uma banda com muita experiência nos palcos ao ponto de executarem músicas que naquele momento nem haviam saído em seus trabalhos, como Young Man Blues, Heaven And Hell e Water, que não estava no setlist de Leeds.
Pode ser que o Who não seja lá uma banda super técnica, mas é inegável que sua espontaneidade e espírito rock ‘n’ roll sejam quase imbatíveis. Leeds é no mínimo, emocionante e um verdadeiro rolo compressor do rock.

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Os Cinco Grandes Clássicos Gravados Ao Vivo.

2009-04-10T15:00:00.014-03:00

A próxima série de postagens é especialíssima e vai buscar no olho do furacão os cinco grandes álbuns gravados ao vivo que realmente mudaram a história do rock (ou pelo menos a história de suas bandas).
Mediante inúmeras adversidades como logística, tecnologia da época, condições adequadas para uma boa gravação, acústica e o simples fato de considerarem o momento certo para o lançamento de um álbum ao vivo, cinco bandas da década de 70 fizeram seus registros “on stage” e não tiveram medo em se arriscar em projetos tão ousados e meticulosos, permeados por histórias e mais histórias que fizeram parte da elaboração final desses belos trabalhos.
Como diz o hilário Faustão “quem sabe, faz ao vivo!”
Então complemento: quem sabe, faz ao vivo e sem overdubs.
The Who, The Allman Brothers Band, Deep Purple, Led Zeppelin e Yes foram registrados entre 1970 e 1973 no auge de suas carreiras, ou seja, no momento exato em que sua música ecoava pelos quatros cantos do planeta, levando seus nomes às mais remotas localidades.
Esses discos ao vivo foram uma espécie de consolo e euforia para aqueles que não tinham ou tiveram a oportunidade de ver suas bandas favoritas ao vivo, haja vista que naquela época as excursões “mundiais” se limitavam apenas em Europa, E.U.A. e Japão.
Era uma oportunidade formidável, por exemplo, de trazer o Led Zeppelin para tocar dentro de casa e conferir a performance ao vivo dos caras.
O Brasil naquela época ainda não fazia parte do mapa-múndi das grandes turnês e os discos ao vivo, quando chegavam por aqui, muitas vezes eram extirpados, reduzidos em edições simples.
O sentido inicial de um lançamento ao vivo perdeu um pouco da magia e encanto com o passar dos anos e após o surgimento do DVD virou quase uma obrigação fazer uma turnê seguida pelo lançamento do registro de algum show da mesma.
Imagine há 35 anos poder ouvir pela primeira vez nossos heróis detonando em apresentações históricas? Imagens então, era quase impossível. O Who foi parar nas telas dos cinemas com o filme de Woodstock em 1970 e o Zeppelin e Yes apenas em 1973, talvez somente nos grandes centros.
Hoje em dia, com tanta tecnologia disponível, é difícil acreditar que um álbum ou DVD gravado ao vivo é de fato todo ao vivo e não contém retoques em estúdio, conhecidos como overdubs.
Porisso, por sua importância histórica, pelas dificuldades, por sua honestidade e pela projeção que alcançaram, o Câmara de Eco apresentará cinco grandes clássicos gravados ao vivo em uma nova série de postagens.
Teremos os seguintes trabalhos:
The Who – Live At Leeds
The Allman Brothers Band - At The Fillmore East
Deep Purple – Made In Japan
Led Zeppelin – The Song Remains The Same
Yes – Yessongs
Abraços à todos e feliz Páscoa!

Churrasco & Rock 'n' Roll Vol 1

2009-04-04T18:48:00.009-03:00

O propósito dessa postagem é muito pessoal e ainda assim deve ser divulgado aqui no Câmara.
Vivo no interior de São Paulo: muito calor, sol escaldante o ano todo, a carne e a cerveja tem preços razoáveis.
Minha turma é composta basicamente por músicos, entusiastas, audiófilos, profissionais liberais, desempregados e tudo mais, ou seja, gente comum que batalha dia-a-dia para garantir o "som nosso de cada dia". Junte tudo isso com 14kg de carvão: churrasco, claro!
Preparei uma coletânea há alguns meses e o propósito é muito simples: presentear meus camaradas e tentar divulgar aquilo que considero essencial.
Tracklist de Churrasco & Rock 'n' Roll Vol 1:

Lado A
01 Easy Now - Hot Tuna
02 You Burned The Tables On Me - Jack Bruce
03 Mau Mau (Amerikon) - Paul Kantner
04 Good Old Days - Wild Turkey
05 It's Only Love - Blodwyn Pig
06 Killing Floor - The Electric Flag
07 Them Changes - Buddy Miles
08 The W.S. Walcott Medicine Show - The Band
09 Till The Morning Comes - The Grateful Dead
10 Sitting By The Fire - Gordon Haskell
11 What Kind Of People Are They - John Entwistle
12 Roof Top Man – Valhalla
13 Bad 'n' Ruin - The Faces
14 My Door Is Open - James Gang
15 Here Comes Mr. Time – If
16 Can't Sit Still – Ramatam
17 Bargain - The Who
18 Anytime – Love

Lado B
01 Curb Your Elephant - The Amboy Dukes
02 Pack It Up - Freddie King
03 I'm A Free Man - Green Bullfrog
04 Ain't That A Lot Of Love - Taj Mahal
05 Born To Move - Creedence Clearwater Revival
06 Light Up Or Leave Me Alone – Traffic
07 Bright Blue Tango - Captain Beyond
08 Drowning In The Sea Of Love – Snafu
09 Forget It, I've Got It - Spooky Tooth
10 Grey Day Lady – Iguana
11 Miss Little Louise – Freedom
12 I'm Not Surprised – Zephyr
13 We Can Be Together - Jefferson Airplane
14 Come On (Let The Good Times Roll) - Jimi Hendrix
15 Old Times Good Times - Stephen Stills
16 X-Ray - Pink Fairies
17 Tongue In Cheek – Sugarloaf
18 Ohio - Crosby, Stills, Nash & Young

Sugiro que ao queimar a mídia, retire a opção de 2 segundos entre uma faixa e outra pois preparei um leve fade e mix entre as músicas.
Também está disponível a (pobre) arte gráfica com suas medidas exatas para impressão.
Espero que você curta essa seleção e presenteie seus amigos também.
Lembre-se sempre: a vida é curta, presenteie um amigo ou amiga com um CD bacana.
Abraços à todos!
Long live rock 'n' roll!!

Parte 1: camaradeeco.blogspot.com
Parte 2: camaradeeco.blogspot.com

Joaquín Rodrigo (Narciso Yepes) - Concierto de Aranjuez - Fantasia Para Un Gentilhombre

2009-04-04T17:00:00.005-03:00

O grande barato do blog é a não-obrigação editorial, ou seja, você pode conduzí-lo da maneira que achar mais conveninente e interessante para aqueles que possivelmente farão a leitura.

Joaquín Rodrigo é extremamente importante em minha vida, em especial essas duas obras de sua autoria. Minha mulher, Margareth, é apaixonada pelo compositor e eu, como fã de Emerson Lake & Palmer, vibrei quando ouvi Fantasia Para Un Gentilhombre original, depois revisitada pelo trio no péssimo Love Beach (1978).

Bem rápido: nos casamos em uma ilha, no meio de um açude dentro de uma belíssima fazenda aqui em minha cidade, Mococa. Casamento rural às 16H no inverno. Trilha sonora: Joaquín Rodrigo, Ry Cooder e até Black Sabbath com Laguna Sunrise. Guardamos conosco essa lembrança inesquecível.

Pois bem, vamos ao que interessa: Joquín Rodrigo (1901-1999) foi um pianista e compositor espanhol nascido na cidade de Sagunto, província de Valência. Cego praticamente desde infância, escreveu inúmeras obras e concertos conceituados. Uma de suas características mais marcantes é o colorido e a alegria de suas composições, algo realmente emocionante.

Escreveu Concierto de Aranjuez em 1939 e Fantasia Para Un Gentilhombre em 1954.

Minha mulher comprou Joaquín Rodrigo em vinil de um amigo há uns doze anos, uma edição de 1976 da Grammophon Deutsche que trouxe muita felicidade para nós.

Espero que baixe essa maravilha e sinta a alegria e emoção das composições executadas magnificamente por Narciso Yepes ao violão.

Obs.: a imagem acima reproduz a edição do LP mencionado, diferente da edição em CD.

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Christy Moore - Burning Times

2009-04-04T16:11:00.007-03:00

Despertei interesse pela música tradicional irlandesa depois que assisti ao filme... não lembro o nome. Tenho péssima memória para cinema.

Venho batendo na mesma tecla há algum tempo quanto a importância dos blogs e também da liberdade em baixar músicas. Se não fosse assim, dificilmente teria conhecido o Planxty e consequentemente um de seus ex-integrantes, o formidável Christy Moore.

Fiquei mais interessado por sua música quando, um dia, o vi no Jools Holland tocando uma música que falava sobre o ativista Chico Mendes e refleti naquele momento a respeito da música em geral, sua mensagem e o quanto ela transpõe as barreiras. Perguntei-me o porque um irlandês entoaria uma canção sobre um ativista brasileiro?

Acho que a resposta é bem mais simples do que poderia imaginar: quando falamos em música, não há tempo, não há nação, não há raça e nem credo. Isso me atrai demais e lembro-me que fiquei muito feliz em ver um gringo cantando algo que realmente tem importância brasileira, qualquer coisa que não mencione carnaval, futebol, samba ou mulatas.

Essa postagem nada tem a ver com o trabalho que comumente faço aqui no Câmara, que é basicamente tentar divulgar discos de bandas e músicos que considero relevantes. Apenas achei válido postar um belo trabalho de Christy Moore, lançado em 2006, pois se trata de um músico que citou certa vez um grande brasileiro, além de sua importância como músico, claro.

Em tempo: sou apolítico e nacionalista. Amo meu país, apesar dos pesares.

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Chroma Key - Dead Air For Radios

2009-04-04T15:36:00.006-03:00

O Chroma Key é a banda do ex-tecladista do Dream Theater, Kevin Moore, cuja sonoridade nada tem a ver com a de sua ex-banda. Portanto, não espere solos à velocidade da luz ou músicas em formato quebra-cabeça para tentar entender o que está acontecendo enquanto o CD rola.

Aqui, além de comandar as teclas, Moore ataca também de vocalista e muito bem, diga-se de passagem. Tudo bem que a sonoridade musical não exige muito das cordas vocais do sujeito, mas o resultado final é muito agradável e interessante.

Não sei dizer ao certo se é porque peguei certa "birra" de Dream Theater, mas o fato é que gostei muito da direção que Kevin Moore tomou, caso contrário teríamos hoje três Dream Theater (vale lembrar que Derek Sherinian, outro ex-tecladista do Theater, não conseguiu desvencilhar-se até hoje da sombra de sua ex-banda).

Dead Air For Radios é o primeiro trabalho do Chroma Key lançado em 1998 e sua sonoridade é soft, ambient e às vezes eletrônica, mas sem encher o saco com barulhinhos e sonzinhos para encher linguiça ou a cabeça daqueles que sofrem normalmente com a ressaca dos finais de semana.

Completam o time Mark Zonder (bateria), Jason Anderson (guitarra) e Joey Vera (baixo).

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Mahogany Rush - Strange Universe

2009-04-04T14:41:00.007-03:00

Strange Universe é o terceiro álbum do excelente trio canadense Mahogany Rush, lançado no ano de 1975.

Liderado pelo grande guitarrista e vocalista Frank Marino, que tinha apenas 19 anos naquela ocasião, o grupo apresenta muita personalidade nesse trabalho rock 'n' roll recheado de pitadas de blues e jazz-rock, fazendo a cabeça de qualquer amante do estilo que curta um bom rock 'n' roll com sofisticação.

Então ouça as pérolas Land Of 1000 Nights, Moonlight Lady, Strange Universe (fantástica!), Dear Music e Tryin' Anyway, minha preferida, e saque como esse Frank Marino toca muito, mas muito mesmo!

Tá certo que ele não é o único responsável por esse discaço, a banda é excelente, destaque total para o baixista Paul Harwood e o batera Jimmy Ayoub.

Às vezes me pergunto se não jogaram Maná demais naquelas terras canadenses pois o que nasceu de power trio por lá não é brincadeira!

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Wes Montgomery - Full House

2009-04-03T19:56:00.008-03:00

Definitivamente um dos pais da guitarra jazz, o americano Wes Montgomery (1925-1968) com seu estilo único e inconfundível de tocar guitarra, cuja sonoridade límpida e colorida influenciou e ainda influencia inúmeros guitarristas - gente como Pat Metheny e Steve Howe declaram seu apreço pelos trabalhos de Wes.

Autodidata, desenvolveu uma técnica de tocar guitarra pouco comum mesmo para a década de 50: invés de utilizar a palheta, fazia uso do polegar para tocar as cordas.

Em 1962 lançou esse Full House, uma gravação ao vivo em Berkeley, California, em 25 de junho do mesmo ano.

Apesar de sua curta carreira que durou entre 1958 e 1968, possui uma vasta discografia - quase trinta álbuns lançados.

É claro que audiófilos e aficionados por jazz conhecem de cor e salteado os trabalhos desse incrível guitarrista (o que infelizmente não é o meu caso), mas acho muito importante acessarmos esses trabalhos simplesmente por sua beleza, leveza e pelo prazer em ouvir uma guitarra tão pura e, porque não, tão virgem: sem efeitos, overdubs ou qualquer outra coisa que modifique o sinal entre o músico e as caixas acústicas. Delicie-se.

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Cream - Disraeli Gears

2009-03-30T18:39:00.005-03:00

Não basta dizer que o Cream foi um dos primeiros power trio da história do rock. Foi uma das primeiras formações virtuose do rock, ao vivo se libertavam do formato tradicional de suas canções e partiam sem dó nem piedade para improvisos furiosos onde Jack Bruce, Eric Clapton e Ginger Baker faziam jus ao nome da banda e à fama de supergrupo que haviam conquistado.
Muitas bandas fazem excelentes discos de estúdio, mas ficam mais conhecidos por suas explosivas apresentações ao vivo, como é o caso do Grateful Dead e Jimi Hendrix. Assim foi o Cream, uma banda que fez quatro álbuns de estúdio excelentes mas que teve seu maior reconhecimento por suas apresentações arrepiantes.
O trio influenciou dezenas de músicos ainda nos anos 70 e até hoje é referência para fãs de rock, jazz e blues, tamanha amplitude de sua música.
Disraeli Gears (1967) é seu segundo álbum, um dos dez discos mais importantes da história do rock. Ao lado de Jimi Hendrix e The Who no mesmo período, o Cream mudou os rumos do rock and roll. Foi como se tivessem tirado um grande trem cargueiro dos trilhos.
O impacto de sua música foi imediato, naquele momento ninguém tocava blues de forma tão pesada e com tanto improviso, marca registrada de seus integrantes mesmo após a dissolução da banda em 1968, após uma carreira meteórica.
Fizeram em dois anos o que duas centenas de bandas não conseguiram fazer em vinte.
Clássicos absolutos do álbum: Tales Of Brave Ulysses, Swlabr, World Of Pain, Strange Brew e, claro, Sunshine Of Your Love.

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Gordon Haskell - It Is And It Isn't

2009-03-29T21:22:00.012-03:00

Gordon Haskell foi vocalista e baixista do King Crimson em seu terceiro álbum, Lizard (1970).

Apesar de não ser o melhor da banda é o meu preferido. Gosto demais de sua voz e da orientação do disco. Porém, a coisa não engrenou entre ele e a banda e acabou pulando fora do barco sem ao menos fazerem uma única apresentação.

Sua influência folk não casava com os ideais musicais de Robert Fripp mas teve excelente resultado em It Is And It Isn't, seu álbum solo lançado em 1971.

Um álbum simplesmente lindo, singular e frágil. Uma peça rara perdida no meio de tantas atrações de peso daquele ano de 1971.

Além de belíssimo trabalho, contou com a participação de John Wetton no baixo, teclados e vocais, então membro do Family, e Alan Barry fazendo um belo trabalho de guitarra.

O disco todo é emocionante, com fortes influências do jazz. Vale a pena curtir todas as canções, mas duas delas matam a pau: Worms e Sitting By The Fire, com certeza duas peças que tocam meu coração e música boa não se ouve com os ouvidos...

Foi muito bom encontrar esse trabalho do começo dos anos 70 e matar a saudade de sua voz dos tempos de Lizard.

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Exmagma - Goldball

2009-03-29T20:33:00.006-03:00

Bom álbum do trio alemão de krautrock Exmagma. Lançado em 1974, Goldball apresenta muito experimentalismo, estruturas complexas baseadas no jazz e progressivo e um bom apanhado de músicas intrincadas com duração média ou pequena.

Formado pelo baterista de jazz Fred Braceful (ex-Et Cetera) e pelos multinstrumentistas Andy Goldner (guitarra, baixo, sax e vocal) e Thomas Balluff (teclados, trompete, flauta e vocal), o trio esbanja técnica e alucinação em várias músicas instrumentais.

O rolo de café com bolo toma um formato ainda mais interessante nas músicas Jam Factory For People Insane e Habits.

Para ser bastante sincero, esse trabalho não é muito fácil de ser digerido em primeira instância, mas pelo tamanho da loucura e doideira talvez com um pouco de sal Eno lá pela terceira ou quarta audição a coisa toda começa a ter ares de familiaridade.

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Wild Turkey - Stealer Of Years

2009-03-29T18:50:00.005-03:00

Após a separação da banda em 1974, o Wild Turkey hibernou por quase 20 anos e voltou à ativa em 1996, ano em que lançaram seu terceiro álbum, Stealer Of Years, quando fizeram alguns shows e novamente a banda separou.

Formado pelo baixista original do Jethro Tull, Glenn Cornick, e pelo vocalista Gary Pickford Hopkins, conhecido por sua passagem ainda nos anos 70 na banda de Rick Wakeman. Cornick e Hopkins recrutaram dois novos integrantes para essa volta da banda, o baterista Brian Thomas e o guitarrista Tweke Lewis.

Stealer Of Years é um ótimo disco de rock and roll para uma banda que ficou tanto tempo sem colocar o pé na estrada. Basta conferir a boa forma dos caras nas músicas The Battlefield, Wrap It up Take It Home, Riff Me Rock Me e (Whirlwind) Egyptian Romance, com uma ótima performance do guitarrista Tweke Lewis.

Em 2006 a banda retornou com o batera Clive Bunker, outro ex-Tull, e lançou o álbum You And Me In The Jungle, não tão bom quanto Stealer Of Years, mas foi uma boa oportunidade para colocá-los novamente nos palcos.

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Spirit - Spirit

2009-03-29T17:59:00.006-03:00

O Spirit foi uma banda americana muito legal que fazia um mix de rock and roll, hard, jazz e pitadas de psicodelia.

Fundado em Los Angeles, em 1967, era composto por Randy California (guitarra e vocal), Mark Andes (baixo), Jay Ferguson (vocal e percussão), Ed Cassidy (bateria) e John Locke (teclados).

O primeiro álbum homônimo foi lançado em 1968 e apresenta todo o ecletismo da banda nas canções Topanga Windows, Mechanical World, Girl In Your Eye, Gramophone Man e o épico Elijah, em seus mais de 10 minutos de duração, recheados de improvisos marcantes e pitadas de jazz, influência trazida pelo batera Ed Cassidy, 20 anos mais velho que o restante do grupo.

O grupo teve uma longa carreira que durou até meados da década de 90, mesmo passando por diversas mudanças de formação, mas tendo sempre Cassidy em todas elas.

Randy California teve grande sucesso como guitarrista ainda nos anos 70 e também nos 80's e faceleu em janeiro de 1997.

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Violeta de Outono - The Early Years

2009-03-29T17:19:00.006-03:00

O trio paulistano Violeta de Outono lançou em 1988 The Early Years apenas na Inglaterra, pela Voiceprint, contendo quatro versões fidelíssimas de clássicos absolutos do rock e uma faixa bônus gravada ao vivo em estúdio, fruto de ensaios.

Aqui estão Citadel, gravada pelos Stones no álbum Their Satanic Majesties Request (1967), Interstellar Overdrive do Pink Floyd, lançada em The Piper At The Gates Of Dawn (1967) e também no EP Tonite Let's All Make Love In London... (1991), Blues For Findlay do Gong, lançada em Continental Circus (1971), Within You Without You dos Beatles, do álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) e o belíssimo bônus Echoes/No Quarter, um crossover perfeito das duas músicas em uma sacada genial do Violeta de Outono.

Echoes foi gravada pelo Pink Floyd no álbum Meddle (1971) e No Quarter pelo Led Zeppelin, no álbum Houses Of The Holy (1973).

Músicos convidados participaram das gravações de Early Years, como o excelente tecladista Fábio Ribeiro, Livio Tragtenberg (sax tenor), Anderson Rocha e Mauricio Takeda (violinos) e Fábio Tagliaferri (viola).

O Violeta de Outono é um dos maiores orgulhos do rock brazuca e contava com o fantástico Fábio Golfetti (guitarra, sítara e vocal), Angelo Pastorello (baixo) e Claudio Souza (bateria).

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ELF - Elf

2009-03-29T16:43:00.005-03:00

O ELF foi a primeira banda do incrível vocalista nanico Ronnie James Dio muito antes de partir para o hard rock e posteriormente o heavy metal.

Os três álbuns da banda são verdadeiras porradas rock 'n' roll pautadas no blues e apresentou ao mundo um dos melhores e mais carismáticos frontman.

Elf (1972) é o debut da banda e trás também Dio tocando baixo, função que abandonou no álbum seguinte, Carolina County Ball (1974), quando adimitiram Craig Gruber.

Produzido por Roger Glover e Ian Paice, do Deep Purple, Elf apresenta muito feelig e despojamento em pauladas como Never More, First Avenue, Gambler,Gambler e Sit Down Honey (Everything Will Be Alright).

O bacana do álbum são os pianos de Mickey Lee Soule que dão uma quebrada no peso das músicas, e a guitarra rasgada de David Feinstein.

Completava o time o excelente batera Gary Driscoll.

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Deus Ex Machina - Cinque

2009-03-29T15:50:00.005-03:00

Quando se fala em progressivo atual sou extremamente radical e enfático: gosto de progressivo feito por grupos progressivos e não por bandas de heavy metal com influências progressivas.

Ter influências é uma coisa, nascer dentro do estilo é outra completamente diferente, portanto abomino veementemente os termos "metal progressivo" ou "progmetal" que sugerem a união dos dois estilos.

O termo rock progressivo não define somente uma subdivisão do rock, mas sim uma cultura à parte e até mesmo um conceito de vida. Não quero dizer com isso que os fãs de progressivo são "melhores" ou mais cultos que outros, mas é inegável a união e a movimentação que existe em torno de um estilo criado há mais de 40 anos e que tem como carro chefe o uso de instrumentos analógicos e um grande conceito artístico e musical cuja finalidade é escrever música visto como forma de arte.

E como toda forma de arte, também existe muita porcaria dentro do progressivo: músicos e bandas que deturparam o conceito original e queimaram um pouco o estilo.

É dentro dessa ótica que o Deus Ex Machina comparece pela segunda vez aqui no Câmara com Cinque, último trabalho lançado em 2002 por essa formidável banda italiana.

A genialidade desses caras ultrapassa até mesmo o sentido linguístico pois todas suas músicas são cantadas em latim. Sem palavras para definir a importância de tal atitude.

E mais: o Deus Ex Machina continua fiel em sua proposta e apresenta em Cinque temas e mais temas de tirar o fôlego.

Ouça pérolas como Uomo Del Futuro Passato, Convolutus, De Ortinis Ratione e Olim Sol Rogavit Terram I, com um belíssimo trabalho de guitarra e teclados sobre uma estrutura intrincada e tempos malucos.

Formação: Claudio Trotta (bateria), Alessandro Porreca (baixo), Maurino Collina (guitarra), Alessandro Bonetti (violino), Fabrizio Puglisi (teclados) e Alberto Piras (vocais).

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