Sem Atualizações.

Em vários momentos da vida temos que tomar decisões importantíssimas e fazer escolhas idem.
Quem acompanha o Câmara tem notado a escassez de postagens nos últimos meses, em especial no último trimestre, e, em decorrência dessa grande ausência de minha parte e o respeito e carinho que tenho por todos os amigos que fiz através desse meio virtual, quero comunicar que o Câmara de Eco ficará inoperante por período indeterminado.
Minha indisponibilidade de tempo me impede de prosseguir com as inúmeras postagens e pequenos projetos que estava arquitetando para o blog.
Depois que comecei a cursar a faculdade, o tempo e as prioridades mudaram drasticamente e nesse processo o Câmara acabou ficando em segundo plano.
Aliás, não foi uma decisão fácil de minha parte, por isso escolhi a frase do Spencer Johnson para ilustrar bem a situação: "Quanto mais importante seu queijo é para você, menos você deseja abrir mão dele".
Abrir mão do Câmara de Eco é abrir mão de um canal que me trouxe inúmeras riquezas, sem precisar receber um centavo para tal.
Aqui eu conheci inúmeras pessoas legais e geniais, algumas arrogantes que não merecem nem o meu desprezo e outras tantas que participaram, opinaram e contribuíram para ótimo nível do blog.
Sim, eu posso dizer com muito orgulho que o Câmara de Eco é muito bom, com participações de excelente nível.
Tudo era planejado: desde a escolha da postagem até as imagens mais adequadas, condizentes com o período abordado pelo texto.
Agradeço de coração a todos que colaboraram com o blog nesses quase dois anos de atividade e quero deixar uma mensagem aos leitores: nunca deixe de imprimir sua opinião e dizer o que pensa. Assim como disse Sly Stone em Woodstock, não espere que o sujeito ao seu lado o faça por você.
Saiba que defender seu ponto de vista e colocar isso de forma adequada no papel pode levá-lo a lugares surpreendentes, e não importa se você escreve sobre carros, música ou futebol: sempre deixe bem claro a sua opinião.
Abraços!

War - The World Is A Ghetto

Tal qual o Funkadelic, Earth Wind & Fire ou o Sly & Family Stone, o War é uma das formações mais envolventes e suntuosas do vasto cenário musical dos anos 70, principalmente aquele composto por super grupos que nasceram nas raízes do blues, funk, soul, música latina e jazz.
O War jogou todos esses elementos dentro do liquidificador e apresentou ao público uma incrível proposta musical, politizada inclusive, em seus primórdios via parceria com Eric Burdon, ex-Animals.
Mesmo com sua saída a banda seguiu em frente com ótimos trabalhos, dessa vez com acento mais funk do que nunca, sem deixar de lado os elementos originais de sua música, capitaneados pelo tecladista e vocalista Lonnie Jordan. The World Is A Ghetto (1972) é seu terceiro trabalho e um dos mais importantes do estilo, item fundamental em qualquer coleção.
Músicas como The Cisco Kid, City,Country,City, Beetles In The Bog e a faixa-título, com seus dez minutos de puro êxtase e prazer, levam qualquer bunda mole rocker, como eu, a abrir a cabeça e ver que música boa não se resume a guitarras distorcidas e solos intermináveis de teclado.
Eu quero que todos os conceitos musicais vão para as cucuias, War é do "baralho"!

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Pedro Jácome e Sua Guitarra Apurada.

Pedro Jácome é guitarrista de João Pessoa/PB, tocou durante os anos 80 e 90 nas bandas Domber e Ponta de Espinho, além de produzir seus próprios trabalhos solo. Atualmente é integrante da Jazzmine Garden Band e investe em projetos paralelos. Um deles foi editado em CD em 2007 sob o título 80/2.
Com muita personalidade, feeling, técnica e muito bom gosto, Pedro apresenta em 80/2 uma boa série de músicas instrumentais que deixariam muitos guitarristas metidos a besta, com muita inveja.
Além disso, faz uso de diversos timbres – um deles se assemelha aos de uma Gibson semi-acústica – e também toca baixo no disco, que contou com a participação do baterista Dennis “Batera” e os convidados Junior Farias (gaita) e Olivier Barault (piano).
Pedro concedeu uma entrevista ao Câmara, onde fala sobre sua carreira, formação e idéias musicais.

1. Seu trabalho 80/2 é bem regular e apresenta uma ótima mescla de rock, jazz e blues. Qual é seu critério de composição para equilibrar muito bem esses estilos?
Não há planejamento, é uma coisa meio mística e ocorre quando eu pego o violão de aço ou a guitarra, dependendo do espírito do dia, e um riff já sai pronto. Daí para a composição mesmo, é ralação, com a busca das harmonias e arranjos. A parte final é sempre a mais divertida: improvisar sobre essa nova composição. Os solos do 80/2 são em sua maioria improvisos imprevistos, imprecisos.

2. Como é o cenário no NE para músicos instrumentais, como você, e quais são as facilidades e dificuldades em sua região para esse mercado?
Já ouviste aquela frase "é uma música só instrumental"? Essa parte dói um pouco, pois o "só instrumental" descreve muito bem como a música é interpretada normalmente. Música que não é canção, ou seja, a junção de harmonia e voz, é considerada como incompleta, ou "só instrumental". Apesar disso, aqui no NE há alguns espaços bem aproveitados como o Festival de Jazz de Garanhuns, em Pernambuco, o Festival de Inverno em Campina Grande e o Jazz&Blues que ocorre em Guaramiranga, no Ceará.

3. Em que momento você atingiu a maturidade musical para escrever suas composições e como foi seu início de carreira?
Aqui eu copio um pouco a resposta de Chico, o Buarque, para essa mesma pergunta: foi desde que decidi tocar um instrumento. Como não consigo reproduzir bem as músicas das quais gosto, acabo sendo forçado a compor as minhas. Estas eu toco melhor que ninguém, ao menos por enquanto. Comecei com uma turma de amigos, fazendo muito rock´n´roll nas garagens e porões de Campina Grande na década de 80. Ainda hoje fazemos, quando é possível reunir toda a turma.

4. Uma das músicas que mais gostei em 80/2 é o blues O Solzinho e a Luana, lembrando bem o estilo melódico de Gary Moore. Entre o jazz e o blues, qual é o estilo que mais lhe influenciou?
Inicialmente o blues, sem dúvidas porque é mais básico, no sentido de raiz, essência. Depois é que veio o jazz (que conheci a partir da bossa de João Gilberto), pelos horizontes largos que nos dá.

5. Quais são seus projetos para o futuro próximo e qual foi o retorno de 80/2?
Estudar. Sinto que não conseguiria fazer outro disco sem ter revisado suficientemente o material que uso. Mesmo as composições básicas que vêm sem controle, estão sendo registradas minimamente, apenas para que não as esqueça. Tocar. Encontrar companheiros para essa e outras empreitadas. O 80/2 me trouxe grande satisfação pessoal, apesar de todas as suas falhas. Ôpa, com isso vejo que trouxe também experiência.

6. Quero agradecer sua atenção e cordialidade. Esse espaço é para suas considerações finais.
Ricardo, então estamos quites. Eu te agradeço de volta, pelo teu esforço de divulgação de novos e velhos sons. Sei que não é fácil, mas acreditamos e por acreditar realizamos. Não é assim?

Entre em contato com o Pedro através de seu Myspace: http://www.myspace.com/463789272

Lá é possível ouvir algumas músicas de 80/2 ou então bater um papo com ele.

Mirthrandir - For You The Old Women

O progressivo americano é uma perna do estilo, o qual nunca dei muita bola, erroneamente, é claro. Depois que comecei a procurar por algumas bandas pelas terras dos yankees venho encontrando algumas surpresas mais que agradáveis.
Esse é o caso do surpreendente Mirthrandir, com seu ótimo e único álbum lançado em 1975, intitulado For You The Old Women.
Formado em 1973 em Nova Jersey, a banda contava em sua formação com o baixista James Miller, o tecladista Simon Gannett, os guitarristas John Callahan e Alan Benjamin, o batera Robert Arace e o excelente vocalista John Vislocky III.
Apesar de exagerar um pouco em alguns momentos, Vislocky chama a atenção por seus vocais agudos e possantes, uma ótima marca do som da banda.
Além disso, o Mirthrandir segue à risca a escola inglesa do progressivo e despeja uma boa dose de progressivo ora sinfônico, ora intrincado.
Devido à pouca repercussão, a banda se desfez em 1977 e, curiosamente, após o relançamento em CD em 1992 desse trabalho postado, empolgou-se e voltou à ativa com a formação quase original.

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Ange - Au-Delà Du Délire

Essa banda francesa, fundada e liderada por Christian Decamps, faz um trabalho teatral, dramático, narrativo, original e inquietante. São longos anos de estrada que começaram em 1970 permanecendo em atividade até 2005, resultando em nada menos que 37 trabalhos editados, entre LPs e CDs de estúdio, apresentações em festivais e gravações ao vivo.
No entanto, como quantidade nunca foi, ou será, sinônimo de qualidade e desconheço a maioria dos trabalhos, posso apenas manifestar minha preferência pelo Au-Delà Du Delire, pelo Emile Jacotey e pelo Le Cimetière des Arlequins, nessa respectiva ordem.
Não existe qualquer outra banda de Progressivo que se possa relacionar, ou comparar, com o som dessa genial banda, talvez o Atoll (outra banda francesa) no LP “L'araigne-mal” e assim mesmo, com muitas reservas. Também não adiantaria eu me utilizar de qualquer rótulo musical na tentativa de definir o som do Ange.
Poderia arriscar, sob risco de severos protestos, que o Ange possui uma leve semelhança musical com algumas bandas italianas, acrescida de uma "pitada" de Gentle Giant e uma leve "untada" de Van der Graaf, mas essa receita, torna-se de pouca valia e não faz justiça a genialidade musical dessa excepcional banda francesa.
Ange não existe para ser apenas escutado, deve ser ouvido! Não existem na obra que aqui divulgo, grandiosos solos, ou evidentes virtuosismos musicais. O que existe, são belíssimos arranjos, uma ampla criatividade e uma evidente predominância do vocal e suas inumeráveis "filigranas" artísticas sobre os demais instrumentos.
Em suma, Ange é uma experiência única que deve ser degustada lentamente, pois a cada nova audição, uma nova realidade se desdobra.

Músicos:
Jean-Michel Brezovar: Guitarra
Christian Decamps: Piano e Vocal
Francis Decamps: Teclados e Vocal
Gérard Jelsch: Bateria e percurssão
Daniel Haas: Baixo
Henry Loustau: Violino
Eric Bibonne: Vocal
Michel Lefloch: Vocal

Músicas:
1. Godevin Le Vilain
2. Les Longues Nuits D'Isaac

3. Si J'étais Le Messie

4. Ballade Pour Un Orgie
5. Exode
6. La Bataille Du Sucre (Inclus La Colere Des Dieux)

7. Fils De Lumière

8. Au-Delà Du Delire

[MP3_320 kbps - CBR - Stereo]

Texto: Mercenário

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Nine Days Wonder – We Never Lost Control

Consegui essa preciosidade numa viagem que fiz há muitos anos, ao maravilhoso estado do Rio Grande do Sul. Observei a capa e por pouco não ficou na caçamba da loja, mas por sorte resolvi ouví-lo. Em menos de 1 minuto, deu para perceber que estava diante de um som original e genial. Na medida em que passava pelas faixas, percebi que havia sido agraciado com uma banda que tinha pelo menos 4 músicas, que eram com freqüência executadas na saudosa Eldo-Pop (Radio FM no R.J.).
N.D.W. foi uma banda alemã que gravou pela Bellaphon, possuindo uma discografia de quatro discos. Nine Days Wonder (71), We Never Lost Control (73), Only the Dancers (75), Sonnet to Billy Frost (76), dos quais só conheço os dois primeiros, sendo o segundo o meu predileto.
Trata-se de um Progressivo, com forte influência de Fusion, Hard e Psicodelismo. É um trabalho extremamente original e competente em seus arranjos, bem como na evolução melódica, sem perder, no entanto, o enfoque da proposta do Progressivo Alemão.
Esses cinco alemães fazem um som encorpado, maduro e repleto de dissonâncias ao estilo Gentle Giant e Van der Graaf. No entanto, a evidente condução pelos teclados e a (eventual) discordância com os saxofones (genialmente contrapostos por Münster), pode não agradar a todo o ouvinte, por trazer um sentimento de conflito e conturbação, chegando a parecer até excessivamente experimental. Mas felizmente o trabalho no geral acaba ficando muito bem equilibrado, com o auxílio de uma guitarra genial (belíssimos temas e bom gosto no uso dos pedais), de um baixo e uma bateria de respeito e um vocal em inglês muito bem elaborado.
Não vou recomendar nenhuma música para audição em especial, pois estamos falando de um disco perfeito do início ao fim. A única exceção seria quanto a Fisherman’s Dream, na qual peço especial atenção à letra.

Músicos:
Walter Seyffer: Vocal, percussão e efeitos
Michael Bundt: Baixo
Hans Frauenschuh: Guitarra
Hyazintus: Bateria
Freddie Münster: Saxes, Piano, Orgão, Mellotron, Moog e Sintetizadores.

Músicas:
1- Days In Bright Light – 5:32
2- Fisherman’s Dream – 3:49
3- Andromeda Nomads – 5:30
4- The Great Game – 3:27
5- Angels Due To Arrive – 4:30
6- We Grasp The Naked Meat – 9:11
7- Armaranda – 3:22

[@320 kbps – CBR - Stereo]

Texto: Mercenário

Senha/password: camaradeeco.blogspot.com

V.A. - Peter And The Wolf

Esse trabalho foi baseado na obra Pedro e o Lobo de Sergei Prokofiev (1891 – 1953). Composta em 1936, foi originalmente concebida com intuito pedagógico de familiarizar as crianças aos sons dos instrumentos.
Como se trata de uma estória musical, cada música é dedicada a um personagem ou a uma determinada situação, que são introduzidas por um narrador. A narração na versão em inglês, ficou sob a responsabilidade de Viv Stanshall.
A título apenas de curiosidade, tem gente que confunde “as bolas” e acaba espalhando por aí, que existe uma versão em português narrada por Roberto Carlos, puro engano, nunca existiu uma versão em português desse trabalho. O que existe na verdade, é uma versão clássica, em português, narrada pelo “Rei” Roberto, gravada pela CBS no ano de 1970, executada pela New York Philharmonic e regida por Leonard Bernstein.
Jack Lancaster e Robin Lumley (idealizadores do presente projeto) convidaram um naipe de músicos de respeito e desenvolveram essa adaptação para o Rock dessa magistral e eterna obra infantil.
Muito embora, todos os integrantes do Brand X participem desse trabalho, não existe qualquer semelhança com o som do Brand X. Em razão da diversidade de estilos e técnicas (dos músicos convidados) o resultado é uma fusão perfeita e irretocável entre rock, progressivo e clássico.

Personagens e músicos:
- Narrador / Viv Stanshall
- Peter / Manfred Mann
- Bird / Gary Brooker
- Duck / Chris Spedding
- Duck / Gary Moore
- Cat / Stephane Grappelli
- Wolf / Brian Eno
- Pond / Keith Tippett
- Grandfather / Jack Lancaster
- Hunters / Jon Hiseman, Bill Bruford, Cozy Powell, Phil Collins

Musicos adicionais:
- John Goodsall, Pete Haywood, Alvin Lee / guitarra
- Percy Jones, Andy Pyle, Dave Marquee / baixo
- Robin Lumley / teclados
- Cozy Powell & Phil Collins / bateria
- Bernie Frost, Julie Tippetts, The English Chorale / vocais

Enfim, trata-se de uma verdadeira raridade do Rock Progressivo, que chegou a ser lançada no Brasil em LP em 1976, com um magnífico encarte, muito bem ilustrado por Mike Cosford. Infelizmente, (que eu saiba) até a presente data, não existe qualquer edição em CD, que tenha sido editada com o respectivo encarte.
No entanto, para felicidade geral dos admiradores dessa preciosidade, estamos disponibilizando em primeira mão no formato 12cm x 12cm, o encarte na íntegra, obtido de uma versão em vinil de origem inglesa. (Não tem texto em português).
São doze imagens que podem com alguma habilidade (no Corel Draw) e paciência, serem montadas na forma de livreto.
Espero que apreciem.

Texto: Mercenário

Download Flac* parte 1 / parte 2 / encarte
Senha: camaradeeco.blogspot.com/

*FLAC (Free Lossless Audio Codec).
Trata-se de um compressor de áudio, onde não há perda de informação, além de alcançar uma elevada taxa de compactação. Isso implica em dizer que toda a informação sonora contida na matriz (CD original) foi efetivamente aproveitada, resultando em arquivos do tipo “Wave”, de alta qualidade, prontos para serem transferidos para um CD de áudio. Para baixar o programa gratuito para descompactar ou compactar arquivos em FLAC, visite: http://flac.sourceforge.net/

Deep Purple - The Soundboard Series (6 CD's box set)

Vou começar a postagem arrumando confusão: não consigo entender como existe tantos comentários na internet descendo a lenha no Steve Morse e ainda assim a banda é um verdadeiro sucesso de público em todo o mundo. Será que todos os fãs que assistem aos shows da banda vão por inércia?
Quero deixar bem claro que respeito a opinião de todos, mas aqui vai a minha: sou fã de Deep Purple desde meus 11 ou 12 anos e claro, Ritchie Blackmore sempre desfilou na minha lista de guitarristas preferidos.
Com o tempo comecei a sacar que além de excelente guitarrista, é também um mala sem alça e uma figura que estava emperrando a evolução da banda, e não é à toa que gosto demais do Purple, pois a considero diferenciada das demais e sua música apresenta sacadas geniais e inteligentes em inúmeros momentos.
Slaves And Masters (1990) é um lixo, uma mancha negra na discografia do grupo. Parece mais um disquinho daquelas bandas de hard americano de péssima categoria, sem brilho, sem punch e pior, totalmente comercial. Em Battle Rages On... (1993) a coisa começa a engrenar, não é excelente, mas é no mínimo honesto e tem bons momentos.
Então vem a história que todos já estão carecas de ler, a traumática saída de Blackmore.
Sinceramente fiquei triste na época em ver meu guitar hero fora da banda, mas quando ouvi as primeiras músicas de Purpencicular (1996) no programa Backstage, do Vitão Bonesso, senti orgulho novamente de minha banda (talvez) preferida.
Steve Morse foi a escolha ideal, tá certo que ele se excede um pouco, mas trouxe nova alma e roupagem para a banda, as músicas ganharam maior complexidade e novo direcionamento sonoro, sem deixar de ser o bom e velho rock and roll.
Além disso, graças à Deus os caras mudaram o repertório, algo impossível nos tempos de Blackmore.
The Soundboard Series (2001) é uma box maravilhosa contendo seis CD’s duplos, gravações completas de shows da perna asiática e oceania da turnê de 2001, sendo que dois deles gravados em Tokyo trás o Concerto For Group And Orchestra com alguns detalhes um tanto diferentes da versão que saiu no CD In Concert With The London Symphony Orchestra.
Afiadíssimo, como sempre, o Purple desfila versões poderosas de Fools, Mary Long, 69’, Hey Cisco, When A Blind Man Cries e outras que nem sonharíamos ouvir um dia se Blackmore estivesse na banda.
Ronnie James Dio participa dos shows no Japão e aí vem algumas pauladas de tirar o fôlego: a belíssima Sitting In A Dream, Love Is All e o hino de muito headbanger, hoje com mais de 40 anos, Rainbow In The Dark.
Aliás, ouvir o Purple como banda de apoio de Dio é uma experiência no mínimo emocionante, tive a oportunidade de presenciar isso em 2000 quando a banda visitou o Brasil e tocou com a Orquestra Jazz Sinfônica de São Paulo.
Essa tour foi uma espécie de despedida de luxo para Jon Lord e digo que foi tão corajosa quanto o lançamento do primeiro “Concerto” em 1969, devido a complexidade das apresentações e também pela ousadia musical, ainda que em pleno anos 2000.

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Jazz Is Dead, Uma Grande Homenagem Ao Grateful Dead.

O Grateful Dead é, sem dúvida, a mais importante banda da era psicodélica que conseguiu manter-se em atividade por anos a fio, embora tenham lançado alguns trabalhos de qualidade duvidosa nos anos 80, mas que não comprometeram a sua força motriz: as apresentações ao vivo.
Os caras eram incríveis, não se prenderam àquela ladainha hippie e mandavam bala em apresentações recheadas de longos improvisos, embalados por viagens de ácido e simplesmente porque eram músicos excelentes e competentes.
Não é uma crítica ao movimento hippie, pelo contrário, sou fascinado pela arte daquele período. Só acho um tanto ridículo essa história de paz e amor nos dias atuais pelo fato de vivermos em outra época e soar um bom tanto fora de contexto.
Enfim, o Grateful Dead é tão respeitado que chegou ao ponto de uma turma ligada ao jazz criar uma banda tributo, intitulada Jazz Is Dead.
Os caras lançaram três álbuns ao vivo e instrumentais: Blue Light Rain (1998), Laughing Water (1999) e Great Sky River (2001).
A trupe era composta por Jimmy Herring (guitarra, Allman Brothers), T. Lavitz (teclados, Dixie Dregs e Steve Morse Band), Alphonso Johnson (baixo, Weather Report e Santana) e Billy Cobham (bateria, Mahavishnu Orchestra).
Já no segundo álbum, Billy Cobham foi substituído por Rod Morgenstein (Dixie Dregs) e no terceiro outro baterista foi adicionado, Jeff Sipe (Phil Lesh And Friends), além de contar com algumas participações especiais, como a do guitarrista do Allman Brothers, Derek Trucks.
Se você é fã do Dead e também de jazz rock vai se deliciar com esses trabalhos magistrais e vai se ligar que, de fato, tem tudo a ver uma turma do jazz homenagear a obra desse monstro do rock and roll.
Essa postagem é dedicada ao meu amigo Marinho Zamarian, que certa vez disse que se o mundo acabasse queria morrer deitado na grama ouvindo Grateful Dead!

Blue Light Rain
Laughing Water
Great Sky River

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Citizen Cain - Serpents In Camouflage

Na minha singela opinião, Citizen Cain foi uma das melhores surpresas no que se refere as bandas de Progressivo surgida na década de 90.
Formada inicialmente por cinco músicos escoceses, eles fazem um progressivo de primeira qualidade, ficando evidente ao longo de toda a obra, que são músicos extremamente competentes e criativos. Inclusive o próprio Cyrus (vocalista) incumbiu-se até de executar a arte das capas. A arte do Cyrus, (embora possua uma forte influencia do mestre Salvador Dali), está repleta de bizarros elementos religiosos, místicos e míticos, que chegam a perturbar.
Em Serpents In Camouflage (meu preferido), é impossível não comparar com a obra do Genesis ou do Marillion. No entanto, mesmo existindo uma forte influência dessas bandas na concepção da linha melódica, Citizen Cain, desenvolve um trabalho com personalidade própria, forte, criativa, repleta de exemplares arranjos envolvendo incontáveis momentos e movimentos de grandiosa beleza e técnica.
A semelhança do vocal do Cyrus com Peter Gabriel é evidente, mesmo assim, Citizen Cain impressiona, extrapolando muito os limites daquilo que se poderia rotular como um simples clone.
São belíssimos solos de guitarra, intercalados e entrecortados por muitos solos de teclado, cuidadosamente tecidos em uma trama complexa, onde o vocal interage verdadeiramente como um instrumento, sem se sobrepor aos demais instrumentos.
Desse “caldo” homogêneo, pois todos participam das composições, surge o verdadeiro e bom progressivo, repleto de nuances e variações propícias a uma longa e prazerosa “viagem”.
Infelizmente Citizen Cain, padece do mesmo mal que assombra ou assombraram outras tantas bandas: a inconstância de seus integrantes. Esse fato não contribui favoravelmente ao amadurecimento musical, nem tão pouco, a formação de uma personalidade própria tão necessária a uma banda que pretenda se destacar no universo do Progressivo. Em razão disso, cada um dos trabalhos do C.C. possui características absolutamente distintas e às vezes, não tão geniais.
Citizen Cain, apenas no Serpent In Camouflage é composto por:

Frank Kennedy: guitarra
David Elam: baixo
Stuart Bell: teclados
Chris Colvin: bateria
Cyrus: vocal e letras

Texto: Mercenário

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Casa Das Máquinas – Lar De Maravilhas

Estávamos em 1975, a repressão política e o subseqüente cerceamento do direito de expressão eram atos rotineiros e considerados legítimos pelos governantes, Médici (1969-1974) e Geisel (1974-1979). Para quem não era nascido ou era muito pequeno, é muito difícil entender o quadro político e social daquela época.
Somente para exemplificar, não se podia ler aquilo que não fosse do interesse do “Poder” constituído. Eu mesmo, nesse período, somente conseguia ler alguns dos exemplares do periódico e alternativo Jornal Pasquim (que contava com uma equipe de respeito, como Paulo Francis, Tarso de Castro, Jaguar, Ziraldo, Millôr Fernandes, Henfil, Ferreira Gullar e muitos outros.), graças à astúcia do jornaleiro da esquina, que às vezes conseguia esconder um único exemplar antes de a edição ser retirada de circulação. Fazia-se fila de espera para termos acesso aos raros exemplares “caçados”, que eram avidamente lidos, escondidos dentro da própria banca.
Cabelos longos eram sinônimos de maconheiro, marginal, bicha ou subversivo, verdadeiros inimigos internos. Uma simples e descuidada opinião em um bar, poderia ser o passaporte para um recolhimento involuntário e por vezes eterno no DOI-CODI (Destacamento de Operações de Informações - Centro de Operações de Defesa Interna).
Bom esse preâmbulo, visa apenas reforçar os comentários do Lucon, na postagem de Casa de Rock. Não era uma época fácil, principalmente para as artes, fossem literárias, gráficas ou musicais.
Mas vamos ao que interessa. O Casa das Máquinas, com o seu 2º LP (Lar de Maravilhas) consolidou o conceito do que deveria ser o verdadeiro progressivo brasileiro. Na minha opinião, foi o melhor trabalho da banda e sem sombra de dúvida alguma, uma das melhores bandas de Rock Progressivo, senão a melhor, que o Brasil já teve.

“Já se pode sentir embora longe, os reflexos de uma revolução biológica, que vai se agigantando a cada momento que passa. A vida esta se modificando. A luz da transformação vem de todos os espaços, vem do infinito, onde máquinas e homens jamais conseguirão registrar ou ver, vem também do interior do próprio homem, onde Raio X de ciência alguma poderá revelar.”
(B.J.Aroldo)

Acredito que o texto acima, retirado da capa interna do LP, seja suficiente para evidenciar o quão estava adiantada a mentalidade dos integrantes dessa fantástica banda. As excelentes letras, os primorosos arranjos e o flagrante virtuosismo dos músicos, são uma constante em todo o LP.
Lamentavelmente, provavelmente por pressão da gravadora (Som Livre) e a nova formação da banda, o Casa das Maquinas não deu continuidade à linha progressiva, dando maior ênfase ao Rock.

Texto: Mercenário

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Kyrie Eleison - Fountain Beyond The Sunrise

Kyrie Eleison é uma expressão grega que significa “senhor, tende misericórdia de mim”.
Formada em 1974 por três amigos de escola: Gerald Krampl (teclados), Felix Rausch (guitarras) e Karl Novotny (bateria) juntamente com Wolfgang Wessely (vocal) e Gerhard Frank (baixo) iniciaram a estrutura musical do Kyrie Eleison. Somente um ano depois, com a saída do guitarrista, do baixista e do vocalista e o ingresso dos músicos Manfred Drapela, Norbert Morin e Michael Schubert é que começaram a efetivamente excursionar pela Áustria, nascendo em 1976, o projeto de lançar um primeiro LP que somente se concretizaria em janeiro de 1977. Nesse ano abriram muitos concertos com bandas já renomadas como Van der Graaf, Amon Düül, Eela Craig, Colosseum. Mas infelizmente, o álbum não decolou, vendendo pouco mais de mil cópias, resultando em 1978 no abandono da carreira musical por parte de Karl Novotny and Manfred Drapela, não tardando, em que pesasse os esforços de Gerald no definitivo encerramento do Kyrie Eleison.
É uma excelente banda austríaca, onde logo de cara percebe-se uma evidente semelhança estilística com o Genesis. Na verdade, essa obra, em particular, faz lembrar os primeiros trabalhos (Nursey Crime, Foxtrot e até mesmo o Trespass).
Trata-se de Rock progressivo de primeira linha, não cabendo em hipótese alguma, questionar a originalidade e competência da banda em razão da evidente influencia do Genesis.
Kyrie Eleison mescla com maestria suaves e melódicas passagens de piano, órgão e Mellotron com um som mais encorpado e pesado. Muito embora exista uma nítida condução da linha melódica pelos teclados por parte do Gerald Krampl, a maturidade musical da banda torna-se evidente, na exemplar e perfeita harmonia e sincronia entre a condução do teclado, e as performances da guitarra, baixo, batera e vocais.
Os vocais do Michael Schubert (é isso, no plural mesmo), são uma experiência ímpar e digna de nota. Suaves, elegantes e teatrais como Peter Gabriel, mas em algumas passagens visceral e angustiante como Peter Hammil (Van der Graaf).
Enfim, é uma obra que não pode faltar no acervo de quem aprecia um bom Progressivo.

Músicos:
Manfred Drapela - Acoustic & Electric Guitars, Backing Vocals
Gerald Krampl - Keyboards, Synthesizers, Mellotron, Backing Vocals
Norbert Morin - Bass, Bass Pedals, Acoustic Guitar
Karl Novotny - Drums, Percussion, Backing Vocals
Michael Schubert - Lead Vocals, Percussion

Texto: Mercenário

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Novidades no Câmara de Eco.

Todos os campos de atuação requerem mudanças e melhorias, com o objetivo de alcançarmos e também oferecermos melhores resultados e qualidade.
Isso não é diferente em nossas vidas pessoais ou no trabalho de um simples blog musical: temos sempre que buscar o aperfeiçoamento, ainda que isso exija abdicarmos de algumas coisas para colhermos no futuro melhores resultados.
Você pode observar que as postagens no Câmara estão escassas ultimamente e isso não é sinônimo de relaxo. Pelo contrário, estou com o tempo minimizado para trabalhar no blog, pois me orgulho em dizer que ingressei na Fatec, mesmo depois de quase 15 anos fora de uma sala de aula, e estou me dedicando profundamente aos estudos, pois assim espero poder aperfeiçoar meu intelecto e me tornar um ser humano melhor.
Algumas coisas na vida são muito interessantes: justamente agora, no momento mais difícil do blog, conheci uma pessoa de altíssimo nível musical e intectual que se propôs em colaborar com o Câmara.
Ele prefere permanecer no anonimato, assinando os textos como “Mercenário”, e suas opiniões e características se enquadram perfeitamente no modelo proposto pelo Câmara.
Pois bem, esse é o momento certo para o blog dar um passo à frente e de hoje em diante o Câmara não será mais conhecido por ser o “blog do Lucon” apenas, mas sim do Lucon e Mercenário.
Vamos trabalhar juntos para oferecermos mais música, mais informações e muito mais troca de idéias e opiniões para que você, sempre amiga e amigo do Câmara, possa desfrutar de algum tempo de lazer e diversão frente ao computador.
Mercenário, seja bem vindo ao Câmara de Eco, lugar onde você, acima de tudo, irá conhecer e interagir com pessoas fantásticas e fará grandes amigos!

Eis a biografia do Mercenário:

Nasci no Rio de Janeiro (antiga cidade maravilhosa). Passei parte da minha infância e adolescência, em Ipanema, surfando de Longbord (uma Health Ways - Australiana de 3,5 metros e 20 Kg de peso) e ouvindo Rock.
Interessei-me pelo Hard Rock aos 12 anos atraído pela trilha sonora dos filmes de surf, que geralmente consistia-se em Robin Trower, Hendrix, Cream, Mountain e por aí vai.
Mas foi através da arte gráfica das capas dos LPs, em especial a arte do Roger Deam, que conheci o Progressivo. Ao ver a capa do Tales From Topographic Ocean do Yes, enlouqueci. Juntei grana e comprei minha primeira versão desse clássico do Progressivo. Começava então, minha paixão pelo progressivo. Daí pra frente, não escutei mais nada que não fosse Progressivo, Rock e Blues.
Não demorou muito descobri uma rádio em FM (não existiam muitas estações naquela época), mas essa rádio, só divulgava o tipo de música que eu gostava. Essa rádio chamava-se Eldo-Pop. Dedicava-se exclusivamente a divulgar Progressivo, Eletrônico, Rock e Blues. Essa rádio, cuja produção musical estava sob a responsabilidade do saudoso Big Boy, foi a minha e de toda uma geração, a grande orientadora musical naquela época. Tocava de tudo, mas não se preocupava em divulgar o nome das bandas. Executava músicas do Mike Oldfield, Yes, Banco, PFM, Mahavishnu, Pell Mell, Gentle Giant, Genesis, Focus, dentre muitos outros, que até hoje não sei o nome e a origem. Decorridos mais de 30 anos do término da Eldo-Pop, seus ouvintes ainda buscam e trocam informações sobre aquelas bandas não identificadas.
Em razão da minha profunda admiração pelo pioneirismo da Eldo-Pop, dedico todas as minhas contribuições musicais publicadas nesse Projeto, aos produtores musicais, aos colaboradores e a todos aqueles que colaboraram de alguma forma para a divulgação da boa música no Rio de Janeiro. Sem a iniciativa e o esforço pessoal de cada um daqueles que participaram da Eldo-Pop, toda uma geração contando com mais de 40 anos e seus descendentes, estaria hoje, ouvindo o lixo auditivo, de consumo imediato imposto pelas gravadoras e protegido por leis absurdas e protecionistas a MPB, que em nada contribuem ou favorecem aos verdadeiros e bons músicos brasileiros.
Bom, era isso aí. Sinto-me honrado em poder contribuir com o Projeto do Lucon (que gentilmente aceitou-me como colaborador) e espero que minhas modestas colaborações no Câmara de Eco, sejam do agrado de todos.

Pax, Harmonia et Sapientia.

Um AbraçO!

Mercenário
06/09/2009

Da Capo - Da Capo

Da Capo é uma banda alemã obscura do começo dos anos 70, com uma trajetória meteórica: gravaram seu único LP homônimo em 1970 em um pequeno estúdio, utilizando apenas dois canais para tal.
Sem recursos para divulgar o trabalho, venderem algumas cópias do LP em seus shows e mais um outro tanto em pequenas feiras de Nürnberg.
Mediante o fracasso comercial e abalados pelo desânimo, jogaram o resto da tiragem dos LP’s em um contêiner e colocaram um ponto final na curta carreira do grupo.
Apesar da época e dos poucos recursos financeiros, até que a qualidade de gravação ficou boa e, musicalmente falando, o disco é bem razoável, não há nenhuma novidade no som do quarteto formado por Peter Stanek (guitarra e vocais), Peter Treiber (guitarra), Peter Weisner (baixo) e Alfred Urban (bateria), mas os rapazes fizeram a lição de casa direitinho, lembrando vagamente em alguns momentos o som do Andromeda.
Destaque para She’s Leaving e A Day In The Rest Of My Life, de longe as melhores do disco.
Texto baseado no blog Orexis Of Death.

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The Greatest Show On Earth - The Going's Easy

Formado em meados de 1968 na Inglaterra pelo guitarrista Garth Watt-Roy e seu irmão, o baixista Norman Watt-Roy, o Greatest Show On The Earth contou no começo de sua carreira com um vocalista de New Orleans, Ozzie Lane, sendo substituído posteriormente por Colin Horton-Jennings.
A turma era completada por Mike Deacon (teclados), Ron Prudence (bateria) e um duo de sopros e metais, Dick Hanson e Tex Phillpotts.
Apesar do péssimo nome e aparentemente pretensioso, o Greatest Show On The Earth fazia uma excelente mistura de jazz, blues e progressivo, principalmente em seu segundo álbum, The Going's Easy, lançado em 1970.
Quem conhece o som do If vai se deliciar também com o Greatest..., afinal de contas a tônica do álbum se deve aos sopros muito bem encaixados, aos vocais de Colin Horton-Jennings e aos arranjos envolventes e bem elaborados, como na deliciosa Love Magnet, ou em Magic Woman Touch e Borderline.
Infelizmente a banda não vingou e logo em 1972 encerrou as atividades, deixando esse excelente Going's Easy para apreciarmos como se degusta um bom vinho.

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Graphite - Chestnut Loke

Muito legal esse Chestnut Loke, álbum que trás um apanhado de músicas registradas pelos ingleses do Graphite entre 1970 e 1974, período de atividade do grupo.
Durante esses anos tocaram ao lado do pessoal do Pink Floyd, Roxy Music e Queen, lançando apenas dois singles em sua breve história.
Somente em 1996 o selo Audio Archives colocou no mercado todos os registros da banda em um único CD, fazendo jus a história do grupo e não deixando passar em branco sua existência.
Era formado por Chris Gore (teclados), Dave Hook (guitarra), Keith Allen (vocais), John Jackman (baixo), Peter Dry (bateria), Dave Anderson (baixo) e Billy Rankin (bateria) – esses dois últimos apenas na faixa Freedom.
Melancólico, lisérgico e com algumas passagens de Mellotron, o Graphite tinha em seu som todo o aproach de uma banda do primeiro ou segundo escalão daquela primeira metade dos anos 70, mas que, por algum motivo de força maior o qual desconheço, não conseguiu decolar e até mesmo registrar pelo menos um álbum na íntegra.
Ainda bem que vasculhando os mais longínquos pontos da mãe internet acabamos por encontrar coisas desse nível e/ou raridade.
Aproveite bem esse material e viaje legal com Autumn, A Dragon’s Tale, Tide, She's Gona Way, Out In The Rain e outras mais que mantêm o pique diferentão do play.

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Home - Home

Home é o segundo álbum da banda americana de mesmo nome, lançado em 1972.
Formado pelo quarteto Mick Cook (bateria), Mick Stubbs (guitarras, teclados e vocais), Cliff Williams (baixo) e Laurie Wisefield (guitarras), que apresenta um belíssimo álbum recheado de canções light e muito agradáveis, longe da pista rock que tanto assolou o começo da década de 70.
Com pitadas de folk, country e alguns arranjos um tanto sofisticados aqui e acolá, Home, o álbum, é uma boa pedida para um jantar entre familiares e amigos, ou mesmo para ser ouvido no momento de descanso e sossego.
A primeira música Dreamer não representa necessariamente o clima do disco, que se desenrola em canções instigantes como Fancy Lady,Hollywood Child, Rise Up e a bela Baby Friend Of Mine, sempre acompanhadas pela guitarra onipresente de Wisefield.
Vale destacar também a última música, My Lady Of The Birds, com seus nove minutos de pura viajem sonora.
Detalhe: o baixista aí, Cliff Williams, integrou posteriormente uma banda chamada AC/DC, alguém conhece?!

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John Paul Jones - Zooma

O John Paul Jones é aquele tipo de sujeito “come quieto”. Figura relativamente discreta no Led Zeppelin, porém competente e versátil como poucos.
Ouvindo atentamente as músicas da banda é possível observar claramente o quão genial esse cara foi naqueles tempos. E olhe que não era tarefa nada fácil fazer a cama para a guitarra mágica de Jimmy Page e levar a cozinha ao lado de um monstro sagrado da bateria que um dia atendeu pelo nome John Bonham.
Mas, enfim, o Led encerrou as atividades e John Paul Jones foi o integrante que menos “fez barulho” no cenário musical posteriormente, embora tenha colaborado com inúmeras bandas e projetos durante esse tempo.
Em 1999 Jones resolveu lançar seu primeiro trabalho solo, o álbum Zooma, pelo selo de Robert Fripp, o DGM.
Zooma é um trabalho impressionante, detalhista e expressivo. Apresenta toda a versatilidade já conhecida de Jones, e um pouco mais.
Nosso baixista cercou-se de excelentes músicos para confeccionar a bolachinha: Pete Thomas e Denny Fongheiser (bateria), Trey Gunn (guitarra e Warr Guitar) e Paul Leary (guitarra).
Atual, poderoso e melódico, Jones passeia entre o baixo, mandolim, double-neck e teclados em pérolas como Goose, Zooma, Tidal e a excelente Snake Eyes, com seu arranjo de orquestra e belíssimo solo de teclado por conta do anfitrião.

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Frijid Pink - Earth Omen

Hardão americano vindo de Detroit, Michigan, formado em 1967. No começo de carreira tiveram relativo sucesso com a versão em single para House Of The Rising Sun, do Animals.
Estrearam em LP em 1970 com o álbum homônimo e após algumas mudanças de formação lançaram seu último trabalho em 1975.
Earth Omen é seu terceiro trabalho, lançado em 1972. Em minha opinião, o melhor do grupo.
A formação desse disco foi Jon Wearing (vocais), Richard Stevers (bateria), Tom Harris (baixo) e Craig Webb (guitarra), contando com o músico adicional, o tecladista Larry Zelanka.
O Frijid Pink fazia um rock and roll com certo peso e envolvente, certamente deve agradar aos fãs de rock and roll setentista, como podemos comprovar nas ótimas New Horizon e Rainbow Rider.
Há de se destacar o excelente vocalista Jon Wearing, cujo timbre lembra um pouco o de Bobby Tench, aquele do excelente álbum Jeff Beck Group lançado em 72.
Quer ouvir um bom Hammond? Então aumente o volume nas faixas Mr. Blood e na primeira, Miss Evil. Camarada, que timbre! É de arrepiar!

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V/A - Progfest 1995

Há quase 15 anos tive uma das experiências musicais mais marcantes de minha vida, decisiva e fundamental para a expansão de minhas idéias e predileção pelo rock progressivo: fui morar em São Paulo para estagiar na White Martins e nesse período não perdia um programa do Sérgio Avellar na Brasil 2000 FM, A Hora Do Dinossauro.
Ouvia bandas até então desconhecidas para mim, gravava o programa em fitas K7 e anotava os nomes na agenda (do jeito que entendia), e na semana seguinte corria até a Galeria do Rock para comprar alguma coisa com a miséria que recebia como estagiário.
Foi uma época legal, vendia aos camelôs da Júlio Prestes o que sobrava do vale transporte para completar a grana que faltava para comprar o CD... ainda sobravam uns trocados para o Marlboro e tomar uma Coca-Cola na Galeria.
O tempo passou e hoje, através do blog, recebo relatos de pessoas com histórias e situações parecidas, e vejo que no fim das contas o que resta de bom são as memórias e experiências engraçadas em torno de nossas buscas por música.
Esse CD aqui postado eu nunca comprei, mas lembro-me de ouvir todas essas bandas no programa do Sérgio e fico pensando como hoje em dia é relativamente fácil ter acesso a esses trabalhos, ainda que no formato MP3.
Como bem diz o título, esse Progfest '95 traz os melhores momentos do Progfest de 1995, com as bandas Solaris, Ars Nova, Spock’s Beard, Landberk, White Willow e meus heróis do Deus Ex Machina.
Boa pedida para ouví-las mandando bala ao vivo em um dos festivais mais importantes do gênero.

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John Wetton - Agenda

John Wetton é um sujeito mais rodado que pneu de Brasília, tocou baixo e cantou em inúmeras bandas de expressão como Family, King Crimson, Uriah Heep, U.K., Asia, entre inúmeros projetos e participações especiais em trabalhos de outros músicos.
Sua passagem pelo Crimson entre 1972 e 74 talvez seja a mais marcante em sua carreira, em uma época que a banda se destacava no cenário musical por seus improvisos furiosos e por sua sonoridade à frente de seu tempo.
Mas não parou por aí. Em 1978 integrou o U.K., uma das últimas formações de respeito do cenário progressivo da década de 70, e teve ótimo desempenho no pop-rock-bem-feito do Asia, durante a década de 80.
Em 1998 apareceu no excelente disco ao vivo Tokyo Tapes, do guitarrista Steve Hackett e em 2003 lançou Agenda, excelente trabalho gravado ao vivo na Polônia com sua banda solo: Steve Christey (bateria), John Mitchell (guitarra) e Martin Orford (teclados).
Agenda é um excelente compêndio das melhores fases de sua história, em versões emocionantes e competentes de Easy Money, Red e Starless, do Crimson, In The Dead Of Night e Randezvous 6:02, do U.K., entre várias outras tão legais quanto.
Esse cara é mais um de minha lista para quem tiro o chapéu sem pensar duas vezes: há alguns anos passou por sérios problemas causados pelo alcoolismo, conseguiu se reabilitar e está aí vivo e presente, trazendo alegria para seus fãs.

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Air Jazz Quartet - A Jazz Tribute To Deep Purple

Belíssima e surpreendente releitura jazzística para alguns clássicos do Deep Purple, a cargo dos franceses do Air Jazz Quartet, formado por Philippe Ballot (bateria), François Barisaux (piano), Alain Gaillet (baixo) e Philippe Miraille (sax tenor & soprano).
Lançado em 1995, o material desse álbum se concentra nos grandes clássicos do Purple gravados entre 1968 e 1974, como Hush, Strange Kind Of Woman e Burn, em deliciosas versões na concepção do jazz, portanto não espere versões fiéis às originais.
E está aí o grande barato do disco. Particularmente, aprecio tanto os tributos que trazem versões fiéis, quanto aqueles que saem da partitura.
Os do segundo caso são os mais audaciosos e dinâmicos, pois os músicos que se propõem em fazer sua própria versão são muito machos em dar a cara a tapa, afinal de contas o resultado pode ser brilhante ou desastroso, e esse Jazz Tribute To Deep Purple é cool e genial.

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Medeski Martin & Wood - Radiolarians II

Definitivamente, a música do MMW está no lado esquerdo de meu peito. É incrível a ascensão sonora desses caras.
No começo primavam pelo groove de suas composições e agora chegam a maturidade com o lançamento da Radiolarians Series, em especial o Radiolarians II, lançado em 30 de setembro do ano passado, mesmo mês em que visitaram nosso país com apresentações impressionantes.
Essa caminhada de mudanças passou por Combustication (1998), Uninvisible (2002) e Out Louder (2006), até chegar à trilogia Radiolarians, expressão máxima, até agora, do trio.
Sua formulação é calcada em improvisos e experimentalismos desenvolvidos ao vivo e registrados em estúdio, ou seja, é a música in natura, na ordem composição, tour, gravação e tour.
Muito mais que jazz avant-garde, o MMW exibe o acúmulo de experiências sonoras em quase vinte anos de carreira, presenteando seus fãs com o máximo de seu empenho e performance para a criação de um novo apontamento musical ainda em desenvolvimento.
O álbum abre com a porrada Flat Tires onde Chris Wood repete sem cansaço um riff de baixo simples, porém poderoso, enquanto a banda improvisa sobre o tema.
Riffin' Ed e Amish Pinxtos relembram o passado recente do grupo, com muito groove e melodia apenas “relativamente” simples, pois nada é simples para esses três super músicos.
Belíssimo trabalho do trio. Música para a mente e para a alma.

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Screaming Lord Sutch And Heavy Friends - Hands Of Jack The Ripper

Vamos “rockar e rolar” em pleno sabadão, e para isso nada melhor que um dos clássicos dos anos 70 a cargo de Lord Sutch, ou Screaming Lord Sutch.
Já havia postado por aqui outro álbum intitulado Lord Sutch And Heavy Friends, clássico absoluto lançado em 1970 e que contou com uma constelação para seu feitio.
A bola da vez é Hands Of Jack The Ripper (1972), gravado ao vivo no Carshalton Park Rock 'n' Roll Festival e que contou com as participações ilustres de Ritchie Blackmore (guitarra), Nick Simper e Noel Reding (baixo), Keith Moon e Carlo Little (bateria), e Matthew Fisher (teclados).
O disco é recheado de overdubs e colagens como gritos, barulhos de passos e outras coisinhas insanas, mas isso não tira o pique de “disco ao vivo”.
Assim como escrevi em outra postagem, Lord Sutch era mesmo um rico lord britânico e pagava o cachê de seus ilustres amigos que embarcavam em suas loucuras musicais.
Além disso, fundou em 1983 o partido político Official Monster Raving Loony Party e pleiteou por inúmeras vezes a prefeitura de Londres, sem êxito. Enforcou-se em 16 de junho de 1999.
Hands Of Jack The Ripper é um album de rock ‘n’ roll nu e cru, sem frescuras ou viadagens. É fruto da loucura de um sujeito cheio de grana que só queria se divertir com os amigos tocando o rock ‘n’ roll.
A vida de Lord Sutch é uma das páginas mais bizarras da história do rock ‘n’ roll e esse cara tem, no mínimo, meu profundo respeito e admiração.

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Michael Giles - Progress

O baterista e vocalista Michael Giles foi um dos co-fundadores do King Crimson e com a banda gravou o álbum In The Court Of The Crimson King (1969), além de In The Wake Of Poseidon (1970).
Participou do embrião do Crimson ao lado de seu irmão, o baixista Peter Giles, e do guitarrista Robert Fripp, denominado simplesmente Giles, Giles and Fripp, com quem gravou um álbum em 1968 chamado The Cheerful Insanity Of Giles, Giles And Fripp.
Após sua colaboração com o Crimson, juntou-se a outro ex-companheiro de banda, o tecladista, flautista e vocalista Ian McDonald e a seu irmão, Peter, gravando o excelente álbum McDonald & Giles ainda em 1970.
Durante a década de 70 tocou com inúmeros músicos e em 1978 registrou um novo trabalho solo chamado Progress, que só veio à luz em 2002 graças ao selo Voiceprint.
Não vou dizer que o disco é fundamental ou genial, mas é muito honesto e bem feito.
Além disso, podemos ouvir na faixa título a luz do talento de Michael Giles e mesmo anos depois fora do Crimson observarmos e compreendermos a importância de sua participação na construção da música da banda em seus primeiros passos, principalmente em In The Court..., com certeza um dos trabalhos mais importantes do rock progressivo, disco esse que apresenta por si só alguns dos conceitos fundamentais do estilo.
Michael não ganhou fortunas de dinheiro e tão pouco fama mundial, mas é reconhecido entre os fãs por sua excelência e destreza.
E diga-se de passagem, envelheceu muito bem. Assista ao DVD da 21st Century Schizoid Band e comprove.

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Mr. Sirius - Dirge

Quem acessa o Câmara pela primeira vez pode até pensar que sou pretensioso demais ou que sou muito “camarada” nas postagens, por quase sempre valorizar demais os álbuns aqui postados.
É de minha natureza não depreciar aquilo que não gosto, pois, o que pode não ser bom para mim poderá ser esplêndido para outro, e isso é gosto pessoal, uma característica das pessoas que respeito muito.
Feita a observação, então posso escrever sem culpa: eis aqui mais uma paulada do Câmara de Eco, dessa vez uma banda japonesa de rock progressivo de arrepiar!
O Mr. Sirius é formado por Chihiro Fujioka (bateria), Shigekazu Kamaki (guitarra), Kazuhiro Miyatake (teclados, violão e flauta), Hidehiko Muraoka (baixo) e Lisa Ohki, dona de um timbre vocal simplesmente belíssimo e poderoso.
Dirge foi lançado em 1990 e contou com a participação da Music Island Orchestra, comandada por Hiroshi Takayama, resultando em um trabalho homogêneo e de beleza singular.
É claro que não é só a presença da orquestra que enaltece as músicas do disco, a banda surpreende com arranjos complexos, intrincados e com várias mudanças de clima ao longo das canções.
Disco bom é assim, já começa mostrando a que veio, como é o caso de música de abertura, a instrumental “pipoqueira” Fanfare - Legal Dance.
Mas é Lisa Ohki quem rouba a cena em meio aos fantásticos músicos do Mr. Sirius, então ouça sua performance brilhante e emocionante em Love Incomplete.
Para não perder a fama de autêntica banda progressiva, não podia faltar uma ótima suite de mais de vinte minutos, que atende pelo título The Nile For A While. Sonzeiraaaaaaaa!!
Meus amigos e amigas, hoje meus olhos estão voltados para a terra do sol nascente e meus ouvidos ligados no som do Mr. Sirius. Vale a pena.

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The Allman Brothers Band - The Fox Box - Instant Live - Atlanta, GA 24,25 & 26-09-2004 (9 CD's Box Set)

Se é para chutar o pau da barraca, então que seja com uma box caprichadíssima do Allman Brothers, com sua Instant Live - The Fox Box.
Originalmente lançada em 2004, Fox Box apresenta nada mais e nada menos que três shows completíssimos nos dias 24, 25 e 26 de setembro de 2004, no Fox Theater, em Atlanta, distribuídos em 9 CD’s.
Se você adora o som dos caras e não conhecia essa box, então corra e baixe logo pois foi um saco encontrar esse precioso material na net.
Logo de cara, no primeiro disco, os caras mandam bala em Mountain Jam e, em seguida, Trouble No More, além da belíssima Ain't Wastin' Time No More.
O legal desse material é que poucas músicas são repetidas nos shows, ou seja, cada noite teve um set list diferente e olhe, é difícil escolher a melhor apresentação dos Brothers.
Por exemplo: na segunda noite a banda arrebenta em Les Brers in A Minor, Statesboro Blues e Dreams, enquanto na terceira podemos destacar a sempre exuberante In Memory of Elizabeth Reed, Whipping Post, Stormy Monday e Don't Keep Me Wonderin'.
A banda contava com Gregg Allman (vocais e teclados), Warren Haynes (guitarra), Oteil Burbridge (baixo), Marc Quiñones (bateria), Butch Trucks (bateria), Derek Trucks (guitarra) e Jack Pearson (guitarra), além da participação especial de Susan Tedeschi (guitarra e vocais) e Vaylor Trucks (guitarra) em duas músicas do segundo set.

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New Trolls - Atomic System

Progressivaço italiano de primeiríssima qualidade! Intrincado, complexo e melódico, tudo ao mesmo tempo agora.
Se você faz parte da turma careta que pensa que rock progressivo é coisa de velho, então passe longe dessa postagem.
Aliás, passe longe desse blog pois aqui é a casa de quem curte música por música, e não de gente que segue modismos ou tendências de gosto duvidoso.
A primeira vez que ouvi o som do New Trolls tive que apertar stop no Winamp e voltar a primeira música com o volume do amplificador no talo.
Ponte que partiu, que sonzeira!! Os caras mandam bala logo de cara em La Nuova Predica Di Padre O'Brien numa quebradeira violenta, nem saquei se é em 7/4 ou 9/4, mas isso pouco importa. O que importa mesmo é que há um solo de flauta de arrepiar e a banda vai quebrando junto em uma harmonia de piano, sintetizadores e a batera violenta de Tullio De Piscopo descendo a lenha.
Na verdade, o New Trolls Atomic System é uma vertente do New Trolls, conceituada banda de rock progressivo italiana.
Capitaneada por Vittorio De Scalzi (guitarra, flauta, teclados e vocais) e completada por Giorgio Baiocco (sax e flauta), Renato Rosset (teclados), Giorgio D'Adamo (baixo) e Tullio De Piscopo (bateria), lançaram N.T. Atomic System em 1973 e seguiram seu caminho com vários outros trabalhos até meados de 1976, reunindo-se para uma turnê em 2002 como Il Mito dei New Troll.

Fecho esta ouvindo a excelente Ibernazione e digo: meu Deus, como o mundo progressivo é formidável!

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Carl Palmer Band - Live In Europe

Carl Palmer é um dos maiores bateras da história do rock and roll, entre inúmeros outros grandes nomes.
Aliás, ao lado de Neil Peart, é um dos maiores expoentes do rock progressivo ainda em (plena) atividade.
Se o Emerson Lake & Palmer aguarda a recuperação de seu tecladista Keith Emerson para uma provável reunião, Carl Palmer vai tocando com sua banda, a Carl Palmer Band, e mantém em evidência o nome e o legado desse grande baterista.
Pautado nas músicas do ELP, esse Live In Europe (2004) foi lançado em DVD e apresenta uma grande novidade: não há a presença de teclados.
Portanto, se você é guitarrista e curte as músicas do ELP prepare-se para ouvir esse play e ter toda a transcrição dos teclados para guitarra, pois o dono das seis cordas, o excelente Paul Bielatowicz, fez todo o trabalho!
Além disso, o trio é completado pelo baixista Dave Marks. Que me perdoe meu sempre querido e ídolo Greg Lake, mas esse tal de Dave Marks o coloca no bolso.
O resultado final é impressionante e audacioso. Não é tarefa das mais fáceis tocar ELP sem a presença marcante dos teclados, suprida pela genialidade e competência desses dois sujeitos responsáveis pelas cordas.
Ouça com muita atenção e viaje nos novos arranjos que antes eram tão familiares aos sons de órgãos, sintetizadores e orquestra.
E Carl Palmer? Caramba, nem é preciso escrever que ele está tocando como nunca, como se tivesse com seus vinte anos.

Obs.: esse arquivo de áudio foi extraído do DVD.

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Cactus - Restrictions

Não é a primeira vez que escrevo sobre uma das mais importantes cozinhas da história do rock: o baixista Tim Bogert e o batera Carmine Appice.
Desde os tempos de Vanilla Fudge essa dupla destrói nos quesitos competência, entrosamento e feeling, portanto não podemos esquecer que além de Jones & Bonham, Glover & Paice e Butler & Ward também há Bogert & Appice, uma dupla que acumula muito mais anos de rock and roll do que eu e você temos somado nosso tempo de bebedeira.
Aliás, o que esse Restrictions (1971) tem de punch rock and roll não é brincadeira.
Inundado de riffs ganchudos, batera precisa e vocais rasgados por parte de Rusty Day, esse terceiro álbum do grupo é um convite para pouco mais de meia hora de diversão e uma boa meia dúzia de cerva bem gelada.
O guitarrista Jim McCarty segura a onda com seus riffs e solos saídos de uma fornalha, além dos timbres já característicos daquela época, e isso pode ser conferido nas porradas Bag Drag, Sweet Sixteen e Evil.
Mas nem só de porrada vive o mundo rock and roll, então sossegue o facho com Alaska e Token Chokin'.
É meu chapa, segura a onda porque o Cactus não é para amadores e a noite de sábado só está começando, então tome um Engov com Neosaldina para atravessar a madrugada rock and roll.

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Anderson Bruford Wakeman & Howe - Brother Of Mine EP

Se o ABWH não é lá um dos projetos mais geniais da turma do Yes, pelo menos serviu de base para uma grande tour de 74 shows em cerca de oito meses entre 1989 e 1990.
Como bom fã de Yes que sou, particularmente adoro esse trabalho dos caras, mesmo com alguns escorregões pop e/ou world music, mas até nessa praia a banda se sai bem, a exemplo de algumas músicas de The Ladder, lançado em 1999 e Open Your Eyes, de 1997.
Lembro-me como se fosse hoje quando a rede Bandeirantes de TV apresentou o famoso show do ABWH gravado no Shoreline Amphitheatre em 1989, facilmente encontrado hoje em dia em DVD.
Naquela época eu era adolescente e já curtia a banda, e duas imagens ficaram gravadas em minha memória: o mestre Steve Howe tocando novamente com seus antigos amigos e Jon Anderson, com todo seu carisma e simpatia, entrando no anfiteatro no meio do público, acenando e cumprimentando as pessoas enquanto cantava Time And A Word.
Brother Of Mine foi lançado no formato EP promocional em 1989 contendo cinco músicas, dentre elas uma inédita, Vultures In The City, e duas versões alternativas de algumas músicas do álbum.
Por questões legais o ABWH não pode usar o nome Yes, mas esse fato foi benéfico para o grupo, pois logo depois houve a reunião da banda com base no material lançado no péssimo Union (1991) e assim conseguiram colocar o Yes nos trilhos novamente com os trabalhos posteriores.
O mundo dá voltas e mais voltas e o Yes sempre conseguiu se superar. Sorte nossa.

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Edgar Broughton Band - Edgar Broughton Band

Simplesmente fantástico! Assim posso definir de maneira clara e objetiva o terceiro trabalho homônimo da Edgar Broughton Band, lançado em 1971.
Em minha opinião, o melhor do grupo britânico formado por Edgar Broughton (vocais e guitarra), Arthur Grant (baixo), Steve Broughton (bateria) e Victor Unitt (guitarra e teclados).
A primeira parte do play tem várias músicas com influências folk e country, como as ótimas Poppy e The Birth, mostrando toda a versatilidade dessa incrível banda, mas a cobra começa a fumar mesmo a partir da quinta música, Don't Even Know What Day It Is.
House Of Turnabout tem um swing delicioso a cargo do baixo de Arthur Grant, e a guitarra de Victor Unitt disparando vários acordes.
Getting Hard into What Is A Woman For? tem em sua segunda parte um belíssimo blues e o álbum fecha com a viajante For Doctor Spock, acompanhada por uma seção de cordas.

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Cravinkel - Garden Of Loneliness

Quero pedir desculpas a você amiga e amigo, fiéis escudeiros do Câmara de Eco, por minha ausência nas últimas semanas.
Planejei uma série de postagens para esse semestre, mas terei que fazer esse trabalho de maneira bem mais lenta do que havia planejado, pois alguns fatores pessoais me impedirão. Então, não percamos tempo!
O Cravinkel foi um quarteto alemão de rock progressivo dos mais legais, autênticos e crus que já ouvi.
O som dos caras é inovador para os padrões da época, pois, apesar da enxurrada de lançamentos geniais daquele período, a banda conseguiu criar seu próprio estilo, sem seguir fórmulas pré estabelecidas.
É por isso que Garden Of Loneliness, segundo álbum da banda lançado em 1971, não pode passar desapercebido por aqui.
Liderados pelo guitarrista Gerd Krawinkel, o time era completado por Rolf Kaiser (baixo e vocais), George Haupt (bateria) e Klaus Meier (guitarra e vocais).
Garden Of Loneliness apresenta apenas três músicas, mas a última, intitulada Stoned, é uma suite cadenciada de pouco mais de 20 minutos de duração e resume bem a proposta experimentalista e crua do grupo, com incursões acústicas de matar a pau.
Pode não ser o melhor álbum do mundo, mas só pela raridade e empenho dos músicos em imprimir seu próprio estilo já vale uma boa audição.
Dica: procure também por Cravinkel, primeiro e ótimo álbum dos caras lançado em 1970.

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Um Monstro Chamado Gabriel Terra de Araujo.

Já a algum tempo estou preparando um espaço aqui no Câmara para divulgar Ongs, Blogs ou qualquer meio que esteja relacionado ao trato e cuidado de animais, principalmente cães e gatos abandonados.

Não pretendo transformar o blog, que é musical, em um blog animal, mas me sinto na obrigação de abrir um espaço na coluna ao lado direito com os links dessas associações ou pessoas que dedicam grande parte de suas vidas para cuidar e proteger aqueles que consideramos muitas vezes nossos grandes amigos, e até mesmo membros de nossas famílias.

Posso estar enganado, mas acredito que da mesma forma que o público em geral tem a sensibilidade de apreciar boa música e escolher o que é bom e de qualidade para suas vidas, tem o mesmo sentimento para com os bichos, ou seja, a sensibilidade que nos direcionam para a música é a mesma que temos em amar os bichos, e assim vivermos de bem com a vida e alcançarmos a verdadeira paz de espírito, sem fazermos o mal a ninguém.

Não é papo bicho-grilo, mas é uma postura que adotei em minha vida e até hoje vem dando certo.

Infelizmente acabei de ver uma notícia no IG que mais uma vez me fez sentir vergonha de ser da raça humana, condição que não nos faz diferente de nenhuma outra raça animal a não ser pelo fato de possuirmos inteligência, raciocínio e a inexplicável atitude de matarmos outro ser vivo apenas por "prazer".

Um garoto ou adolescente que atende pelo nome Gabriel Terra de Araujo matou a pauladas um cachorro e colocou o vídeo no YouTube, em uma atitude covarde, desumana e inaceitável, como se isso fosse bem aceito por todos na rede.

Sinceramente, há muito tempo não acredito mais em justiça, pois, se não há justiça e punição para aqueles que matam pessoas, o que diremos daqueles que matam animais indefesos?

Li alguns comentários de internautas desejando os piores tipos de morte para esse sujeito.

Não desejo nada para esse lixo humano, apenas tenho um recado para os pais desse monstro: se fosse meu filho, além de dar uma surra nele que o deixaria sem poder sentar durante uma semana, sentiria vergonha pelo resto da vida de ser pai de um lixo humano como esse.

Tenho 6 gatos e 2 cachorras em casa, todos tirados da rua por circunstâncias diferentes. São bem tratados, castrados, vacinados e muito amados por mim e por minha esposa.

Esse gato aí da foto acima é o Fulgêncio, o mais velho da casa. Está internado, recuperando-se de uma cirurgia complicada na bexiga após grave problema de saúde.

Se houvesse compatibilidade, doaria um rim meu se algum bicho de casa precisasse para se manter vivo, mas não doaria para esse monstro chamado Gabriel Terra de Araujo.

Em breve, voltarei com o Câmara com novas postagens sobre música e assuntos mais alegres e animadores, mas essa notícia não pude deixar passar em branco.

É triste, lamentável e, por mais que tente entender o ocorrido, não vejo um sinal de sanidade e possibilidade de convívio social com esse monstro.

Se ele espancou até a morte um cachorro, o que poderá fazer quando estiver com uma criança de 4 ou 5 anos de idade?

Analogy - Analogy

Tão pirado quanto a capa do disco ou a foto de divulgação logo acima é o som do Analogy.
Formado pelos peladões Jutta Taylor-Nienhaus (vocais), Martin Thurn-Mithoff (guitarra), Nicola Pankoff (teclados), Wolfgang Schoene (baixo) e Hans Jürgen Nienhaus (bateria), o Analogy era composto por músicos alemães (com exceção do tecladista italiano Nicola Pankoff) estabelecidos no norte da Itália, país onde desenvolveu seus trabalhos.
Lançaram seu único álbum homônimo em 72 e tinham certa popularidade por lá apenas, e também na Suíça.
Depois de mais de 300 apresentações nos dois países, o grupo se separou por volta de 1974.
Sua sonoridade não é exatamente progressiva, mas há uma presença significativa dos teclados e um certo grau de desenvolvimento das canções, algumas delas pautadas até em base blues.
Bem interessante é o timbre e tom de voz da lourinha Jutta Taylor-Nienhaus, fazendo contraponto à sonoridade nada revolucionária (mesmo para a época) do grupo, apresentando mesmo assim momentos muito legais como em Indian Meditation, Weeping May Endure, a ótima Analogy e o blusão Pan-Am Flight.

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Back Against The Wall - A Tribute To Pink Floyd

Amiga e amigo do Câmara: peço que não ignore essa postagem por se tratar de mais um tributo. Sei perfeitamente que as regravações geralmente não superam as originais, mas vamos observar da seguinte forma: The Wall (1979) não é a obra máxima do Pink Floyd, pelo menos em minha opinião, pois sou louco por Animals (1977), mas acho fascinante ouvir músicos das novas gerações se unirem aqueles da "velha guarda" para homenagearem determinada banda.
Quero deixar bem claro aqui que músico, para mim, é como vinho. Pra ser bem sincero, acredito que as pessoas quanto mais "velhas", mais interessantes são - não é à toa que minha "turma" é basicamente composta por pessoas além de minha idade.
Gente como David Gilmour no alto de seus sessenta e tralalá anos me fascina tanto quanto o Gilmour do vídeo de Pompeii. Espero que um dia tenha a sorte e privilégio de ver meu corpo envelhecer.
Back Against The Wall é um barato! Os músicos aqui reunidos fizeram a lição de casa e a execução é primorosa. É claro que a tecnologia atual substitui os arranjos originais de orquestra e tal, mas ainda assim é emocionante poder ouvir The Wall sob a perspectiva daqueles que tanto amamos: Chris Squire e Alan White em Comfortably Numb, Glenn Hughes em Young Lust, Rick Wakeman em Nobody Home e Steve Howe em Vera simplesmente emocionam!
Olhe só: existe sim respeito e admiração por parte de nossos heróis, apesar da provável grana boa que receberam para tal. Quem sabe, um dia, nosso querido Gilmour não embarque numa dessas, não é mesmo?
Só para constar: Billy Sherwood, ex-Yes ou ex-colaborador do Yes, foi quem arquitetou a coisa toda e contou também com a colaboração de Steve Porcaro, Tony Levin, Adrian Belew, Keith Emerson, entre outros.
Vale a pena conferir.

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Parte 1 / Parte 2

Novidades no Câmara de Eco.

Chegamos ao meio do ano de 2009 com a crise econômica em nossos quintais, mas com muita esperança de boas mudanças, garra e muito trabalho, características marcantes de nós cidadãos brasileiros.

Mesmo passando por inúmeras dificuldades e contratempos, colocamos a busca pela excelência como principal meta, seja em nossas vidas pessoais, seja no hobby de manter um blog sempre atualizado e trazendo novidades.

É por essa ótica que o Câmara de Eco se prepara para o segundo semestre do ano, com planejamento, improvisos e muita pesquisa sobre música em geral.

Algumas mudanças já começaram, como algumas entrevistas com bandas underground e com pessoas que fazem coisas muito legais em prol da música.

Quero maior interação com outros canais para que você possa acessar aqui melhor conteúdo e informações fundamentais sobre música.

Além disso, nos próximos meses teremos um Câmara mais progressivo, mais hard, mais blues, mais rock 'n' roll, mais jazz e mais folk. E isso não é muita pretensão, pelo contrário, é bem viável mesmo que fazendo todo o trabalho sozinho, como é o meu caso.

Muito trabalho de pesquisa já começou: vamos ampliar os horizontes e apresentar inúmeras bandas de progressivo de várias partes do planeta e de épocas diferentes; teremos mais trabalhos de blues, um estilo importantíssimo que ficou em segundo plano nos últimos meses por aqui e vou corrigir essa ausência significativa. Por fim, o trabalho em busca pelas bandas de hard e rock 'n' roll que se perderam pelo tempo e espaço está mais acirrado e inúmeras sonzeiras já estão no forno.

Quero agradecer imensamente por seu prestígio, participação e confiança no trabalho que faço no Câmara. Os amigos e contatos que fiz através do blog é minha maior recompensa e os números me surpreendem a cada dia, pois em 18 meses de trabalhos foram:

· 281 postagens;

· mais de 13 mil downloads via Rapidshare;

· mais de 24GB disponível para download.

Sem contar que nos últimos 5 meses foram mais de 30 mil acessos por IP, ou seja, um pouco mais de 200 acessos diários.

Conto com sua participação por aqui e se prepare para a nova leva de postagens que virá por aí!

Abraços.

Ricardo Lucon

Ibis - Ibis

O Ibis é uma boa banda italiana de rock progressivo, com influências do hard britânico e pautado nos teclados de Maurizio Salvi e na voz aguda de Nico Di Palo, que também comandava as seis cordas.

O time que gravou Ibis, terceiro e último álbum do grupo lançado em 1975, era completado por Frank Laugelli (baixo), Renzo Tortora (guitarra) e Pasquale Venditto (bateria).

Apesar de ser considerado seu melhor trabalho, o grupo se desfez ainda em 75 e Nico Di Palo, juntamente com Gianni Belleno, batera da primeira formação do Ibis, retornaram à sua antiga banda, o New Trolls.

Não é um trabalho por excelência, mas ainda assim é bem interessante, tem seus momentos de genialidade como em Strada e Keep On Movin', por exemplo. Na verdade, sou um tanto suspeito para esse tipo de indicação pois não sou lá muito fã da perna italiana do rock progressivo, ainda prefiro as do Reino Unido e algumas da Alemanha, mas isso é apenas gosto pessoal, não é nenhuma crítica que tire o mérito da músicália daquele país.

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Indian Summer - Indian Summer

Outra pérola perdida no tempo e no espaço: Indian Summer.

Quarteto britânico formado em 1969 por Malcolm Harker (baixo), Paul Hooper (bateria), Bob Jackson (teclados) e Colin Williams (guitarra e vocais).

A referência mais importante da banda é que seu manager, Jim Simpson, também trabalhou com o Black Sabbath no começo de carreira.

O único álbum auto-intitulado do Indian Summer só foi lançado em 1971 e apresenta variações muito interessantes, como a intimista Secrets Reflected e a complexidade legal de From The Film Of The Same Name.

Outras músicas também valem a audição desse prazeroso trabalho, como Emotions Of Men, Glimpse e Half Changed Again.

Essa é mais uma banda com grande potencial que bateu na trave e foi pra escanteio, infelizmente.

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The Way We Live - A Candle For Judith

Eita mundo velho sem porteira! Quanto mais vasculho as raridades dos anos 60 e 70, mais nojo tenho dessas figurinhas atuais que se denominam "músicos em busca de novas sonoridades" e que, no fim das contas, só fazem mesmo produto para a massa consumir.

Graças à Deus o passado musical do planeta é glorioso e inúmeras bandas registraram seus trabalhos porque realmente estavam descobrindo e explorando as novas possibilidades musicais em prol da própria evolução humana.

Chega de ladainha. O Way We Live é uma banda inglesa formada pelo duo Steve Clayton e o multinstrumentista Jim Milne, cuja sonoridade flerta com o rock progressivo, o folk e a música indiana, resultando no belíssimo A Candle For Judith, único trabalho do grupo lançado em 1971.

Sem sucesso comercial, o grupo mudou o nome para Tractor e se arrastou até 1977, lançando alguns singles sem nenhuma repercussão.

A história da música tem dessas: músicos e bandas que fizeram álbuns geniais e que não tiveram o reconhecimento de público e crítica e acabaram em nada.

Nada entre aspas, deixaram algumas coisas registradas para que fossem apreciadas por nós.

Isso explica um pouco, o porque deixei de ser fã de bandas e passei a me tornar um fã de discos, de trabalhos isolados.

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Satin Whale - Desert Places

Progressivaço alemão, sem frescuras, nem viadagem. Formado por Thomas Brück (baixo e vocais), Gerard Dellmann (teclados), Dieter Roesberg (guitarra, sax, flauta e vocais) e Horst Schöffgen (bateria), lançou seu debut, Desert Places, em 1974 e se manteve bem ativo, produzindo vários discos e fazendo shows até 1981, ano em que a banda saiu de cena.

Desert Places apresenta a banda com uma sonoridade muito atraente, técnica e emocionante, sem aquelas viajens "cabeça" que não terminam em nada e que nem sabemos dizer a que veio.

Esse quarteto manda bala no progressivo objetivo e cativante, com destaque especial para o muitinstrumentista Dieter Roesberg que rouba a cena com solos e bases de guitarra muito bem feitos e com sacadas geniais, além do belo trabalho de Gerard Dellmann que mata a pau em um duelo entre o Hammond e a guitarra de Roesberg na música I Often Wondered. Imperdível!!

Esse é um dos trabalhos de progressivo alemão mais britânico que já ouvi. A última música, Perception, é uma loucura total!! Roesberg e Dellmann mais uma vez protagonizam um duelo fantástico em uma base jazz/blues. Se visse esses caras fazendo isso em um bar, morreria de coma alcoólico. Ouça logo e com o volume no máximo!

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Objetividade e solidez no som do Panaceah.

Os cariocas do Panaceah lançaram seu primeiro trabalho demo, Spiral Of Time, em 2005. De fato, o disco ficou tão bacana que é até difícil encará-lo como uma demo, tamanha qualidade das músicas em sua produção e gravação.

A banda apresenta um mix bem equilibrado entre o metal, AOR e o progressivo, mas não se apega a rótulos, afinal de contas o que importa mesmo é ouvir e apreciar o som produzido pelo grupo.

Portanto, deve agradar aos amantes do metal e também do progressivo, por sua técnica, execução e qualidade individual de cada integrante.

Atualmente o Panaceah é formado por Frank Donatto e Julio Cebali (guitarras), Rodrigo Dussak (baixo), Américo Mortágua (bateria), Marcos Larbos (vocais) e Raphael Hefisto (teclados).

Em um bate-papo legal, o excelente baixista Rodrigo Dussak nos conta um pouco sobre as diretrizes da banda, sua formação e os próximos passos do grupo.

Além disso, cedeu Spiral Of Time para que os amigos do Câmara possam curtir o som do grupo.

1. Alguns integrantes do Panaceah tiveram passagens por outras bandas bem conhecidas no urderground. Até que ponto essa experiência influenciou o som do grupo?

Acredito que a mais redundante seja do nosso vocalista Marcus Larbos, tendo gravado um CD com a banda de progressivo Cactus Peyotes, algum tempo atrás. Na verdade esse foi o início do Panaceah pois tanto o Marcus Larbos quanto o Daniel Lamas (guitar do Cactus Peyotes e guitarrista/tecladista no Spiral of Time), tinham vontade de fazer algo um pouco mais comercial, com toques de AOR, sem deixar de lado a origem do progressivo e alguns toques de rock mais pesado. A pouco tempo também tivemos a entrada do nosso novo baterista, Américo Mortágua (Expanse, Purgatory, Mustang, Usina Le Blond, Nemesis e Dorsal Atlantica), e vem tocando em vários projetos de diversos estilos diferentes, o que só tem a agregar qualidade ao som do Panaceah.

2. Como encontrar o equilíbrio desejável entre o peso do metal e a influência do progressivo sem reproduzir a mesma fórmula de muitas outras bandas atuais?

Principamente por não nos enxergarmos como uma banda de prog metal e sim uma banda de progressivo, com várias influências de estilos que podem variar desde rock/pop até clássico, new age, world music, etc. É claro que isso pode e vai variar de trabalho para trabalho. Por exempo: nosso próximo álbum virá com mais influências de música pesada e isso reflete principalmente a formação que estamos no momento e o que acreditamos ser a forma de nos expressarmos através da múscia, mas com toda certeza para um próximo trabalho, vamos trazer algo diferente de Spiral of Time e o segundo que estamos em fase de composição, pois nossa intenção é de sempre fazer um trabalho diferente do outro, mantendo a essência da banda.

3. O Panaceah se destaca entre as bandas do eixo prog metal pois apresenta um belo trabalho de harmonia, principalmente a cargo das guitarras. O público os vê como uma banda de rock progressivo com peso ou uma banda de metal com fortes influências progressivas?

Primeiramente obrigado pelo elogio! Para lhe dizer a verdade, queremos que nossa música seja considerada somente pela sua qualidade, não por algum tipo de análise sobre que tipo de música ela é ou que tipo de rótulo você colocará nela. Gostamos de pensar que o público nos vê como uma banda de Rock e você pode escutar e viajar através de vários estilos como o progressivo, o hard, o metal o pop... Múscia na minha opinião é estado de espírito e queremos passar isso através da nossa música. Se você estiver com raiva, poderá escutar algo como Seven Mirrors ou Tuareg, se você estiver numa linha mais calma, Treasures and Tales, se tiver afim de ouvir algo mais técnico, Fiat Lux, algo mais anos 80, New Messiah e por aí vai...

4. Daniel Lamas faz um trabalho primoroso na banda, usando inúmeros timbres vintage. Aliás, há um solo de teclado incrível em Spiritual Alchemy, lembrando até os bons tempos de Tony Carey no Rainbow. Como você vê e assimila a importância desses teclados no som do grupo?

Mais uma vez obrigado! O trabalho do Daniel é, na minha opinião, espetacular! Ele consegue trazer todo aquele feeling dos 70' e 80', mas com uma técnica absurda e com um bom gosto incrível na timbragem dos seus teclados nas gravações do CD. Estamos muito felizes por ter alguém de tanto talento em um disco nosso. Acredito que a importância dos teclados no Panaceah esteja no mesmo patamar das guitarras, vocais, e etc, pois essa é uma parte do estilo da banda e também o que nos diferencia das demais do estilo, pois, como dito anterirmente, nosso teclado está muito calçado nos anos 70' e 80' e isso faz com que seu som seja tão peculiar e percebido no disco.

5. O que o público pode esperar do próximo trabalho? Você poderia nos dar alguma prévia do direcionamento musical?

Já temos 8 músicas prontas: Ride Serpent Rise, Sortilege, Mantis Prayer, Siberian Train, Anathema, Invisible Chains, Caterpillar In Transe e Dead Woman Dance. Estamos em um direcionamento mais pesado, mais dark, principalmente pela formação de hoje. Estamos com duas guitarras e isso colabora para uma temática mais pesada e uma harmonia mais densa, porém sem deixar de lado os teclados que tanto caracterizam nosso som. Outra grande mudança foi de como estamos compondo: no primeiro CD todas as múscias eram do Marcus e do Daniel. Para esse trabalho, o processo ficou mais centralizado entre o Marcus e eu devido a constante mudança dos integrantes, o que fez com que a nova formação implementasse várias boas idéias nas músicas já prontas. Para o próximo trabalho, com certeza a formação de hoje fará a composição de uma forma mais homogênea, mas sempre quando existe mudança no processo de composição, o som tende a mudar um pouco. É natural.

6. Quero agradecer imensamente sua atenção e dizer, sem exageros, que é uma honra e gratificante ver uma banda como Panaceah com um trabalho muito bem calcado e desenvolvido aqui no Brasil. Esse espaço é para suas considerações finais.
Obrigado a você pelo espaço e espero que todos que acessem ao site gostem de nossa música!

Para obter maiores informações sobre o Panaceah, acessem o My Space da banda ou o Orkut: Comunidade panaceah.

Links: Panaceah ao vivo no Fullmetal

Download Spiral Of Time

Magna Carta, a mãe do progressivo na América e seus tributos.

Vimos na década de 90 uma espécie de renascimento do rock progressivo e também do rock em geral. Depois de uma década horrorosa que foi os anos 80, houve então o ressurgimento de muitas vertentes musicais até então em hibernação.
De fato, muitos músicos e bandas não deixaram de existir naquele período dos 80’s mas o mercado estava em baixa e faltava espaço e interesse da media por eles.
Era mais lucrativo e rentável divulgar o novo trabalho do B52’s do que mostrar o que Greg Lake & cia. andavam fazendo, por exemplo.
Foi no começo dos anos 90 que o rock progressivo tomou novo fôlego, com uma explosão de novas bandas e a reunião daquelas que andavam sumidas, claro que sem o mesmo mainstream dos 70’s, mas com muita propriedade e muitas vezes, honestidade.
Foi nesse contexto que surgiu o selo independente Magna Carta em 1989, criado por Peter Morticelli e Mike Varney.
Ainda na primeira metade dos anos 90 o cast da gravadora era de fazer inveja a qualquer major. Gente como Simon Phillips, James La Brie, Terry Bozzio, Robert Berry e Tony Levin estavam lado a lado com bandas emergentes como Magellan, Shadow Gallery, Enchant, Tempest e Royal Hunt.
Atualmente parece-me que o selo já não conta com o mesmo peso do passado recente, mas mantém disponível para venda todos os trabalhos por ela lançados.
Além de lançar os álbuns periódicos de seu cast também foi responsável por uma idéia no mínimo interessante: uma série de tributos às bandas de rock progressivo.
Muitos detestam os tributos, outros adoram. Particularmente eu adoro. É claro que muitos deles tem seus altos e baixos e sabemos que dificilmente os covers serão tão legais quanto as versões originais, mas vejo nos tributos uma espécie de portal para novas bandas e, no mais, é muito interessante ouvir alguns de nossos ídolos regravando músicas de outras bandas afinal de contas esses tributos também contam com músicos de peso.
Por exemplo, Steve Morse (Deep Purple) faz uma fiel e belíssima versão de Mood For A Day, do Yes. Glenn Hughes, Mick Abrahams, Clive Bunker e Glenn Cornick arrebentam em To Cry You A Song, do Jethro Tull e Annie Haslam emociona em Ripples, do Genesis.
Cada tributo tem uma peculiaridade, um detalhe que chama a atenção do ouvinte. O do Pink Floyd, por exemplo, é o único que apresenta um disco na íntegra, obviamente The Dark Side Of The Moon, tocado de forma bem fiel, com poucas mudanças em relação ao original.
Interessante é que o King Crimson e Gentle Giant não foram homenageados, infelizmente.
Esses trabalhos fazem parte de meu acervo pessoal e como contém muitas informações, fiz questão de scanear todos os encartes, as contra-capas das bandejas e até os discos, coisa que dificilmente faço aqui no blog devido a falta de tempo e também o fato de muitos arquivos eu só possuir em mptréco mesmo.
Espero que você curta esses tributos e, quem sabe, descubra através deles uma ou outra banda bem interessante. Foi assim que em 1995 me tornei fã incondicional do Cairo, depois de ouví-los no tributo ao Yes.

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Tales From Yesterday - Yes Tribute

Working Man - Rush Tribute

Encores, Legends & Paradox - ELP Tribute

To Cry You A Song - Jethro Tull Tribute

The Moon Revisited - Pink Floyd Tribute

Supper's Ready - Genesis Tribute

Diagonal - Diagonal

Sinceramente, desde que comecei a ouvir e entender música aos 13 anos, em 1989, não via uma banda inglesa de rock progressivo que me chamasse tanta atenção e, acima de tudo, que estimulasse meus sentidos e tocasse profundamente meu coração.
Teclando no MSN com meu amigo Rodrigo Ferreira, disse-me que viu um clip desses caras na horrenda MTV, em um programa noturno, e me indicou a audição do grupo.
Por incrível que pareça, encontrei no eMule o único álbum dos caras, homônimo, lançado ano passado.
O complexo septeto é formado pelos multinstrumentistas David Wileman (guitarra, percussão e teclados), Nicholas Whittaker (saxofone, flauta e teclados), Alex Crispin (teclados e vocais), Daniel Pomlett (baixo, guitarra), Nicholas Richards (guitarra), Ross Hossack (teclados e percussão) e Luke Foster (bateria e teclados).
Arranjos intrincados, forte influência do jazz e uma massa de teclados, sintetizadores, metais e sopros que levam a seguinte pergunta: será mesmo uma banda atual?
Progressivo latente até a última instância, sem precedentes. Até parece que a ilha da rainha parou no tempo e de lá saiu uma banda que até então só competia com Gentle Giant, King Crimson e If.
Só a primeira faixa (sim, faixa, porque o Diagonal também prensou esse trabalho em LP) ouvi umas seis vezes seguidas. Anote aí o título da pérola: Semi-Permeble Men-Brain.
O álbum se desenvolve e passamos por outras maravilhas como Child Of The Thundercloth, com seus acordes dissonantes de guitarra, até chegarmos a última música, Pact, uma pequena suite de 14 minutos com um belo trabalho de bateria a cargo de Luke Foster.
O Reino Unido, berço do rock progressivo, nos devia há muito tempo um trabalho digno de respeito.
Baixe agora o Diagonal e jogue na cara dos idiotas que ainda insistem em dizer que "rock progressivo é música jurássica".
Sim, somos jurássicos, gostamos de música feita e tocada por seres humanos e não a apreciamos por modismos ou tendências, mas sim pelo valor que possui.
E valores não se perdem com o tempo.

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A revista Guitar Lick para os amantes de bons equipamentos e instrumentos musicais.

Levar a cabo um blog não é simplesmente postar um disco e ver o que acontece. Na verdade, um blog é uma excelente ferramenta para levarmos informação adiante e divulgar aquilo que muitas pessoas fazem de legal e interessante dentro da música.
Mas, de nada adiantaria ter esse endereço na internet se elas não produzissem seus trabalhos, ou seja, o Câmara de Eco não seria absolutamente nada se não tivesse algo interessante para divulgar, correto?
Um dos sujeitos mais batalhadores, prestativos e profundo conhecedor de música que conheço é meu grande amigo e padrinho de casamento Rodrigo Ferreira.
Rodrigo é guitarrista, compositor e designer, mora em Mococa/SP e recentemente colocou em prática um de seus projetos mais complexo e audaz: uma revista impressa sobre instrumentos e equipamentos feitos à mão, como também os lançamentos das grandes marcas nacionais.
A revista Guitar Lick apresenta um caminhão de informações para aqueles que tocam algum instrumento e coloca na prateleira a produção de muita gente que fabrica e desenvolve pedais de efeito, instrumentos e amplificadores.
Muito mais que uma revista impressa, a Guitar Lick fecha o cerco em torno das novidades do mercado e se apresenta como opção de leitura e conhecimento para aqueles que gostam de ficar por dentro da produção nacional.
Para comprar a revista, envie e-mail para guitarlick@guitarlick.com.br ou acesse o blog da revista, o Guitar Log, e veja uma prévia da abordagem e conteúdo da revista impressa.
Parabéns ao Rodrigo, por sua iniciativa e compreensão de que, mesmo em tempos de crise econômica, é importante que criemos canais para que os fabricantes de instrumentos e músicos possam divulgar suas marcas e trabalhos, fazendo com que o mercado musical em nosso país não perca fôlego e os leitores encontrem inúmeras opções antes de finalizar a compra de um novo equipo.

Release por Rodrigo Ferreira:
"A GUITAR LICK tem por objetivo informar e educar, sendo destinado aos que compõe esta classe que cresce a cada dia que como a exemplo dos editores desta publicação, foram contaminados pelo vírus GUITARRICUS FATALICS. A GL tem como foco apresentar ao leitor um universo paralelo dos equipamentos hand made bem como o que as grandes marcas nacionais tem trazido de novidade ao mercado, contará também com seções didáticas, com dicas e truques para os amantes das 6 cordas".

Meu Mundo Progressivo...

Essa é uma postagem para descontrairmos.

Indique, de acordo com sua opinião e gosto pessoal, quais são os três melhores ou mais importantes discos de rock progressivo de todos os tempos.

Explique brevemente o porque cada um deles merece sua atenção e carinho especial.

Os três discos mais votados terão uma postagem especial aqui no Câmara no dia 26 de julho e será acompanhada pela análise e opinião de pelo menos três pessoas que fizeram as indicações, por isso, é importante que o texto seja assinado.

Faça seu comentário em "Comentários" até o dia 23 de julho.

Vamos eleger os três grandes clássicos do progressivo, de acordo com a opinião daqueles que acompanham o Câmara de Eco.

Jimi Hendrix - Maui, Hawaii 30-07-1970

Tudo novo: banda nova, nome novo e músicas novas. Foi assim que Hendrix adentrou 1970, com muito gás e vontade de tocar.
Ele tinha muitas idéias e inúmeros projetos para o futuro próximo, como dizem relatos de pessoas muito próximas a ele. Reza a lenda até que estaria planejando algumas jams e possivelmente um álbum em parceria com Miles Davis (o que não seria algo impossível).
Sua nova banda era a Band Of Gypsys, ou “Gypsys”, como gostava de chamá-la às vezes. Foi a primeira vez que Hendrix teve uma formação totalmente afro descendente. E que formação! Billy Cox no baixo e Buddy Miles na batera, que ainda fazia alguns vocais de arrepiar.
Confesso que sou fã de tudo do Hendrix, mas tenho um carinho especial pela Band Of Gypsys. Para mim não é melhor e nem pior que o Experience, mas ela tem um acento funky do qual gosto muito e isso não fez com que ele perdesse sua fúria e selvageria ao tocar guitarra, era apenas mais um elemento em sua música.
Em Maui poderemos curtir suas novas músicas, como as matadoras Ezy Rider, Dolly Dagger, Straight Ahead, Beginnings e uma de minhas preferidas, Freedom.
Pronto, as pedras foram lançadas e Hendrix preparava seu próximo álbum, possivelmente um LP duplo.
Material muito bom não faltava, como podemos ouvir no bootleg Maui e também em discos oficiais como Band of Gypsys (1970) e Live At The Fillmore East (1999).

Esse álbum inacabado veio à luz com o lançamento de The First Rays Of The New Rising Sun, em 1997.
Tudo apontava para um novo direcionamento musical, mas Hendrix sempre foi muito imprevisível e surpreendia os fãs com um lançamento melhor que o outro.
Infelizmente não houve tempo para concluir o quarto trabalho, pois faleceu ainda em 70, em 18 de setembro, deixando uma eterna lacuna no mundo da música e uma pergunta que muitos ainda fazem: o que teria feito nos anos seguintes se estivesse vivo?
Uma coisa é fato: o que fez musicalmente e artisticamente em quatro anos foi o suficiente para mudar drasticamente o conceito musical dos anos seguintes e sua obra, técnica, visão e atitude influenciou e ainda influencia os milhares de músicos espalhados pelo mundo, ainda hoje.
Termina aqui essa pequena série de postagens dedicadas àquele que fez a coisa acontecer quase sem querer.
Valeu Jimi, você é nosso legítimo guitar hero e sua música permanecerá para sempre no lado esquerdo do peito.

Tracklist:

01 Spanish Castle Magic

02 Dolly Dagger

03 Villanova Junction Blues

04 Ezy Rider

05 Freedom

06 Beginnings

07 Straight Ahead

08 Hey Baby ~ Midnight Lightning

09 Race With The Devil ~ Drum Solo

10 Stone Free

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Jimi Hendrix - The Last Experience - Royal Albert Hall, London 24-02-1969

Agora Hendrix desfrutava do sucesso de seus três LP's e sua música alcançava os quatro cantos do planeta, angariando milhares de fãs em uma época em que a informação custava para chegar aos mais longínquos lugares. Diferentemente de muitos outros músicos que faleceram na mesma época, Hendrix ganhou status de super músico e deus da guitarra ainda em vida.

E não foi por acaso, sua música e método nada ortodoxo de se apresentar foi o estopim de uma geração que dia após dia derrubava os muros pré-conceituais da cultura, moral e político daqueles tempos. O mundo estava em constante transformação e Hendrix fez parte dessas mudanças globais com a música que unia num mesmo lugar brancos, negros, pobres e ricos. Todos queriam vê-lo tocar, todos queriam estar próximos da lenda e sentir o poder de sua música.

Estranhamente, sua apresentação no Royal Albert Hall em Londres, em 24 de fevereiro de 69 quase nada apresentou do material contido em Electric Ladyland, lançado em setembro de 68 nos EUA. Pode ser que não o tenha feito pelo fato do concerto ter sido filmado e não quis se arriscar em um material novo para o público. Ainda assim, não sei precisar o motivo.

O fato é que esse foi outro show explosivo do trio, que ainda contava com Noel Reding (baixo) e Mitch Mitchell (bateria). A banda estava afiadíssima e esse registro apresenta uma das versões mais furiosas (talvez a melhor) de Purple Haze.

Existem várias versões em bootleg desse show, alguns simples, outros duplos, porém, é o triplo The Last Experience que trás o show completíssimo, inclusive com a gravação da passagem de som, algo um tanto raro para os bootlegs em geral.

Aqui estão versões incríveis para Stone Free, Room Full Of Mirrors (música gravada em estúdio em novembro de 69 e que só saiu oficialmente em First Rays Of The New Rising Sun, em 1997) e I Don't Live Today, uma música de Are You Experienced (1967) pouco encontrada nos bootlegs. Matadora!

Tracklist:
CD 1
01 Introduction / Tune-up
02 Lover Man
03 Stone Free
04 Getting My Heart Back Together
05 I Don't Live Today
06 Red House
07 Foxy Lady
08 Sunshine Of Your Love
09 Bleeding Heart

CD 2

01 Fire

02 Little Wing

03 Voodoo Child (Slight Return)

04 Room Full Of Mirrors

05 Annoncement / Tune-up

06 Purple Haze

07 Wild Thing

08 Star Spangled Banner / Purple Haze

09 Bleeding Heart (Editado)

10 Room Full Of Mirrors (Editado)

11 Hey Joe

12 Hound Dog #1 (Instrumental)

13 Hound Dog #2

14 Hound Dog #3 (Instrumental)

15 Voodoo Chile (Slight Return)

16 Getting My Heart Back Together

CD 3

01 Tax Free
02 Fire
03 Getting My Heart Back Together
04 Foxy Lady
05 Red House
06 Sunshine Of Your Love
07 Spanish Castle Magic
08 Star Spangeld Banner / Purple Haze
09 Voodoo Child (Slight Return)

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Jimi Hendrix - The Complete Winterland Reels 1968 (6 CD's Box Set)

Aqui começa uma nova fase para Hendrix, tanto no direcionamento musical como também de muitas mudanças.
Em Winterland a banda ainda é o Experience, mas ao logo do ano de 1968 muita coisa aconteceu na carreira do guitarrista, como a gravação turbulenta de Electric Ladyland que culminou na saída temporária do baixista Noel Reding, o abuso de álcool e drogas e a quantidade excessiva de shows, um dos fatores que, acredito eu, possa ter debilitado sua saúde mental.
Ou seja, Hendrix e a banda ficariam cansados devido à loucura da agenda de shows, com viagens de norte a sul sem planejamento adequado.
Um bom exemplo dessa maratona mal planejada por seus managers está justamente em The Complete Winterland Reels 1968. O Experience fez seis apresentações em apenas três dias!
É claro que isso no começo não desgasta o músico, mas imagine você viajando a trabalho para todos os lados do país e sem férias, durante quatro anos, e ainda por cima enchendo a cara nas horas vagas? Uma hora o corpo não aguenta, não é mesmo? Foi mais ou menos isso o que aconteceu com ele.
Bem, Winterland era uma antiga pista da patinação no gelo situada em São Francisco, Califórnia, e foi adaptada para realização de shows. O trio fez três dias de shows simplesmente infernais e apresentando muitas novidades ao público.
Algumas músicas que foram tocadas nessas apresentações foram gravadas em estúdio e só foram lançadas oficialmente na década de 90. Por exemplo, Lover Man era o título provisório de Here He Comes (Lover Man), gravada em outubro, e a jam Tax Free foi gravada em janeiro. Ambas as versões saíram em South Saturn Delta (1997).
Voodoo Child (Slight Return) saiu em Electric Ladyland, mas já era tocada ao vivo há um bom tempo.
Além dessas novidades no setlist, Hendrix contou com algumas participações muito especiais: em um dos shows Virgil Gonsales tocou flauta em Are You Experienced?, Jack Casady, baixista do Jefferson Airplane, tocou duas músicas em outro e num terceiro contou com o tecladista Herbie Rich em cinco músicas.
Aqui você poderá também conferir versões arrasadoras de Like A Rolling Stone, Sunshine Of Your Love, Manic Depression, Hey Joe e Spanish Castle Magic.
A gravação desse bootleg é perfeita porém, a gravação do primeiro show do dia 11 foi interrompida e completada com algumas músicas registradas na platéia. Fora isso, essa box é completíssima e capta nosso guitarrista inspiradíssimo.

Tracklist:

10/10/1968 - 1º Show

01. Intro

02. Are You Experienced?

03. Voodoo Child (Slight Return)

04. Red House

05. Foxy Lady

06. Like A Rolling Stone

07. Star Spangled Banner

08. Purple Haze / Outside Woman Blues

10/10/1968 - 2º Show

01. Intro

02. Tax Free

03. Lover Man

04. Sunshine Of Your Love

05. Hear My Train A Comin'

06. Killing Floor (com Jack Casady no baixo)

07. Hey Joe (com Jack Casady no baixo)

08. Star Spangled Banner

09. Purple Haze

11/10/198 1º Show

01. Intro

02. Are You Experienced? (com Virgil Gonsales na flauta)

03. Voodoo Child (Slight Return)

04. Red House

05. Foxy Lady

06. Star Spangled Banner

07. Purple Haze

11/10/1968 2º Show

01. Intro

02. Tax Free

03. Spanish Castle Magic

04. Like A Rolling Stone (com Herbie Rich no teclado)

05. Lover Man (com Herbie Rich no teclado)

06. Hey Joe (com Herbie Rich no teclado)

07. Fire (com Herbie Rich no teclado)

08. Foxy Lady (com Herbie Rich no teclado)

09. Purple Haze

12/10/1968 1º Show

01. Intro

02. Fire

03. Lover Man

04. Like A Rolling Stone

05. Foxy Lady

06. Blown Amp Blues (Noel Redding & Mitch Mitchell Jam)

07. Tax Free

08. Hey Joe

09. Purple Haze

10. Wild Thing

12/10/1968 2º Show

01. Intro

02. Foxy Lady

03. Manic Depression

04. Sunshine Of Your Love

05. Little Wing

06. Spanish Castle Magic

07. Red House

08. Voodoo Child (Slight Return)

09. Star Spangled Banner

10. Purple Haze

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Jimi Hendrix - Olympia, Paris, France 29-01-1968

O ano era 1968, final de janeiro, mais precisamente dia 29 e o Jimi Hendrix Experience se apresentava no Olympia em Paris (uma antiga sala de concertos onde dezenas de bandas legais tocaram), quase dois meses depois de lançar seu segundo álbum, Axis: Bold As Love.

Apesar do recente lançamento, o repertório da noite foi baseado nas músicas do primeiro álbum e algumas outras até então só tocadas ao vivo como Killing Floor (cover de Howlin' Wolf), Catfish Blues (um mix de duas músicas de Muddy Waters, Rollin’ Stone e Still A Fool) e Drivin' Soul, de Curtis Knight, cujo título correto é Driving South.

Pra quem não se lembra, Hendrix foi guitarrista na banda de Knight antes de formar o Experience e ser descoberto por Chas Chandler.

De Axis: Bold As Love a única presente é Little Wing. Uma pena, pois o álbum é formidável, mas veremos mais músicas desse disco nos próximos bootlegs.

Em Olympia, Hendrix se mostra muito descontraído, interagindo com o público e como sempre, arrebentando com sua banda nesse show formidável.

Interessante é a reação do público que aplaude bastante em The Wind Cries Mary, levando-se em consideração que ela só saiu na Inglaterra como single. Somente a versão americana e canadense de Axis: Bold As Love continha essa faixa e mesmo assim foi um dos primeiros sucessos de Hendrix na Inglaterra.

Em Little Wing, uma das mais belas canções de Hendrix ao lado de Have You Ever Been (To Electric Ladyland), nosso herói esbanja feeling e técnica, tirando mais aplausos da platéia.

E a qualidade de gravação desse boot? Impecável.

Tracklist:

1. Killing Floor

2. Catfish Blues

3. Foxy Lady

4. Red House

5. Drivin Soul (correto: Driving South)

6. The Wind Cries Mary

7. Fire

8. Little Wing

9. Purple Haze

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